단계별로 나뭇잎을 그립니다. 참나무 잎을 그리는 방법? 베이스부터 그려봅시다.

건식 기법에서는 종종 겹치는 투명 또는 반투명 레이어를 적용하여 건식 수채화 시트 작업을 만듭니다. 이 기술을 사용하면 나뭇잎의 색상이 매우 많이 사용되어 의도치 않게 나뭇잎이 그대로 남아 있게 됩니다. 이 기술은 바람이 잘 통하고 대비가 풍부하며 그림처럼 아름답습니다.

이번 수채화는 건식으로 진행되었습니다. 배경에 레이어들이 어떻게 쌓여서 독특한 수채화 그림을 이루는지 볼 수 있습니다. 흰 꽃은 흰 잎으로 물들어 있습니다. Marinov는 흰 꽃의 진정한 대가이며 거의 그림을 그리지 않고도 사실적인 그림을 보여줄 수 있습니다. 그의 수채화의 특징은 가장 밝은 부분과 가장 어두운 부분의 대비, 독점적인 조명 및 이야기의 선택입니다. 건식장비로 작업하는 불가리아 및 외국 작가들을 더 많이 소개하여 얼마나 훌륭한지 확인하도록 노력하겠습니다.

모크라타스에서는 잎이 자연적으로 촉촉하고 착색 시에도 젖어 있습니다. 이런 식으로 색상을 혼합하면 독특하고 독특한 오버레이가 만들어집니다. Anita Jansen의 수채화 습식 기법. 여기에서 작가가 어떻게 젖은 시트 페인트와 물을 추가하여 정확한 결과를 얻어 미묘하고 아름다운 전환을 만들어냈는지 확인할 수 있습니다. 습식 기법은 물, 강, 호수를 그리는 데 매우 적합하며 일반적으로 수채화는 종이에 무엇을 칠하느냐에 큰 차이를 만듭니다.

이것은 책에서 쓰여진 상당히 광범위한 문제입니다. 기본적으로 몇 가지 핵심 사항이 더 있지만, 더 깊이 들어가 보면 눈에 띄는 기능이 많이 있습니다. 전반적으로 수채화 기법은 놀랍도록 즐겁고 편안합니다. 투명도부터 풍부하고 밀도 높은 톤까지 혼합된 모든 색조로 인해 매우 효과적이고 아름다워집니다. 수채화를 그리는 방법을 정말로 배우고 싶다면 엄청난 모험과 많은 것을 준비해야 합니다. 새로운 정보아직 그렇게 하지 않았다면.

위에서 말했듯이 문서에 따라 다양한 기회가 제공되므로 그림을 그리는 것이 매우 중요합니다. 수채화의 좋은 점은 바탕이 되는 판지 시트가 상대적으로 가볍고 휴대하기 쉽다는 것입니다. 따라서 자연 속, 좋아하는 건축 기념물 앞 광장 또는 아름다운 마을 등 작업 분위기를 조성하기 위해 몇 분 안에 어디든 갈 수 있습니다. 읽을 수 있는 문서 유형의 경우 추가 정보위의 텍스트에서.

작업하는 동안 종이를 쌓아두는 것이 좋습니다. 약한 종이 테이프로 붙이면 작업을 시작할 준비가 된 것입니다. 컬러 게임에서 긴장을 풀고 감정적인 펀치를 남기고 싶다면 언제든지 스케치 없이 그리기를 시작할 수 있습니다. 그러나 특정 주제를 그리고 싶다면 연필로 시작하여 그릴 개체의 윤곽을 그려보세요. 무엇이 "내부에서 나올지" 기대하지 말고, 구체적인 모습을 만들고자 하는 열망에 부지런히 임하십시오. 입력한 연필과 윤곽선이 그림에 표시되지 않도록 하려면 마침내 이를 사용할 수 있습니다.

이렇게 하면 페인트 위에 윤곽선을 분리할 수 있는 기회가 생기고 윤곽선이 녹아서 그림에 섞일 것입니다. 이것이 수채화의 기본 규칙입니다. 항상 그림의 밝은 부분부터 시작하여 점차 어두워집니다. 이 원리는 다른 방법과 마찬가지로 한 번 시트에 무엇인가를 그리면 제거할 수 없고, 어떤 색으로 덮고 계속해서 갱신하거나 변경할 수 없다는 사실로 설명됩니다. 그렇기 때문에 항상 밝은 부분부터 시작해서 그림의 어두운 부분이 점차 전개됩니다.

