MBOU DOD "DMSH No. 1"(Rubtsovsk)의 교사

돔라 연주 기법

돔라(Domra)는 몸체가 타원형인 고대 러시아의 민속 현악기입니다. 소위 땅부르 모양의 악기 계열에 속합니다. 돔라는 16세기에 러시아에서 가장 널리 퍼졌습니다. 그 후 버푼에 대한 박해가 시작되었고 돔라는 사람들의 삶에서 사라졌습니다. 19세기 90년대에 악기가 복원되고 재설계되었습니다. 동시에 게임기술의 적정성을 판단하는 문제도 제기되었다. 우리는 살아남은 고대 문서에서 노는 법을 배웠습니다. 그들은 "표르카"(깃털, 깃털)를 사용하여 돔라를 연주하는 방법을 언급했습니다. 이 언급은 플렉터(중재자)와 함께 돔라를 연주하는 방법을 확립하는 기초가 되었습니다. 바다거북 등껍질, 셀룰로이드, 가죽, 플라스틱 등으로 만든 단단한 판입니다. 돔라의 사운드 생성은 중재자를 사용하여 수행되었으므로 이를 연주하는 첫 번째 방법은 이미 기존 기술로 구성되었습니다. 즉, 현을 픽으로 한 번 아래로 타격, 픽 다운 및 업으로 타격을 측정하여 교대로 수행하는 것입니다. 그 당시 돔라 연주 기술은 이러한 연주 기술의 사용을 기반으로 했습니다. 그러나 나중에 악기 범위의 특징, 연주 기술의 향상, 민속 악기 연주 문화의 전반적인 발전은 돔라 연주를 위한 새로운 기술의 발명에 기여했습니다.

연주 테크닉은 악기에서 원하는 사운드를 얻기 위한 기술적인 방법입니다. 방법론적 돔라 문헌에서는 하향, 상향 기술의 조음 스트로크 지정을 "하향 타격" 및 "상향 타격"이라고 합니다. "타격"은 돔라 터치 유형 중 하나이기 때문에 이것은 완전히 정확하지 않습니다. V. Kruglov에 따르면 중재자의 이동 방향을 아래쪽과 위쪽으로 고려하는 것이 옳습니다. 학습 초기 단계에서 곡괭이를 연주할 때 오른손의 움직임은 매끄러워야 하며 현을 따라 누르고 미끄러져야 합니다. 먼저 도구 없이 테이블 위에서 이러한 동작을 수행하는 것이 좋습니다. 이렇게하려면 척골 측면이있는 테이블 위에 오른손 팔뚝을 놓고 손목을 약간 올린 다음 테이블에서 새끼 손가락을 떼지 않고 여러 번 회전 운동을해야합니다. 다음으로 오른손 팔뚝을 현 위로 옮기고 이 동작을 반복합니다. 때때로 끈에 대한 "실패한"지인의 이유는 끈과의 강한 접촉을 유발하는 잘못된 교육적 태도 때문일 수 있습니다. 예를 들어, “현 치는 연습을 하자”와 같은 지시는 “현을 눌러라”와 같이 대체되어야 합니다. 돔라에서 소리를 내는 방법에는 누르기, 밀기, 던지기의 세 가지 방법이 있습니다. S. Lukin은 훈련 초기 단계에서 누르기와 던지기라는 두 가지만 마스터할 것을 권장합니다. 압박 게임 동작은 휘두르지 않고 줄로 이루어집니다. 줄에 대한 던지기 타격은 손이나 심지어 팔뚝을 휘두르면서 이루어집니다. 미는 동작은 큰 스윙으로 시작하고, 활동적인 손과 작은 스윙으로 시작합니다. 이를 통해 손의 모든 파워 리저브와 주로 팔꿈치의 움직임을 연결할 수 있습니다. 현과 접촉하는 순간이 가속됩니다.

게임의 다음 주요 기술은 트레몰로입니다. 픽업을 균일하고 자주 번갈아 가며 스트링을 올리면 달성됩니다. 이 기술은 연속적인 사운드에 사용됩니다. 학생이 픽 다운 및 스트링 업으로 연주할 때 손과 팔뚝의 회전 동작을 충분히 마스터한 후에 개별적으로 트레몰로 마스터를 시작해야 합니다. 처음에는 느린 템포와 낮은 음율로 트레몰로를 마스터한 다음 점차적으로 주파수를 높이는 것이 좋습니다. 트레몰로를 마스터할 때 몇 가지 조용한 연습을 권장할 수 있습니다. 예를 들어, 테이블 위에서 팔뚝과 손의 움직임을 마스터하고, 현 연주를 모방하고, 이전에 현 아래에 종이 한 장을 놓고, 더 부드러운 곡괭이로 연주합니다. 때때로 트레몰로를 마스터하는 것은 "짧은 트레몰로" 작업(4분음표, 5분음표 등) 작업으로 도움이 될 수 있습니다. 그런 다음 음악의 작은 부분, 멜로디 전환(동기, 문구, 문장 등) 연주로 넘어갈 수 있습니다.

게임의 다채롭고 예술적인 기술은 특정한 음향 효과를 만들어내는 역할을 합니다.

피치카토(Pizzicato)는 현악기를 (손가락으로) 튕겨 소리를 내는 기술입니다. 많은 교육 자료에서는 이 기술을 사용하여 domra에 대한 실제 연습을 시작할 것을 권장합니다. S. Lukin의 피치카토 연주 학교에서는 엄지 손가락을 피자 b로 지정합니다. p., V. Kruglova는 피치카토 검지 손가락을 사용하며 피자 영국으로 지정됩니다. p.기본 기술: 핀치 다운 및 업. V. Kruglov는 "A"현에서 검지 손가락을 위쪽으로 뽑는 것부터 시작할 것을 제안합니다. 그에 따르면 이는 여러 가지 이점을 제공합니다. 위쪽 핀치는 손과 팔뚝의 회전 움직임으로 발생합니다. 이 동작을 반복하는 것은 어렵지 않지만 반대 방향으로 엄지손가락을 아래로 집습니다. 나머지 손가락은 엄지손가락과 함께 움직이며 돔라의 몸체를 지지하지 않습니다. 우리 학교의 돔리스트 교사들은 개방현을 엄지손가락으로 연주하여 피치카토를 연주함으로써 악기 연주를 익히기 시작합니다. 엄지손가락으로 피치카토를 연주할 때 피크는 검지와 중지 사이에 있어야 합니다. 무료로 제공됩니다 무지자연스러운 자유의 느낌을 만들어 낼 것입니다. 나머지 손가락은 필요한 소리의 밀도에 따라 몸의 가장자리로 돔라를 지지하거나 껍질에 기대어 놓을 수 있습니다. 가운데 손가락 피치카토 - 피자 평균. p.는 위쪽으로 이동하여 수행됩니다. 집게 손가락으로 피치카토 - pizz uk. p. "딸랑이"의 발랄라이카 기술을 모방합니다. 왼손 손가락을 사용한 피치카토(브레이크)는 단음표나 음계와 같은 하강 악절을 연주하는 데 자주 사용됩니다. 이 경우 소리를 낼 때 양손을 교대로 사용하는 것이 일반적입니다. 오른손의 손가락이나 중재자가 소리를 내고, 왼손의 손가락이 현에서 미끄러지면서 후속 소리가 발생합니다. 동시에 손바닥으로 손을 약간 회전시키면서 팔꿈치 관절을 왼쪽으로 외전하면 줄에 대한 손가락의 압력이 증가하고 손의 모든 부분의 움직임이 탄력있게됩니다. 더 밝은 색상을 얻으려면 손가락 손톱 지골 패드 중앙에서 소리를내는 것이 좋습니다. 또 다른 연주 방법은 왼손 손가락 중 하나로 잡은 현을 프렛 플레이트를 따라 당긴 다음 급격하게 낮추는 것입니다. 댐퍼 피자는 브리지의 현을 오른쪽 손목 손바닥으로 눌러 하나 이상의 현을 음소거하는 것입니다.

분수 지정(기타). 오른손의 손가락을 순차적으로 움직이는 슬라이딩 타격의 특정 교대. 스트레이트 샷은 새끼 손가락부터 시작하여 모든 현을 따라 아래쪽으로 손가락을 움직이는 것입니다. 역분율도 비슷한 상승 움직임을 보입니다. 중재자와 함께 수행할 수도 있습니다. 직접 분수는 크고 작은 것으로 나뉩니다. 큰 것은 모든 손가락을 포함하고 작은 것은 4개의 손가락만 포함합니다.

기타 기술은 엄지손가락을 아래로, 집게손가락을 위로(pizz b. 및 uk.로 표시) 두 손가락을 뽑아 동시에 수행됩니다.

기타 레가토는 음표 위에 ' 기호로 표시됩니다. 오름차순으로 사용되며, 픽으로 치면 왼손 손가락을 프렛에 던져 후속 음표를 연주할 수 있습니다.

자연 고조파 - o 및 인공 고조파 - ̅. 자연 하모닉스는 왼손 손가락의 특정 지점을 터치하여 프렛 플레이트 바로 위의 현을 겹쳐서 생성되는 반면, 소리는 오른손 손가락이나 피크에 의해 생성됩니다. 인공 고조파 - 일반 음표는 왼손 손가락으로 현을 누르는 위치를 나타냅니다. 다이아몬드 모양의 음표는 오른손 중지가 현에 닿는 부분입니다. 실제로 연주할 때 옥타브 인공 고조파가 주로 사용되며 5도와 4도는 덜 자주 사용됩니다. 인공 트레몰로 하모닉스를 수행하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 그 중 하나는 왼손의 손가락이 특정 프렛의 현을 누르고 특정 간격에 해당하는 접촉 지점에 있으며 오른손으로 소리가 생성되는 것입니다. 또 다른 방법으로는 엄지와 중지로 픽을 잡고, 풀어진 검지를 현과 접촉하는 지점에 놓아 하모닉을 얻는 방법도 있다. 자연적인 트레몰로 고조파의 실행은 설명된 추출 방법의 실행과 다르지 않습니다. 트레몰로 하모닉스는 연주하기 매우 복잡한 기술이므로 음악 학교에서의 숙달은 실제로 수행되지 않습니다. 이중 및 삼중 고조파를 수행하는 기술은 단일 고조파와 동일합니다.

비브라토(이탈리아 비브라토 진동)는 현악기를 연주할 때 왼손 손가락을 현에 진동시키는 것으로 구성되어 작은 한계 내에서 소리의 피치를 주기적으로 변경하는 연주 기술입니다. 또한 팔뚝의 회전 운동과 오른손의 곧은 손을 사용하여 수행됩니다. 소리는 마치 현을 쓰다듬는 것처럼 손가락으로 부드럽게 미끄러지는 동작으로 생성됩니다. 손바닥의 가장자리는 스탠드 뒤에 위치하며 소리 생성 후 회전 동작을 수행합니다. 떨릴 때 비브라토는 거의 눈에 띄지 않아야 합니다. 왜냐하면 이 기술을 과도하게 사용하면 잘못된 억양이 발생할 수 있기 때문입니다.

Glissando(프랑스식 글리스투 슬라이드). 음표 사이에 물결 모양의 선과 약어로 글리스(gliss)가 표시되어 글라이딩 방향을 나타냅니다. 연주의 특이성은 왼손의 손가락이 소리가 나는 현의 반음계를 따라 한 음표에서 다른 음표로 아래에서 위로 또는 위에서 아래로 미끄러지는 것입니다. 이 기술은 악보에서 음표 사이의 직선으로 표시되는 칸틸레나의 포르타멘토 표현 글리산도와 혼동되어서는 안 됩니다.

활발한. 오른손 검지로 모든 현을 위아래로 균일하게 스트로크하는 것입니다. 검지를 제외한 오른손의 모든 손가락은 함께 모여 약간 구부러져 있습니다. 엄지손가락은 검지와 마찬가지로 자연스러운 위치에 있지만 검지 가운데 지골 관절에 약간 위치합니다. 브러시는 완전히 자유롭고 펼쳐져 있습니다. 손을 아래로 내리면 현을 따라 검지 손톱 가장자리에서 소리가 납니다. 팔뚝을 원래 위치로 되돌릴 때 검지 손톱 지골 패드를 사용하여 아래에서 위로 타격을가합니다.

지판에서 연주하는 것은 ord이고 브릿지에서 연주하는 것은 sulponticello입니다. 음색 효과.

소음(소리) 효과. 타악기를 모방하는 특정 음조가 없습니다. 브릿지 뒤에서 연주하고, 머리로 연주하고, 고정된 현을 따라 연주하고, 픽의 측면으로 현을 따라 연주합니다. 바람과 파도 소음의 효과. 데크가 바닥과 평행하도록 손으로 돔라를 들어 올리고 몸쪽으로 돌려야 합니다. 더 강한 소리를 얻으려면 가장 좋은 공명점을 찾으면서 성대에 불어 넣어야 합니다. 기타 탬버린 기법인 콘 탐부로(con tamburo)는 스탠드에서 오른손 가운데 손가락을 강하게 치거나 스탠드의 현을 약간 왼쪽으로 치면서 연주됩니다.

하나 또는 다른 연주 기술을 사용하면 악기를 사용하여 음악적 이미지를 식별하고 표현적인 연주를 달성하는 데 도움이 됩니다. 모든 연주 기술의 기준은 음악적, 예술적 사용 가능성, 즉 최소한의 에너지 소비와 최대 효과 달성이어야 합니다. 결론적으로, 연주 기술은 스트로크와 지속적으로 상호 작용한다고 말하고 싶습니다. 예를 들어 레가토 스트로크와 돔라의 구현 기술은 트레몰로입니다. 다양한 사운드 생성 방법, 돔라 연주 기술, 다양한 스트로크 사용 및 그 조합의 숙달은 표현 연주의 기초입니다. 연주자는 연주기법과 타법을 통해 작품의 성격과 내용에 접근한다.

문학:

1. 볼스카야, T.다채로운 게임 기술 수행을 위한 기술 [텍스트]: 교과서. 용돈 / , . – Ekaterinburg: Kedr, 1995. – 51페이지.

2. 크루글로프, V.돔라 연주 학교 [텍스트]: - M.: RAM im. 그네신, 2003. – 195p. – 195년대. – ISBN.

3. 루킨, S.F. 3현 돔라 연주 학교 [텍스트]: 파트 I: 교과서. 용돈 / . - Ivanovo : , 2008. – 83 p. – 1500부, 파트 II: 교과서. 용돈 / . - Ivanovo : , 2008. – 87 p. – 1500부.

4. 스타비츠키, Z.돔라 게임을 위한 초기 훈련 [텍스트]: 교과서. 매뉴얼 편집자 I. Shitenkova. – L .: 음악, 1984. – 43p. – 15700부.

교사

사진

돔라 레슨

Domra는 고대 러시아 현악기입니다. 3개(때때로 4개)의 현이 있으며 일반적으로 픽으로 연주됩니다. Domra는 러시아 발랄라이카의 원형입니다.

그것이 어디서 왔는지, 언제 어떻게 Domra가 Rus에 나타났는지는 여전히 연구자들에게 미스터리로 남아 있습니다. 안에 역사적 자료돔라에 대한 정보는 거의 보존되지 않았으며 고대 러시아 돔라에 대한 이미지는 훨씬 더 적습니다. 그리고 우리에게 전해진 문서에 돔라가 묘사되어 있는지, 아니면 당시 흔히 볼 수 있었던 다른 뽑아낸 악기들에 묘사되어 있는지도 알려져 있지 않습니다. 돔라에 대한 최초의 언급은 16세기의 자료에서 발견되었습니다. 그들은 당시 Rus에서 돔라가 상당히 널리 퍼진 악기라고 말합니다.

또한 돔라와 돔라 공연자(부푼과 "돔라체이")가 사람들 사이에서 상당한 인기를 누린 것으로 알려져 있습니다. 모든 종류의 축하 행사, 축하 행사 및 축제항상 모든 민족 가운데 그들은 노래와 악기 연주를 동반했습니다. 중세 시대의 Rus에서는 많은 "주치의", "guselniks", "skrypotchikov" 및 기타 음악가들이 사람들을 즐겁게 했습니다. 돔라에서는 구슬리처럼 민속 서사시, 서사시, 전설을 동반했고, 민요에서는 멜로디 라인을 지원했습니다.

오늘날 돔라는 무엇보다도 엄청난 음악적, 표현적 잠재력을 지닌 젊고 유망한 악기이며 진정한 러시아에 뿌리를 두고 있음에도 불구하고 학문적 장르의 정점에 도달했습니다. 앞으로 그의 운명은 어떻게 될까요? 바닥은 당신 것입니다, 친애하는 돔리스트 여러분! 돔라를 연주하는 학교인 Virtuosos가 이미 학생들 사이에서 여러분을 기다리고 있습니다.

가격 및 코스정보

코스 - 4회

이 코스를 통해 돔라(domra)가 무엇인지, 이 악기를 연습하는 방법을 배울 수 있습니다.

코스 - 8레슨

돔라 연주법을 이제 막 배우기 시작한 사람들을 위한 최고의 돔라 강사와 함께 악기에 대해 더 잘 알고 자신의 장점을 평가할 수 있는 좋은 기회입니다. 초보자를 위한 돔라 레슨은 다음과 같습니다.

• 올바른 손 위치를 배우고 배우십시오
• 게임의 기본 기술을 익히세요
• 화음을 배우다
• 선택한 연주 스타일을 더 잘 알아보세요
• 간단한 곡을 배우고 연주로 친구와 가족을 놀라게 하세요.

코스 - 12레슨

12개의 레슨에서는 코드 연주뿐만 아니라 멜로디 작곡 및 아르페지오 연주를 위한 다양한 옵션도 익히게 됩니다. 자신의 연주와 함께 좋아하는 노래로 사랑하는 사람을 기쁘게 할 수 있습니다.

코스 - 24회

이 작품은 저자의 개인적인 교육 경험과 이전 세대의 음악 교사의 경험을 결합한 것입니다. 이것 방법론적 발전개별 음악 수업을 조직하고 기관에서 작업을 계획할 때 사용할 수 있습니다. 추가 교육. 나는 내 관찰 결과가 돔파 교사들의 전문적인 음악 교육 활동에 도움이 되기를 바랍니다.

다운로드:

시사:

주립 교육 기관

Frunzensky 지역 체육관 No. 587

구조적 세분화

추가 교육학과

방법론적 개발

질문 통합 개발돔라 연주를 배우는 초기 단계의 어린이

추가 교육 교사

이그나티에바 나탈리아 르보브나

상트 페테르부르크

2010

설명문

음악 교육은 미적 교육의 핵심 구성 요소 중 하나이며, 어린이의 인성 발달에 특별한 역할을 합니다. 이 역할은 한편으로는 예술 형식으로서의 음악의 특성과 다른 한편으로는 어린 시절의 특성에 따라 결정됩니다.

음악은 본질적으로 즉각적 내용에서 감정적입니다. 이러한 놀라운 기능 덕분에 감정 인지의 도구가 되며, 특히 모든 연령대 중에서 가장 민감한 어린 시절에 사람의 감정 영역 발달을 위한 비교할 수 없는 기회를 제공합니다.

음악 교육학은 과학일 뿐만 아니라 예술이기도 합니다. 그리고 예술은 창의적 독창성과 불가분의 관계가 있습니다. 아이들과 함께 일하는 교사는 다재다능한 지식뿐만 아니라 창의적인 독창성을 갖추어야 합니다.

음악 교사의 창의적인 활동은 한편으로는 그의 성격의 교육적 지향에 달려 있고 다른 한편으로는 그의 전문 지식, 악기 숙달 및 음악 교육 장비에 달려 있습니다. 음악 교육 활동의 특이성은 음악 예술을 통해 교육적 문제를 해결한다는 점이며, 그 특징은 구성 요소 사이에 예술적, 창의적 원칙이 존재한다는 것입니다.