종이에 페인트를 칠하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 잎이 건조한지, 칙칙한지, 페인트를 어떻게 바르는지에 따라 가능성은 다양합니다. 도면에서 다른 항목 전체 또는 일부를 사용하는 방법. 수채화 물감은 건조되면 약간의 빛이 납니다.

마른 종이에 두꺼운 톤은 종이에 물감을 듬뿍 묻힌 붓으로 완성됩니다. 페인트가 건조되면 균일해지며 해당 색상의 강도가 전체 영역에 거의 동일해집니다. 하늘을 상대적으로 균일한 색상으로 만들거나 상대적으로 균일한 그림자를 만들려는 경우 매우 자주 사용됩니다. 서로 다른 그리기 앱이 함께 작동한다는 점을 명심하세요.

당신이 보는 것은 마른 종이 위에 만들어졌습니다. 먼저 좀 더 강렬한 톤을 적용하고 그 아래에는 물을 많이 뿌린 톤으로 칠하고 그 아래에는 톤이 거의 없습니다. 무슨 일이 일어나는지는 상부 페인트가 물에 침투하여 기어가서 고르게 퍼지는 것입니다. 이는 오버레이를 수행하는 좋은 방법이며 효과는 매우 아름답습니다. 다른 유형의 페인트와 다양한 조합으로 사용할 수 있습니다.

이 그림을 그리려면 붓이 젖었지만 목이 말라야 합니다. 젖은 천으로 닦아서 머리카락을 축축하게 유지하면서 더 많은 물을 사용할 준비가 되어 있으면 됩니다. 그런 다음 브러시가 "목마르다"고 말합니다. 붓이 마른 상태에서 물감을 묻히면 물감이 묻어나지 않고 잡아당겨집니다. 과잉 물, 그리고 칠할 때 페인트를 더 단단하게 두게 되며 이로 인해 마른 페인트가 비산되는 효과를 얻을 수 있습니다. 이 그리기 스타일은 뛰어난 효과를 생성하며 특정 패턴을 만드는 데 사용할 수 있습니다.

방금 다른 색으로 칠한 부분에 칠하면 두 색이 매우 부드럽게 섞여서 거품 효과를 줍니다. 두 색상이 서로 약간 또는 거의 병합되지 않기 때문에 연습에는 두 색상 사이에 명확하고 범주적인 경계가 없습니다. 이것은 하늘뿐만 아니라 물 표면에 물과 반사를 그리는 좋은 방법입니다. 이러한 유형의 페인팅을 사용할 수 있기 때문에 이러한 방식으로 수행할 수 있는 작업의 가장 대표적인 예는 다음과 같습니다. 엄청난 숫자사례.

불가리아와 전 세계에는 기본을 알고 있는 재능 있는 수채화 예술가들이 많이 있으며 그들의 작품은 인상적입니다. 예술을 진정으로 경험하기 위해서는 예술을 더 잘 알고, 더 가까이 다가가야 한다고 합니다. 그래서 그것이 실제로 얼마나 놀라운지 더 잘 이해할 수 있습니다. 이 수채화는 작가 Zdravko Stoichev가 Bozhentsi의 아름다운 겨울 풍경을 그린 것입니다. 여기에서 눈 속에 위치한 집을 볼 수 있으며 작가가 자신이보고 느낀 것을 우리에게 보여주고 그가 보는대로 모든 영광을 보여주고 싶을 때 결과가 얼마나 아름다운지 이해하려고 노력할 수 있습니다.

이것은 눈 속에 아름답게 자리 잡은 별장을 어디에서 볼 것인지에 대한 매우 즐거운 평가의 결과입니다. 여기에서는 불가리아 작가 Daniela Knezevic의 수채화를 다시 볼 수 있습니다. 가까운 물체는 더 어둡고 대비되는 색상으로 그리는 반면, 멀리 있는 물체는 더 밝고 투명한 색상으로 그리는 방법에 주목하고 싶습니다. 이렇게 하면 앞에 있는 나무가 더 가까워지고 뒤에 있는 나무가 완전히 녹아버릴 때까지 더 멀리 움직이는 듯한 느낌을 줍니다. 이 그림 구성은 숲과 자연의 거의 모든 풍경과 그림에서 볼 수 있습니다.