모든 교육학은 다음 네 가지 질문에 대한 답변에 의해 결정됩니다.누구를 가르쳐야 하는지, 왜 가르쳐야 하는지, 무엇을 가르쳐야 하는지, 어떻게 가르쳐야 하는지. 오스트리아의 피아니스트이자 교사인 Arthur Stabel은 교사의 역할은 학생을 밀어내는 것이 아니라 문을 여는 것이라고 말했습니다. 모든 교사가 직면한 가장 중요한 임무는 각 학생을 교육하고 훈련하는 가장 효과적인 방법을 끊임없이 찾는 것입니다.

자연스럽게 검색이 되네요 개별 약속훈련은 음악적 능력의 형성과 향상, 연주 기술의 발전, 예술적 사고의 함양에 대한 일반 원칙에 대한 이해를 바탕으로 이루어져야 합니다. 능력에 대한 올바른 진단, 학생의 강점과 능력 평가, 학생에게 영향을 미치는 다양한 방법 등이 모두 교사 활동의 전략과 전술, 교육 과정의 논리를 결정합니다. 교사의 임무는 학생에게 일정량의 지식을 전달하고 필요한 기술과 능력을 개발하는 것뿐만 아니라 젊은 음악가의 폭넓고 보편적인 발전을 위한 조건을 조성하는 것입니다.

어린아이들을 위한 음악교육

아이들의 음악 교육은 대개 다음과 같이 시작됩니다. 유치원. 여기에서 그들은 노래하고, 춤추고, 리듬을 연습하고, 소음 오케스트라에 참여하고, 어린이 악기를 연주하고, 이용 가능한 음악을 듣고 이해하는 방법을 배우며 점차적으로 청각 경험을 축적합니다. 이 모든 것이 전반적인 음악적 발전에 기여하고 어린이의 능력을 드러냅니다.

취학 전 어린이의 미적 교육은 미래의 성공적인 연구뿐만 아니라 그에 따른 모든 것이 가능한 데 필요한 기반을 만듭니다. 영적 발전성격.

뛰어난 교사이자 교수인 G.G. Neuhaus는 다음과 같이 썼습니다. “어느 악기든 배우기 시작하기 전에 학생, 청소년, 성인 등 학생은 이미 어떤 종류의 음악을 영적으로 소유하고 있어야 합니다. 말하자면, 그것을 마음에 저장하고 영혼에 담아야 합니다. 그의 청각으로 그것을 들으십시오. 재능과 천재의 비밀은 이미 그의 두뇌 속에 무언가가 살고 있다는 것입니다. 인생을 최대한으로처음으로 건반을 누르거나 현을 따라 활을 연주하기 전에는 음악을 듣습니다.”

음악가의 초기 훈련 시스템에 대해 두 가지 방향, 즉 일반적인 미학(악기 홍보, 음악에 대한 어린이의 관심 육성, 취향 개발 포함)과 진로 지도(가장 재능 있는 어린이 식별 및 중등 특수 교육 기관에서 교육을 계속하려는 추가 방향), 첫 번째 방향의 우선 순위는 의심의 여지가 없습니다. 이를 바탕으로 교사는 악기를 연주하기 위해 수업에 오는 모든 어린이를 매혹하고 가르치는 과제에 직면합니다.

초기 훈련은 아마도 교사 업무에서 가장 중요하고 어려운 단계일 것입니다. 학생과 함께하는 첫 번째 수업은 영적 친밀감을 확립하는 데 특히 중요하며, 그렇지 않으면 아이들과 함께하는 음악 수업이 원하는 결과를 얻지 못합니다. 음악 수업은 공예를 배우는 것으로 시작되어서는 안 됩니다. 어린 학생이 처음으로 수업에 왔고 그에게 음악은 그가 가장 좋아하는 노래이자 라디오나 텔레비전의 음악 프로그램입니다. 그리고 선생님은 즉시 그에게 손 위치를 잡는 데 필요한 메모, 시간, 끝없는 연습을 제공했습니다. 어린이의 경우 수업은 고통스럽고 흥미롭지 않으며 현재 학생을 영원히 잃어 음악 수업에 대한 두려움을 심어주는 것이 가장 쉽습니다. 따라서 아동심리와 연령별 특성을 고려하여 교육자료를 게임으로 제시하는 노력이 필요하다. 이러한 교육 과정 구성은 항상 어린이 수업에 대한 깊은 관심을 불러일으키고 음악 교사와 소통하는 즐거움을 가져다줍니다.

하지만, 그냥 쫓겨나지 마세요 게임 방법일하다. 우리는 심리학자가 내린 정의를 기억해야 합니다. “학습은 게임이나 일이 아니라 둘 다인 특별한 형태의 활동입니다.”

음악을 공부하기 시작하는 아이가 가장 먼저 직면하는 것은 음악 자체와 음악 활동의 모호함이다. 음악은 소리와 억양의 자유로운 자기 표현인 게임이지만 동시에 일이자 규율이기도 합니다. 어떻게 연결하나요? 그리고 연결이 가능한가요? 이것이 체계적인 음악 수업을 시작할 때 아이가 직면하는 주요 문제입니다. 가장 중요한 것은 자녀에게 악기 연주를 즐기도록 가르치는 것입니다. 그리고 연주를 위해서는 음악을 즐기는 어린아이의 기쁨을 보존하는 것이 중요합니다. 독일 지휘자 브루노 월터(Bruno Walter)에 따르면 음악 연주의 즐거움이 창의적인 작업 과정 자체를 즐기는 것으로 바뀌는 것은 훨씬 나중에서야 음악가가 악기 작업을 배우게 됩니다.

악기를 가르치는 것은 교실 환경에서 가르치는 것과 근본적으로 다릅니다. 따라서 교육 과정은 완전히 다르게 구성됩니다. 악기 연주 학습 수업에서 모든 지식과 기술이 개별 학생에게 전달됩니다. 수업의 이러한 개별 특성을 통해 수업의 평균 수준이 아닌 가르칠 때 각 학생의 능력과 개인적 자질을 고려할 수 있습니다. 따라서 학생의 연령, 관심사, 성격에 맞는 방법을 선택할 수 있습니다. 그러나 이것이 수업이 자체 계획, 기본 구조를 가져서는 안된다는 의미는 아닙니다.

다른 학습 과정과 마찬가지로 악기를 가르치는 것도 목표 지향적인 과정이므로 계획을 세워야 합니다. 물론, 그 과정에서 수업 계획이 조정되기 때문에 전문 분야의 수업을 모든 세부 사항과 분 단위로 계획하는 것은 불가능합니다. 그러나 여전히 모든 경우에 잘 계획된 계획은 수업 구성의 핵심입니다. 이 기간 동안 가장 중요한 것은 수업의 구성입니다. 초등교육. 수업은 단조롭거나 과부하가 걸려서는 안 되며, 과제는 어려운 과제와 쉬운 과제가 번갈아 이루어져야 하며, 교사는 학생의 피로에 민감하고 수업 중에 짧은 휴식을 취해야 합니다.

악기 연주를 개별적으로 학습하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 그러나 각각은 가능성 중 하나로만 사용되어야 하며, 수정할 수 없는 영구적인 요소로 사용되어서는 안 됩니다. 결국 집단 학습보다 개인 학습에서 훨씬 더 필요한 것은 수업 내부 구조의 이동성, 주어진 수업에서 사용되는 수단과 방법에 따른 변형입니다.

교육학은 수업 계획을 엄격히 준수하는 것이 아니라, 지식과 기술을 습득하고 통합하고 사고의 독립성을 배양하고 분석 능력은 음악이 학생들의 삶에 확고히 스며들고, 이를 통해 많은 사람들의 삶에 스며들게 될 것이라는 사실의 핵심입니다.

훈련의 초기 단계는 작업에서 가장 어렵고 책임감이 있습니다.

표적 – 학생의 모든 발전이 이루어질 기반을 마련합니다. 음악의 영적 숙달 기간(마음에 저장되고, 영혼에 저장되고, 귀로 들림), 즉 발달 훈련입니다.

작업:

• 청각 발달(고음, 고조파, 동적);
• 리듬감 개발;
• 관심을 불러일으키는 것;
• 사고의 조직; 기보법 마스터하기;
• 게임 모터 장치의 조직;
• 초기 수행 기술의 교육 및 개발;
• 독립적인 업무 기술 개발;
• 콘서트 공연의 기술을 습득합니다.

• 청력, 리듬, 기억력 발달에 노력합니다.
• 손 위치 지정 및 스트로크 마스터링, 자유로운 움직임 및

청각 통제;

• 작은 작품과 연습, 음계와 연습을 공부합니다.
• 시력 독서;
• 성능 창의적인 작업(귀로 선택, 시 쓰기

멜로디, 조옮김, 연극 그림의 경우)

• 구두 설명;
• 콘서트 참석 후 토론;
• 음악을 듣고.

진행상황 관리 양식

• 제어 작업;
• 테스트 레슨(간단한 구두 설명 포함:

성과 - 실패);

• 학술 콘서트;
• 부모님을 위한 콘서트.

원칙 – 격려; 노력에 대한 보상으로 평가

낙관적인 맥락에서만 가능합니다.

돔라 연주 초기 훈련

학생에게 기기, 기능, 장치 및 주요 부품을 소개하면서 첫 번째 수업을 시작하는 것이 좋습니다.

이를 위해 교사는 악기를 직접 소유해야 하며 성격이 다르고 학생의 인식에 접근할 수 있는 여러 가지 잘 알려진 작품을 연주할 수 있어야 합니다. 더 나은 암기를 위해 연관(목-목, 몸-몸통, 못이 있는 머리-악기 머리 등)을 사용할 수 있습니다.

어린이를 위해 악기를 연주할 때 교사는 여러 가지 교육적 문제를 한 번에 해결합니다. 첫째, 학생에게 음악을 소개하고(음악을 듣도록 가르치고, 음악에 대한 사랑을 심어줍니다), 둘째, 명확성의 원리를 사용하여 깨어납니다. 악기에 대한 학생의 관심, 악기에 대한 학습 욕구, 그리고 세 번째로 학생을 교육 과정에 점차적으로 소개합니다.