그것은 매우 아름답고 현실 세계가 매우 예술적이고 아름답게 보이는 방식을 반영합니다. 집이든 숲이든 무엇이든 무엇을 그리든 공중 시야의 기본 규칙을 잊어서는 안 됩니다. 가까이 있는 물체는 매우 선명하고 선명하게 보이는 반면, 멀리 있는 물체는 점점 희미해지고 모호해집니다.

여기에서 그림에서 빛이 얼마나 중요한지 매우 명확하고 명확하게 이해할 수 있습니다. 진짜 도전은 흰색 물체를 칠하는 것입니다. 왜냐하면 묘사하기 위해서는 일반적으로 종이의 흰색을 사용하고 이는 칠해진 영역이 아니기 때문입니다. 즉, 작가는 종이의 색을 그림에 활용하고, 뛰어난 장인정신을 바탕으로 좋은 결과를 얻고자 하는 것이다. 빛이 어디서 오는지, 직접 조명을 받는 영역, 그림자가 나타나는 영역 등 이 모든 것이 수채화에서는 매우 중요하며 작가가 다시 그림을 편집할 기회가 없기 때문에 매우 중요합니다.

편집할 여지는 있지만 거의 없습니다. 소녀의 드레스에 주목하면 그녀가 그늘을 통해 어떻게 완전히 드러나는 지 볼 수 있습니다. 또한 촛대와 그것이 소녀의 손에 드리우는 그림자를 회전시킵니다. 일반적으로 이러한 세부 사항은 전체 작업을 훨씬 더 완벽하게 보여줍니다.

여기에서 수채화 그림의 흰색 구아슈를 명확하게 볼 수 있습니다. 이렇게 작은 크기에서는 그림의 다른 곳에 구아슈가 있는지 알 수 없지만 흰색 구아슈가 매우 단정적으로 사용되므로 이 그림을 예로 보여줍니다. 일반적으로 구아슈는 두꺼운 톤의 일부 세부 사항을 제거하거나 이미 더 어두운 색상이 존재하고 수채화 물감으로 더 이상 이를 구현할 수 없는 영역에 흰색을 추가하기 위해 수채화 그림에 추가됩니다. 그러나 다른 곳에서는 의도적으로 매우 적극적으로 사용되며 일반적으로 예술가가 달성하려는 특정 효과와 관련됩니다.

예를 들어 구아슈를 사용하여 숲을 칠할 때 매우 자주 밝은 색상의 매우 미세한 점을 추가하면 밝은 영역과 어두운 영역 사이의 대비를 더 잘 볼 수 있습니다. 이를 통해 대비를 높이거나 더 잘 보고 싶은 세부 정보를 추출할 수 있습니다. 아름다워서 게시하는 것뿐만 아니라, 그려지는 디자인의 밀도를 문자 그대로 볼 수 있고, 여기에 있는 꽃과 물감의 종류와 위에 제시한 수채화의 차이점이 무엇인지 여기에서 볼 수 있기 때문에 게시합니다. . 수채화는 더욱 미묘하고 투명하므로 예술적으로 서로 교차하는 "점"에 그림을 그릴 수 있습니다.

수채화에서는 그림이 그려지는 종이의 색이 매우 널리 사용됩니다. 빈자리가 남는 경우가 많습니다. 디자인이 종이 가장자리까지 채워지지 않는 경우가 많지만 오히려 물체가 미완성 공간에 "녹아" 가벼움과 효율성의 효과를 얻을 수 있습니다. 구아슈 페인트는 다른 가능성을 제공합니다. 이것이 작가들이 때때로 그것들을 혼합하여 조합하여 작업하고 때로는 별도로 사용하는 이유입니다.

프레스코(Fresco) - 수성 페인트(수채화, 구아슈 등)로 만든 프레스코입니다. 습식 프레스코 또는 단순히 프레스코는 정말 흥미롭고 아름답습니다. 젖은 표면에서 작동합니다. 이는 석고를 바른 직후에 칠하기 때문에 더 어렵습니다. 페인트의 목적은 석고가 건조되면서 석고에 스며드는 것입니다. 이렇게 하면 도면의 수명이 늘어납니다. 알려진 세계프레스코화 - 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로. 불가리아에서는 마스터 Boyana, Pimen Zografski, Dimitar Zograf, Zachary Zograf 등이 프레스코화를 제작했습니다.