아이에게 악기를 가르치기 전에 교사는 학생의 음악적 능력뿐만 아니라 체질적 특성, 일반 운동 능력 발달 정도, 근긴장도의 초기 상태를 평가하고 신경근계 질환을 배제해야 합니다. 이 후에야 손을 놓을 수 있습니다.

손 배치

이 가장 중요한 문제를 고려할 때 현재 두 가지 특징을 모두 갖춘 몇몇 주요 돔라 공연 학교(모스크바, 레닌그라드, 우랄)가 있다는 것을 알아야 합니다. 일반 원칙제작 및 일부 차이점이 있습니다. 소리 작업 과정에서 소리 문화, 움직임 문화와 함께 자유롭고 경제적으로 지속적으로 육성해야합니다.

손 배치에는 세 가지 주요 사항이 포함됩니다.

1. 도구를 사용하여 맞춤 형성
2. 게임기 설정
3. 기본적인 사운드 제작 기술.

돔리스타 심기돔라 연주를 배우는 과정에서 중요한 연결 고리 중 하나입니다. 올바른 핏어린이와 악기 사이의 접촉을 형성하고 악기의 좋은 소리를 보장하는 합리적인 연주 동작의 발견과 발달을 촉진해야 합니다.

학생의 몸은 구부러지지 않아야 하며 어깨는 자연스럽고 자유로운 위치에 있어야 편안하고 심미적인 핏을 보장할 수 있습니다. 의자의 절반에 앉아야 합니다. 왼쪽 다리강한 지지력을 갖고 있었고 발 전체가 바닥과 직각을 이루는 바닥에 있었습니다(가장 높은 위치). 오른쪽 다리를 왼쪽 다리 위에 놓고 돔라를 누르는 데 필요한 신체 기울기가 최소화되는 높이까지 올리십시오. 이제 높이를 변경하는 특수 발판이 있습니다. 학생의 키에 따라 오른쪽 다리를 들어올리는 정도가 다르기 때문에 매우 편리합니다. 다음으로 돔라(domra)를 설치합니다. 오른쪽 다리그리고 가슴을 압박합니다. 돔라의 주요 지지점은 오른쪽 다리의 허벅지와 가슴으로, 돔라의 몸 윗부분에 압력을 가합니다. 보조 지지점은 돔라 몸체에 팔뚝을 얹은 오른손과 바를 지지하는 왼손입니다. 주축대의 높이는 대략 직각으로 팔꿈치가 구부러진 왼팔의 위치에 따라 달라집니다. 헤드스톡 위치가 높으면 사운드에 부정적인 영향을 미칩니다. 악기의 공명판 평면은 수직이 아니어야 하며 학생이 지판을 보면서 현을 볼 수 있도록 약간 기울어져야 합니다. 이 조항은 주요 조항으로 기록되어야 하며, 초기에는 학생이 엄격하게 준수하고 교사가 지속적으로 모니터링해야 합니다.

앞으로는 다양한 연주 기법을 가지고 연주할 때 표준에서 벗어날 수 있습니다. 정적 입력 이 경우그럴 수 없다.

교사 지배자는 게임 중 손 움직임의 특성에 대해 필요한 최소한의 지식을 가지고 있어야 합니다. 경험에 따르면 이 분야에 대한 지식이 부족하고 학생의 운동 능력에 대한 방향이 좋지 않으면 악기 숙달 부족, 연주 불편, 경직 및 빠른 근육 피로 등 슬픈 결과가 초래됩니다. 첫 번째 기억은 가장 강하고 강하므로 손 위치를 정할 때 교사의 가장 중요한 임무는 학생에게 가장 합리적인 방식으로 운동 시스템을 다룰 수 있는 최대 기회를 제공하는 것입니다. 퍼포머에게 예술적 감각은 근육질의 감각이기도 하다. 제대로 교육하려면 경험을 소리의 근원에 최대한 가깝게 만드는 원칙을 고수해야 합니다. 피아니스트의 경우, 이 근육의 경험은 손가락 끝을 통해 키에 가깝고, 바이올리니스트의 경우 손과 손가락의 움직임을 통해 활에, 가수의 경우 성대를 통해 후두에, 돔리스트의 경우 - 손가락의 지골과 손의 움직임을 통해 중재자에게 전달됩니다. 근육의 느낌이 악기와 더 가까울수록 피로가 줄어들고 노력이 절약되며 근육 부하가 최적으로 분배됩니다.

어린 시절에는 악기 연주에 해를 끼치는 불필요한 연결을 포함하여 일시적인 연결이 빠르게 설정됩니다. 이를 바탕으로 손의 배치가 별도로 수행됩니다. 결국 돔라를 연주할 때는 완전한 비대칭이 필요합니다. 오른손과 왼손에 진행중인 작업다른 근육 그룹은 학생이 동시에 수행해야 하는 두 가지 작업에 직면하고 나이 때문에 이를 처리할 수 없음을 의미합니다. 올바른 전술은 다음과 같이 요약됩니다: 왼손을 놓을 때 오른손을 제어해서는 안 되며, 소리를 내기 위해 오른손 엄지손가락을 꼬집어 사용합니다. 이 기술은 매우 빠르게 학습되며 이로 인해 어린이는 즉시 간단한 곡과 연습곡을 연주할 수 있습니다.. 결론 : 학생이 다시 배우는 것보다 배우는 것이 더 쉽고, 교사는 자신이 아닌 학생에게 집중해야 합니다.

왼손의 위치.

설정을 위한 몇 가지 연습을 알려 드리겠습니다.

1. 모든 손가락의 지골을 굴곡시키려면(도구 없이 수행됨)

손의 자연스러운 위치에서 엄지손가락을 제외한 모든 손가락의 세 번째와 두 번째 지골을 구부립니다. 지골이 손바닥쪽으로 눌려지지 않았는지 확인하는 것이 필요합니다. 이 위치에서 세 번째 지골은 첫 번째 지골과 평행합니다. 이 연습은 반음계를 연주할 때처럼 지판에 손가락을 놓을 때 손가락의 올바른 위치를 발달시키는 데 도움이 됩니다.

1. 손가락을 구부리고 펴기 위한 용도.

손가락을 구부릴 때만 이전 연습과 동일한 작업이 수행됩니다. 이 운동은 손가락을 스트레칭하는 데 효과적입니다.

1. 손가락의 움직임과 파워 스트로크의 독립성 발달.

이 운동은 각 손가락의 움직임의 독립성을 개별적으로 개발하고 파워 스트라이크를 훈련하는 것을 목표로 합니다. 타격은 엄지 손가락 패드의 검지, 중지, 약지 및 새끼 손가락 패드로 번갈아 가며 이루어집니다. 이 연습은 학습의 모든 단계에서 사용될 수 있습니다. 느리고 약한 손가락이 활성화되고, 제한된 손가락이 필요한 자유를 얻습니다.

악기에 손을 얹는 것은 다음과 같이 수행됩니다. 동시에 네 손가락이 지판에 놓입니다. 왼손으로 지판과 접촉하는 지점은 검지의 첫 번째 지골과 엄지의 두 번째 지골입니다. 손바닥이 바에 닿아서는 안 되며 학생의 눈을 통해 명확하게 보여야 합니다. 손목의 손이 약간 구부러져 있습니다. 엄지손가락은 첫 번째와 두 번째 손가락 사이에 있어야 하며 지판 위로 손톱 절반 이상 튀어나오지 않아야 합니다. 현에 대한 압력은 "해머"와 같은 손가락 패드를 사용하여 각각 다른 각도로 수행됩니다. 줄에서 줄로, 위치에서 위치로 이동할 때 손과 손가락의 위치가 약간 변경됩니다.

손이 올바른 위치에 있는지 확인한 후 움직임 개발을 시작할 수 있습니다. 모든 손가락을 지판 위로 올린 다음 현 위로 내리고 손가락이 프렛 바로 옆에 있는지 확인한 다음 다시 들어 올립니다. 학생들이 완료하는 속도에 맞춰 리드미컬하게 수행하는 것이 좋습니다. 자제력을 잃을 수 있으므로 서두르면 안 됩니다. 손이 작은 경우 손가락의 스트레칭이 충분하지 않기 때문에 이 동작을 첫 번째 위치가 아닌 반음으로 배치한 손가락의 절반 위치에서 개발하는 것이 좋습니다. 처음에는 소리 없이 손가락을 현에 놓고, 그다음에는 오른손 엄지손가락으로 소리를 냅니다.

또한 다음 연습은 기보법에 따라 첫 번째 위치(또는 작은 손의 경우 반 위치)에서 수행됩니다. 이러한 연습을 익히는 것은 음표를 모르고 교사의 시연을 통해 귀로 이루어집니다.

첫 번째 위치에서의 연습:

하프 포지션 연습:

왼손 손가락의 위치와 감각과 왼손 전체의 위치를 ​​​​통합하고 더욱 발전시키는 것은 연습뿐만 아니라 가벼운 연극과 노래에서도 계속되어야합니다.

오른손 위치 잡기

왼손의 위치 지정과 병행하여 오른쪽에서도 작업이 수행됩니다. 아이의 운동능력 발달과 정신신체적 상태에 따라 도구 없이도 오른손의 장난스러운 움직임을 발달시키는 것이 가능합니다. 이 연습을 완료하려면 두꺼운 판지, 책 또는 악보가 필요합니다. 팔꿈치에서 자유롭게 내린 오른팔을 구부리고 횡경막에 닿을 때까지 왼쪽으로 돌립니다. 왼손으로 악보집이 손목 관절에 닿을 때까지 오른손 아래에 놓습니다. 노트북의 이러한 위치는 손의 올바른 움직임을 제어하는 ​​데 도움이 됩니다. 딱딱한 표면에서 미끄러지는 브러시가 올라갔다가 급격히 떨어집니다. 그런 다음 브러시는 관성에 의해 움직이면서 아래쪽 지점에서 튀어 오르고 위아래로 진동 운동을 합니다. 이 동작 주기에서는 손이 위쪽이나 아래쪽 위치에 고정되어서는 안 됩니다. 이 연습에서 오른손의 팔뚝은 약간의 선형(회전이 아닌) 움직임을 만듭니다.

손가락의 위치와 선택.

중재자를 배치하려면 검지의 세 번째(손톱) 지골이 엄지손가락의 두 번째(손톱) 지골 아래에 맞도록 손가락을 구부리고 가장자리가 서로 튀어나오지 않도록 닫아야 합니다. 같은 수준에서.

중재자는 검지의 세 번째 지골 중앙에 수직으로 적용되며 끝은 3-4mm를 넘지 않습니다. 중재근은 엄지손가락의 약간 구부러진 두 번째 지골로 눌러집니다. 중재자의 위치는 사운드 생성 중에 조정됩니다.

모든 손가락이 서로 닿아야 합니다. 이 경우 조정기에 가해지는 압력은 엄지손가락과 다른 손가락 사이에 고르게 분산됩니다. 악기를 연주할 때 움직임을 쉽게 하려면 초기 단계에서 종이나 매우 얇은 곡괭이를 사용해야 합니다.

학생을 앉히고 악기를 올바르게 배치한 후 손을 들어 현을 쳐야 합니다(첫 번째 또는 두 번째). 뒤로 이동하면 손이 다시 현에 닿게 됩니다. 따라서 작은 손가락이 악기 껍질을 따라 부드럽게 미끄러지도록 브러시로 진동 운동을 하십시오. 모든 스트로크는 리드미컬하게 균일해야 하며 플레이 템포는 적당해야 합니다. 브러시에는 새끼손가락 손톱에 미끄러지는 지지대가 있어야 합니다.

이러한 연습을 수행할 때 교사는 간단한 자동 동작의 정확성을 제어할 뿐만 아니라 어린이가 제약을 받지 않고 손을 꽉 쥐고 있는지 확인해야 합니다.

물론 사운드 제작 과정에서 많은 부분이 다음에 달려 있습니다. 해부학적 구조플레이어의 손. 그러나 팔의 구조에 관계없이 근육이 조금이라도 긴장되어서는 안됩니다. 사운드 생성 프로세스에 대한 엄격한 제어(주로 청각적)는 고품질 사운드를 달성하는 데 도움이 됩니다.

학생을 서두를 필요가 없습니다. 그리고 그것이 옳은 것으로 판명되면 항상 칭찬하십시오. 나는 이 훈련 기간 동안 교사는 아이에게 필요한 행동, 즉 간단하고 천천히 말하고, 까다롭지만 인내심을 갖고, 목소리의 억양을 조절하고, 또한 정보가 너무 많아서 학생의 주의를 더 자주 전환하지 마십시오.

학생이 각 손의 움직임을 개별적으로 숙달하고 통합하면 이를 결합하는 작업을 시작할 수 있습니다. 이를 위해 나는 여러 가지 연습 문제를 작성했으며 이미 배운 내용을 사용할 수도 있습니다.

그 중 일부는 다음과 같습니다.

양손으로 노는 법을 배우는 기간 동안 교사가 직면하는 과제는 다음과 같습니다.

1. 학생의 소리 상태를 잘 제어할 수 있습니다. 오른손은 배음 없이 부드럽고 정확한 소리를 내야 합니다.
2. 멜로디 라인의 지휘는 필요한 프렛을 왼손 손가락으로 누르고 픽으로 원하는 현을 치는 정확한 일치에 의해 조정되어야 합니다.
3. 작품의 음악적 연주 달성(뉘앙스, 역동성, 프레이즈의 시작과 끝)

수년간 학생들과 함께 일한 경험을 바탕으로 돔라에 손을 얹는 기본 원칙을 도출했습니다.

1. "해를 끼치 지 마십시오"
2. 설명하지 말고 어떻게 해야 하는지 보여주세요.
3. 학생이 옳은 일을 하도록 강요받는 상황에 놓이게 하십시오.
4. 가장 단순한 것에서 가장 단순한 것으로 가고, 복잡한 것을 피하십시오.
5. 자연을 고수하되 권리를 잊지 마십시오. 손을 악기에 맞추는 것이 아니라 악기를 손에 맞추는 것입니다. 먼저 손을 놓은 다음 도구를 손에 대십시오.
6. 근육 기능을 지속적으로 모니터링하십시오.
7. 근육 감각 교육에 있어서 엄격하고 엄격한 순서를 준수하십시오. 먼저 왼손의 손가락을 훈련시킨 다음 오른손의 손가락을 훈련시킵니다. 그 후에야 오른손의 작업이 왼손의 손가락과 결합됩니다.

악기 튜닝 및 억양 문제.

내 관점에서 볼 때 훈련 첫 달 동안 악기를 자체 튜닝하는 것은 종종 악의 근원입니다. 집에 피아노나 소리굽쇠가 없다면 이는 특히 해롭습니다. 처음에 장비를 설정하는 문제에 대한 해결책은 다음 시작점을 토대로만 수행될 수 있는 것 같습니다.

1. 초보 학생은 직접적이고 지속적인 감독을 받아야 하며 악기 조율이 맞지 않는 한 연습을 시작해서는 안 됩니다.
2. 튜닝 기술을 익히는 것은 학생이 사운드 생성 및 양손 위치 지정의 기본 요소를 숙달한 경우에만 합리적입니다.
3. 악기 조율, 또는 오히려 조율 훈련은 수업의 일부가 되어야 하며 교사의 필수 기능의 일부가 되어야 합니다.

학생의 음악적 귀를 최대화하고 먼저 악기를 듣고 연주하려는 욕구를 개발하는 것이 매우 중요합니다. 음악의 의미를 전달하는 '음악적 억양'과 연주 기술의 기초가되는 표현적인 억양의 개념을 그에게 소개하는 것은 악기 연주를 배우는 첫 단계부터 이루어져야합니다.

아이가 억양 과정의 복잡성을 이해하는 것은 불가능하며 필수도 아닙니다. 교사는 이 과정을 이해하는 것만으로도 충분하다. 음악적 억양은 처음에는 음성 억양이 있는 음성과 연관되어 있으므로 학습 초기 단계에서 어린이가 접근할 수 있는 가장 간단한 텍스트를 사용하여 음악 자료를 단어와 연관시키는 것이 필요합니다. 이 작업에서 가장 중요한 것은 문구에서 의미론적 단어와 정점이 될 강세 음절을 찾아 분리하고 이를 음악적 사운드와 연결하는 학생의 능력입니다. 예를 들어:

돈, 돈, 돈!

고양이 집에 불이 붙었습니다.

닭이 양동이를 들고 달린다

고양이 집에 물을 대세요.

손뼉을 치며 문구의 각 음절을 동반하여 아이가 구절의 리듬을 느낄 수 있도록 도와야하며, 박수는 단어의 리듬에 따라 짧거나 길 수 있습니다.

돈, 돈, 돈!

고양이 집이 뒤에 있었어요.

닭이 양동이를 들고 달리고 있어요

고양이 집을 봉인하세요.

시적 텍스트를 철저하게 분석한 후에는 악기를 연주하여 발음해야 합니다. 리듬 반주의 역할은 각 음절을 치는 오른손 엄지 손가락으로 수행됩니다.

작업의 다음 단계는 오른손 엄지 손가락으로 리드미컬 한 멜로디를 연주하면서 "자신에게"라는 단어를 발음하는 것입니다.

물론, 그러한 작업의 성공의 열쇠는 레퍼토리의 선택이다. 이런 의미에서 가사가 포함된 멜로디를 사용하는 것이 가장 합리적이며, 무엇보다도 학생이 이해할 수 있고 연주하기가 그리 어렵지 않은 민요를 사용하는 것이 가장 합리적입니다.

수업의 작업 형태

음악을 듣는다.

여기에는 음악의 성격, 장르 및 내용을 결정하는 것이 포함됩니다. 연극을 마친 후 학생에게 동화를 들려주고 그림을 그리며 개별 주제와 동기를 특성화하도록 요청할 수 있습니다. 음악에 대한 자신의 인식을 강요할 필요는 없습니다. 아이의 생각을 지도하고 바로잡기만 하면 아이는 자신의 인상에 대해 이야기해야 합니다. 교사는 다양한 장르(노래, 행진곡, 춤)와 그 음악적, 리듬적 독창성에 대한 개념을 배워야 합니다. 이전에 들었던 음악의 암기 테스트를 통해 학생의 음악적 기억력을 테스트할 수 있습니다.

음악 방법론 문헌에서 음악에 대한 "지각"과 "듣기"라는 용어는 종종 동일한 것으로 나타납니다. 물론 구체적으로 음악, 특히 학생이 스스로 연주할 수 없는 음악(예: 관현악)을 들을 수 있습니다. 그러나 듣는 목적은 단순히 이러저러한 작품에 익숙해지기 위한 것이 아닙니다. 듣기의 문제, 즉 음악에 대한 인식은 단순히 듣는 것보다 더 광범위합니다. 연주 내용도, 어떻게 연주하는지 듣지 못하면 연주를 잘 할 수 없기 때문에 연주도 다루고 있습니다. 음악을 듣는다는 것은 그것에 감정적으로 직접적으로 반응하는 것뿐만 아니라, 그 내용을 이해하고 경험하고, 그 이미지를 기억 속에 저장하고, 내면적으로 그 소리를 상상하는 것을 의미합니다.

상대적 음조(높음 - 낮음) 개념에 대한 인식.

아이들이 멜로디의 소리를 듣고 비교하고 음높이로 구별할 수 있도록 격려하는 것이 중요합니다. 청각 경험을 축적하고 어린이의 청각 주의력을 개발하기 위해 멜로디의 위, 아래 및 제자리 이동을 모델링하는 교육 보조 도구가 사용됩니다. 이것 뮤지컬 사다리, 꽃에서 꽃으로 이동하는 나비(음표) 등. 동시에 시뮬레이션된 소리의 비율에 따라 높이가 일치하는 멜로디의 소리가 노래됩니다. 멜로디를 연주하는 동시에(목소리나 악기로) 손으로 멜로디 사운드의 움직임을 보여줄 수도 있습니다.

먼저, 아이는 하나의 소리를 바탕으로 멜로디를 연주합니다. 멜로디를 연주하기 전에 교사가 먼저 부르는 것을 듣고 멜로디 소리의 음높이가 다르지 않다는 사실에 주목 한 다음 돔라를 연주하고 동시에 노래합니다. 노래를 부르면 아이들은 멜로디의 진행 방향을 더 잘 상상할 수 있고 음악적, 청각적 인식이 발달합니다.

기보법 마스터하기.

전문 수업에서 기보법을 공부하는 것은 특히 악기 연주를 처음 배울 때 점진적으로 이루어져야 합니다. 즉, 아이가 바로 기억하지 못하는 경우도 있기 때문에 전체 음계를 한꺼번에 가르쳐서는 안 되며, 악기를 마스터하는 것부터 진행해야 한다는 의미입니다. 아래는 악기의 음표를 진행하면서 채워지는 표입니다. 따라서 학생은 그래픽 형식의 메모와 악기의 메모 사이의 연결을 개발합니다. 동시에, 주어진 음을 연주하는 손가락도 정확하게 기억됩니다.

먼저 노래는 하나의 음표(개방현)로 연주되므로 D, A, E 음표가 기억됩니다.

리듬감 키우기.

음악에서 특정 장르를 구체화하고, 어떤 멜로디에도 개성을 부여하는 것은 리듬이다. 리듬의 중요성은 특히 다양한 댄스 장르에서 뚜렷이 나타나며, 각 장르마다 특별한 리듬 공식이 있습니다. 리듬 덕분에 멜로디를 듣지 않고도 왈츠와 마주르카, 행진곡과 폴카, 볼레로와 폴로네즈를 틀림없이 구별할 수 있습니다.

리듬감 개발은 음악에서 나와야지 지속 시간, 박자의 의미, 강박 등에 대한 설명에서 나와서는 안 됩니다. 학생은 음악에 맞춰 행진해야 하며 리드미컬한 패턴으로 손뼉을 쳐야 합니다. 비유적 연관성은 유용합니다. 전체 음표는 느린 걸음(노인이 걷고 있음)이고, 반음은 빠른 걸음(아빠가 걷고 있음)이고, 4분음표는 빠른 걸음(아이들이 행진하고 있음)이고, 8분음표는 모두가 달리고 있습니다. 내 경험에 따르면 아이들은 다음과 같은 연관성을 사용하여 표현된 경우 기간과 서로의 관계를 빨리 기억하는 것으로 나타났습니다. 사과 전체-음표 전체, 사과를 반으로 자르고 두 반으로 자르고 각 반을 다시 반으로 자릅니다. - 분기 등 이렇게 하려면 큰 소리로 말할 수 있을 뿐만 아니라 학생에게 해당 그림을 그리도록 요청해야 합니다.

N. Konchalovskaya의 음악 알파벳 구절을 사용할 수 있습니다.

메모가 흰색인 경우

이것은 전체 메모입니다.

전체 음표를 나누자

하프 화이트

막대기로 표시하기

이것을 저것과 혼동하지 않기 위해서입니다.

매 2분음표마다 -

각각 두 개의 검은색 분기입니다.

매 분기마다 -

각각 8분의 2

각각 두 마리의 나이젤라 -

막대기와 점

막대기에는 고리가 있습니다.

음악적 리듬 감각은 시간 순서에 따라 소리의 지속 시간을 정하는 능력입니다. 다음과 같이 발생합니다.

1. 음악에서 미터법 비트의 균일한 맥동을 인식하고 재현합니다.
2. 행진곡과 댄스 곡을 듣고 연주할 때 음악의 강한 비트와 약한 비트를 구별합니다.
3. 간단하고 잘 알려진 동요의 예를 사용하여 다양한 기간 간의 관계에 대한 인식;
4. 리듬의 표현적이고 회화적인 본질에 대한 인식, 내부 리듬 청력 발달;
5. 음악 표현의 수단 중 하나로서 리듬 개념의 형성;
6. 친숙한 작품을 바탕으로 리듬의 표현적 본질을 결정합니다.
7. 음악적 이미지를 창조하는 데 있어서 리듬의 중요성에 대한 인식과 리듬과 음악 언어의 다른 요소와의 연결.

프렛 소개.

모드의 표현 속성의 표현은 매우 다양합니다. 친숙한 장조와 단조는 확실한 감정적, 색채적 의미를 가지고 있습니다. 장조는 가볍고 경쾌한 소리를 내며 즐겁고 밝은 이미지와 연관되는 반면, 단조로 작곡된 음악은 일반적으로 우울한 색상과 관련이 있습니다. 슬프거나 우울하거나 슬픈 기분의 표현.

메이저와 마이너의 소리를 비교해 보면 이해하기 더 쉽습니다. 구체적인 이미지가 유용합니다: 메이저 – 쾌활함, 마이너 – 슬픔. 여기서는 장조와 단조로 곡을 연주하고 비교 특성을 부여하는 것이 필요합니다.

선율 발달의 핵심은 아이들이 자신의 연습을 통해 모든 멜로디가 선율 억양의 집합으로 구성되어 있다는 것을 확신하고 느끼는 것입니다.

악기의 도움을 받아 노래합니다(솔페지).

첫째, 이미 말했듯이 텍스트를 사용한 연극이 사용됩니다. 그런 다음 학생이 이미 기보법에 익숙해지면 악기 유무에 관계없이 음표 이름으로 곡을 노래해야 합니다. 이러한 형태의 작업은 음악에 대한 귀와 청각과 음성 간의 조화를 개발하고 학생이 악기의 음표를 기억하도록 돕고 시각적 기억을 강화합니다. 종이에 메모 – 귀에 메모 – 악기에 메모 – 메모는 음성, 즉 먼저 보고 상상한 다음 손가락을 대고 마지막으로 악기에 재현합니다.

동적 음영 소개.

역동적인 색조에 대한 지식은 학생이 연주한 첫 번째 작품부터 시작되어야 합니다. 가장 중요한 것은 컨셉이다. f와 p, 유채과 야채와 희미한 등. 각 색조에는 고유한 감정적 색상과 의미적 내용이 있기 때문에 본질적으로 형식적이지 않았습니다.

뮤지컬 작품의 형식 소개.

형태감은 퍼포먼스에서 가장 중요한 포인트이다. 형식은 작품의 모든 부분을 함께 연결하는 작품의 구성 또는 구조입니다. 다양한 음악 형식을 설명하고 보여줄 필요가 있습니다. 양식 식별 기술은 매년 지속적으로 개발되어야 합니다.

뇌졸중 알아보기.

오른손을 배치하는 과정에서 학생은 돔라에서 소리를 생성하는 기본 방법인 스트로크와 트레몰로를 마스터합니다. 그러나 작품의 음악적 이미지, 내용 및 성격을 식별하려면 노래, 멜로디, 곡조, 춤 등의 표현적인 사운드를 얻기 위해 색상을 선택해야 합니다. 획은 작품의 다채로운 사운드 계획을 드러내는 데 도움이 됩니다.

획(독일어: Strich – 선, 대시)은 사운드 생성의 방법, 특성 및 색상입니다. 이는 프레이징, 정점, 역동적인 풍부함, 리듬의 조화, 음악 작품의 의미론적 의미의 깊이에 대한 보다 완전한 공개를 식별하는 데 도움이 됩니다.

음악 연습에서는 세 가지 유형의 스트로크가 일반적입니다: 레가토, 논레가토, 스타카토 - 각 스트로크에는 고유한 종류가 있습니다.

일반적으로 스트로크에 대한 연구와 연습은 교육 및 훈련 자료, 즉 스케일과 연습을 통해 이루어지며 나중에 음악 작품에 사용됩니다.

말씨.

학생은 개별 소리가 문구로 흘러가는 동기를 구성하고 문구가 음악 문장으로 흘러 들어가고 음악에는 구두점이 있으며 문구로 구분되지 않으면 음악은 관습적이고 의미가 없다는 것을 알아야 합니다.

시력 독서.

학생이 돔라를 연주하는 과정에서 습득하는 다양한 음악적, 기술적 능력 중에서 악보를 읽는 능력, 즉 익숙하지 않은 곡을 멈추지 않고 음표를 억양적으로 리드미컬하게 정확하게 연주하는 능력이 중요합니다. 음악의 난이도는 학생의 기술적 능력을 초과하지 않습니다. 신작을 빠르게 분석하고 다양한 형태의 합주로 음악을 연주하려면 음표를 잘 읽는 것이 필요합니다. 이 기술을 습득하는 것은 점진적으로 발생합니다. 아이는 먼저 단어를 배우고 읽고 쓰는 법을 배우고, 음악을 배울 때는 음표 없이 순수하게 노래하는 법을 먼저 배운 다음 음표를 풀어야 합니다. 악기 연주를 배우는 첫 번째 수업부터 각각의 새로운 기술을 확실하게 익히는 데 최대한주의를 기울이고 엄격한 순서로 진행한다면 시트에서 음을 읽어도 어려움이 발생하지 않으며 합산과 같을 것입니다 배운 것까지. 제안된 텍스트를 읽기 시작하기 전에 학생에게 음조, 크기, 템포를 결정하고 작품의 음악 텍스트와 그 질감을 빠르게 훑어볼 수 있도록 가르쳐야 합니다. 작품에 대해 사전에 숙지한 후에야 연주를 시작해야 합니다.

재생되는 소리 사이의 실수와 지연을 방지하려면 일정 시간 동안 필요한 동작을 디자인할 수 있는 기회, 즉 재생되는 시트보다 조금 앞서 볼 수 있는 기회를 의식에 제공해야 합니다. 앞을 내다보는 능력은 악보를 읽는 데 가장 필요한 기술이며, 공부하는 첫 해부터 키워야 합니다.

독립적 인 일.

좀 더 형식적인데 숙제, 학생이 다루는 내용을 동화하고 악기 연주 기술을 통합하는 것을 모니터링할 수 있습니다. 학생이 이미 모든 것을 알고 있는 연극이나 연습곡이 제공되며, 다음 수업에서 학생은 올바른 손가락, 스트로크, 리듬 및 역동적인 색조를 사용하여 이 작품을 (선생님의 도움 없이) 연주해야 합니다.

레퍼토리 선택

교육 및 공연 과정을 직접 살펴보면서 특히 학생들을 위한 개별 계획을 합리적으로 작성하는 것과 그 안에 있는 소설과 교육 문헌의 올바른 균형이 중요하다는 점에 주목해야 합니다.

계획을 세우는 원칙에는 기능을 고려해야합니다. 이 학생의(그의 재능, 음악적, 육체적 능력) 그리고 학생의 욕구와 성향도 고려하지 않을 수 없습니다.

학습 초기에는 예술적 이미지의 특수성, 명확성 및 확실성에 의해 음악 작품의 내용에 대한 어린 아이의 이해가 촉진된다는 사실을 고려하는 것이 중요합니다. 이러한 특성은 젊은 음악가를 음악 콘텐츠 공개 작업에 끌어들이고 이 가장 중요한 문제를 해결하려는 학생의 관심을 불러일으킬 수 있는 프로그램 음악에 더 내재되어 있습니다. 연극의 제목(“3월”, “비가 온다”, “산책” 등)은 어린이에게 음악의 본질을 알려줍니다.

젊은 음악가 양성에 특별한 역할을 담당 민속 예술. 민요(“들판에 자작나무가 서 있었다”, “정원에 있든 채소밭에 있든” 등)와 춤(벨로루시 얀카, 우크라이나 kryzhachok 등), 악기 편곡 및 창작 동요(“풀밭에 앉은 메뚜기”, “고양이 레오폴드의 노래” 등)는 학생에게 억양적으로 가장 가깝고 친숙한 음악 자료를 나타냅니다.

학교 교육을 받은 첫 해에는 어린이의 주의력과 인내력이 여전히 제한되어 있으므로 작은 형태의 놀이가 특히 중요하다는 점에 유의해야 합니다. 지구력과 오랫동안 집중하는 능력을 점진적으로 발전시켜야만 더 복잡한 형태의 음악 작품으로 나아갈 수 있습니다.

위에서 언급한 바와 같이, 예술 작품과 함께 학생의 개별 계획에는 스케일, 연습, 연습과 같은 교육 및 훈련 자료도 포함되어야 합니다. 이 자료는 하나 이상의 기술을 습득하고 다양한 연주 기술을 개발하는 데 필요합니다. 나는 학생이 음계와 에튀드를 음악적으로 연주하도록 가르쳐야 한다는 점을 지적하고 싶습니다.

교사는 레퍼토리 선택을 특별한 책임으로 다루어야 하며 젊은 연주자의 발전 단계를 결정하는 것은 선택된 교육 자료가 아니라 종합적인 설명을 바탕으로 교사가 설명하는 개별 작업 계획이라는 점을 분명히 이해해야 합니다. 아동의 데이터와 특성에 따라 교육 자료의 선택이 결정됩니다.

대략적인 작품 레퍼토리 목록

1년간의 공부

민요와 춤작가의 작품

2학년

민요와 춤의 편곡러시아 작곡가의 작품

결론

이 작업을 통해 나는 초보자와 작업할 때 어떤 질문이 발생하는지 보여 주려고 노력했습니다. 당신은 어떤 문제에 직면해야합니까? 훈련의 초기 단계는 설정과 초기 기술이 마련되는 기간일 뿐만 아니라 교사와 학생 간의 관계가 형성되는 시기이기도 합니다.

직접적인 전문 지식 외에도 모든 교사는 훌륭한 심리학자여야 합니다. 이는 학생이 더욱 깊이 발전하는 데 도움이 됩니다. 강점성격, 그와 더 긴밀한 의사 소통을하고 신뢰를 얻는 것은 매우 중요합니다. 알아 가다 내면 세계아이는 긍정적이고 강한 성격 특성을 올바른 방향으로 이끌 수 있고 부정적인 특성을 극복하려고 노력할 수 있습니다. 주요 임무선생님 각 어린이는 개인이며 그에게 독특한 성격 특성과 기질을 가지고 있습니다. 이에 따라 교사는 각 학생에 대한 개별적인 접근 방식을 찾아야 합니다. 서로 간의 상호 이해를 찾는 것이 매우 중요합니다. 추가 결과는 이에 따라 달라집니다.

현대 어린이가 음악을 배우면서 특별한 음악적 재능을 보여주지 않고 전문 음악가가 될 준비를 하지 않는다고 해서 그가 음악에 소비하는 시간을 더 유익하게 보낼 수 있다는 의미는 아니라는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 다른 직업에서는 그에게 도움이 되지 않는 수업입니다. 물론 어린이의 음악적, 창의적 활동은 위에서 언급 한 개인적 자질의 발달에 영향을 미칠뿐만 아니라 효율적이고 완전하게 수행되는 음악 활동에서는 특히 어린 시절에 가장 적극적이고 집중적으로 발전합니다.

그리고 가장 중요한 것은 음악 훈련을 마친 후 (반드시 중등 과정에서 계속할 필요는 없음)입니다. 교육 기관) 그 사람은 그 이후로 악기, 음악에 대한 혐오감을 느끼지 않았지만 반대로 선생님이 내려 놓은 사랑을 평생 동안 이어갔습니다.

교육 기능은 학생들에게 지식, 기술, 능력을 심어주고 이를 바탕으로 견해, 신념, 이상의 체계를 형성하는 것입니다. 교육 기능에는 학생들의 이데올로기, 노동, 도덕적, 미적 및 기타 성격 특성을 개발하기 위해 교육 과정을 구성하는 내용, 방법 및 형태의 사용이 포함됩니다. 마지막으로 발달 기능은인지, 사회, 노동 및 기타 교과 관련 실무 활동 과정에서 학생들의 모든 신체적, 정신적 힘과 능력을 개발하는 것을 목표로합니다.

교육에는 다음이 포함됩니다. 공동 활동교사(선생님)와 학생(학생). 조직 형태에 따라 훈련은 집단(오케스트라 수업)과 개인( 개별 세션). 내 기사는 개인 훈련에 중점을 둘 것입니다.

현대 심리학에서는 학습과 발달이 밀접하게 상호 연관되어 있으며, 학생들이 일정량의 지식과 기술을 습득함에 따라 학습을 통해 발달이 이루어진다고 주장합니다. 그러나 발달 과정에서 학생의 정신 활동의 질적 측면이 변화하고 향상되기 때문에 발달은 습득한 지식의 대상에 의해서만 결정되는 것이 아니라는 점을 고려할 필요가 있습니다.

음악 훈련의 주요 임무는 수업의 발달 측면을 강화하는 것입니다. 밝고 뚜렷하며 음악적으로 채색된 음악적 아이디어의 축적은 음악적 발전의 기초입니다. 더 넓은 개념 - 일반적인 음악적 발달은 학생들의 일련의 특별한 능력(음악적 귀, 기억력, 리듬)의 발달과 함께 사고력, 음악적 박식 및 지능의 발달을 포함하는 복잡한 변증법적 과정입니다. 음악적 발전의 수단 중 하나는 실제 연주 품질, 즉 악기 연주 기술을 형성하는 것입니다.

나는 음악 교육 개발의 기본 교훈 원칙에 주목하겠습니다.
– 마스터 레퍼토리의 확장과 다양성;
– 학습 속도에 따라 교육 자료 완료 기한을 유연하게 준수할 수 있습니다.
– 수업 내용의 정보 및 인지적 측면을 강화합니다.
– 독립적인 사고, 창의적인 주도성 등을 개발하기 위해 다양한 기술과 형태를 사용합니다.

돔라 연주를 배우기 전에, 학생이 악기를 연주할 때 의식적으로 움직임을 안내하고 근육 상태를 제어할 수 있도록 하는 작은 준비 연습 세트를 공부해야 합니다.

준비 운동에는 두세 세션의 시간이 거의 소요되지 않습니다. 나는 "던지기"라고 부를 수 있고 오른손 연주 기술을 개발하는 기초가되는 오른손 연습의 예를 들어 보겠습니다. 여기서 활성 브러시 동작은 수동 브러시 동작과 번갈아 나타납니다. 그래서 의자 중앙에 앉은 학생은 자유롭게 내린 오른팔을 팔꿈치에서 구부리고 손목이 두꺼운 판지나 왼손에 쥐고 있는 큰 책에 닿을 때까지 왼쪽으로 돌립니다. 판지의 이 위치는 브러시의 올바른 움직임을 제어하는 ​​데 도움이 됩니다. 손은 팔뚝을 들어 올리고 약간 돌리면 수동 상태에서 활성 상태로 전환됩니다. 이 경우 팔뚝이 직접적으로 이어집니다. 오른손의 손가락이 구부러져 판지에 닿습니다. 손목과 팔꿈치의 근육 힘은 최소화되어야 하며 어깨는 완전히 자유로워야 합니다. 골판지를 따라 미끄러지는 손은 손목의 위치를 ​​바꾸지 않고 올라가고 급격히 내려가 근육의 긴장을 풀어줍니다. 그런 다음 브러시가 아래쪽 지점에서 튀어 나와 관성에 의해 움직이며 위아래로 진동 운동을 반복합니다. 이 동작 주기에서는 손이 위쪽이나 아래쪽 위치에 고정되어서는 안 됩니다. 오른손의 팔뚝은 약간의 선형(회전이 아닌) 움직임을 만듭니다. 손의 움직임의 자유는 근육의 자유로움에 대한 내부 감각과 판지 위의 손가락 마찰에 대한 소리 인식에 의해 시각적으로 제어됩니다. 올바른 움직임으로 바스락거리는 소리는 가볍고 명확하며 리드미컬합니다.

돔라를 심는 것은 돔라 연주를 배우는 과정에서 중요한 연결 고리 중 하나입니다. 악기를 잡으려면 등을 곧게 펴고 몸을 앞으로 약간 기울인 의자 반쪽에 앉아야합니다. 오른쪽 다리를 왼쪽 다리 위에 놓고 돔라를 누르는 데 필요한 신체 기울기가 최소화되는 높이까지 올리십시오. 주축대의 높이는 대략 직각으로 팔꿈치가 구부러진 왼팔의 위치에 따라 달라집니다. 헤드스톡의 높은 위치는 픽과 스트링 사이의 접촉 각도를 변경하므로 사운드에 부정적인 영향을 미칩니다. 돔라 몸체의 평면은 수직이 되어서는 안 되며, 학생이 지판을 볼 때 세 줄을 모두 볼 수 있도록 약간 기울어져야 합니다.

왼손의 위치.

왼손의 위치에 있어서 가장 중요한 것은 4개의 손가락, 특히 3번째와 4번째 손가락이 가장 약하고 이동성이 가장 적은 동시 발달로 간주되어야 합니다. 또한 그 이하도 아니다 중요한 점손가락이 최대한 자유롭게 움직일 수 있는 손(손)의 위치를 ​​찾는 것입니다. 손가락을 뻗을 때 주의해야 합니다. 이에 대한 과도한 열의는 손가락의 경직을 유발할 수 있으며 어떤 경우에는 질병을 유발할 수 있습니다.

초기에는 메디에이터가 아닌 오른손 엄지손가락을 사용하여 소리를 내는 것이 좋습니다(피치카토 기법). 학생의 눈에 명확하게 표시되어야 합니다. 손목의 손이 약간 구부러져 있습니다. 현에 가해지는 압력은 "해머"처럼 손가락 패드를 사용하여 수행됩니다.

훈련을 시작할 때 손가락을 메이저 스케일에 놓은 다음 첫 번째 위치에 두는 것이 좋습니다. 왼손 손가락의 위치와 감각, 왼손 전체의 위치 지정에 대한 강화와 추가 개발은 연습뿐만 아니라 쉬운 연주와 노래를 통해서도 계속되어야 합니다. 예를 들어, "정원에 있든 채소밭에 있든"은 평소처럼 두 손가락으로 연주하는 것이 아니라 네 손가락 모두를 사용하여 반음계의 소리 순서로 배열하여 연주할 수 있습니다.

앞으로는 손가락의 유창함과 스트레칭의 발달에 기여하는 G. Shradik의 바이올린 연습을 사용할 수 있습니다. 이러한 운동을 할 때는 손가락에 무리를 주어서는 안 되므로 점차적으로 부하를 늘려야 합니다.

손 조정. 라인게임.

각 손의 움직임을 개별적으로 마스터하고 통합한 후 중재자를 "던지는" 소리를 생성하여 동작을 결합할 수 있습니다. 이제 양손, 특히 오른쪽 손으로 작업하는 데 집중해야 합니다. 라인 플레이 연습의 예를 들어보겠습니다. 따라서 첫 번째 줄부터 시작하여 인접한 줄로 추가 전환하면서 첫 번째 위치에서 연주해야 합니다. 5개의 음표 모두 위아래로 "던지기"로 연주한 다음 더블 스트로크 또는 더블 스트로크로 연주하고, 픽을 칠 때마다 음표가 변경되면 연습이 교대로 스트로크로 끝납니다.

트레몰로 마스터링을 위해 노력하세요.

작업은 트레몰로 브러시로 시작해야 합니다. 이에 대한 기초는 위에서 언급한 "던지기" 사이클입니다. 판지 위에서의 운동에서 개발된 움직임의 용이성을 잃지 않기 위해서는 먼저 종이 픽이나 매우 얇고 부드러운 픽을 사용해야 합니다. 이러한 중재자는 현과 접촉할 때 손에 과도한 스트레스를 주지 않으며 소리는 약하지만 부드럽습니다.

학생을 앉히고 돔라를 올바르게 설치한 후 손을 들어 첫 번째 줄을 치는 곡괭이를 사용해야 합니다. 타격 후 손은 반대 동작으로 다시 현을 걸고 자유 낙하 시 세 번째로 현을 타격합니다. 현의 네 번째 스트라이크도 리바운드로 인해 이루어지며, 이는 근육의 노력으로 포착되며 손은 위에서 다음 활성 스트라이크를 위해 원래 위치를 차지합니다. 충격의 강도가 약화됩니다. 가장 강한 타격은 첫 번째 타격이고, 가장 약한 타격은 마지막 타격입니다. 모든 타격은 리드미컬하게 균일해야 합니다. 손의 올바른 움직임을 제어하려면 스탠드 뒤, 오른손 손목 아래에 발포 플라스틱 조각(약 2cm 높이)을 놓아야 합니다.

손목을 지지하는 이 추가 지점은 팔뚝이 너무 많이 움직이거나 안으로 들어가는 것을 방지하고 손목이 구부러지는 정도와 픽이 현과 접촉하는 위치를 결정하는 데 도움이 됩니다. 폼 박스를 가지고 노는 것은 학생의 주의를 오른손의 움직임에 고정시킵니다. 이는 왼손으로 협응력을 개발할 때 특히 중요합니다. 왜냐하면 종종 학생이 오른손에만 주의를 기울이고 오른손을 잊어버리기 때문입니다. 학생의 게임 기술이 충분히 확고히 확립된 경우(교육 시작 후 1~2개월 후)에만 발포 플라스틱 스탠드 사용을 중단해야 합니다. 첫 번째 줄의 연습을 마친 후 스탠드를 사용하여 두 번째 줄의 연습으로 넘어갈 수 있습니다. 게임의 속도는 적당해야 하며 움직임이 숙달되면 속도가 빨라질 수 있습니다.

필요한 기술의 개발이 느린 경우 다음을 수행할 수 있습니다. 교사는 왼손으로 학생의 손목을 잡고 오른손으로 손을 움직입니다. 손의 완전한 자유를 얻은 후에는 학생의 손을 놓지 않고도 스스로 이 동작을 하도록 초대할 수 있습니다. 교사가 기술이 올바르게 수행되었는지 확인한 후 손과 손목을 놓습니다.

가장 어려운 경우에는 다음을 수행해야 합니다. 교사는 악기를 자신의 손에 쥐고 학생의 오른손을 오른손에 얹은 다음 손으로 움직이기 시작하여 학생이 악기를 숙달할 수 있도록 합니다. 여기서 중요한 것은 이전에는 존재하지 않았던 자유를 느낀다는 사실이며, 수업에 대한 흥미를 높이고 학생의 주의력을 활성화하며 자제력을 확립하는 것도 중요합니다.

트레몰로는 가장 표현력이 풍부하고 마스터하기 가장 어려운 기술입니다. 트레몰로는 학생이 작품의 성격을 전달하는 데 사용되는 다양한 색상의 사운드 팔레트입니다.

트레몰로 주파수는 일정한 값이 아니며 단위 시간당 피크가 현을 치는 횟수에 따라 달라집니다. 움직임이 가속되면 근육 긴장이 증가하고 이는 소리에 반영됩니다. 일반적으로 서정적 작품에서는 트레몰로 주파수가 낮아지고 극적 작품에서는 높아집니다. 주요 결정 요인은 각 음표의 비트 수가 아니라 최종 결과, 즉 멜로디의 표현적인 멜로디를 생성하는 것입니다.

트레몰로 유형:

1. 브러시가 있는 트레몰로. 이는 "스트로크" 게임에서 손의 움직임과 동일합니다. 유일한 차이점은 "스트로크" 게임에서는 동일한 지속 시간의 각 음에 대해 동일한 수의 스트로크가 이루어지지만 트레몰로에서는 그렇게 생각하지 않습니다. 스트로크 수에 관한 것이지만 시간에 따른 길이 노트에 관한 것입니다. 브러시가 있는 트레몰로는 가볍고 투명하며 밝은 사운드를 제공합니다.
2. 손과 팔뚝의 공동 움직임에 의한 트레몰로(팔꿈치에서 픽까지 단일 레버). 이 경우 손은 팔뚝이 직접 확장되도록 곧게 펴집니다. 이 유형의 트레몰로는 더 큰 밀도, 밀도 및 사운드 파워를 제공합니다.
3. 콤비네이션 트레몰로. 어깨 근육의 개입과 동시에 손과 팔뚝의 독립적인 움직임. 이 유형의 트레몰로는 강하고 깊은 사운드를 만들어냅니다.

훈련 초기 단계에서는 손의 참여로만 트레몰로를 연습하고, 이 유형의 트레몰로를 성공적으로 마스터한 후에는 다른 두 가지 유형을 마스터할 수 있습니다.

훈련 초기 단계에서는 레가토, 논레가토, 스타카토, 가변 스트로크, 하모닉스 등의 스트로크를 연습해야 합니다. 이 모든 스트로크는 처음에는 한 옥타브, 그다음에는 두 옥타브의 스케일로 연습됩니다. E 메이저, A 메이저 스케일로 시작하는 것이 좋습니다.

교육학적 레퍼토리.

훈련 초기 단계에서 학생을 위한 작품 선택은 기술적 기법을 연습하고 음악적 사고를 개발한다는 목표를 충족해야 합니다. 각 작품은 학생이 예술적 문제를 해결하고 기술적 능력을 습득하는 올바르게 배열된 교육 자료 체인의 링크 중 하나로 간주되어야 합니다.

바이올린과 피아노 컬렉션의 작품을 편곡하는 것이 가능합니다. 그러나 저는 러시아 민속 악기인 3현 돔라가 디자인과 음향 제작 방법 모두에서 고유한 특성을 가지고 있으며 바이올린과 피아노 레퍼토리의 곡을 사용할 때 이 점을 고려해야 한다는 점에 주목하고 싶습니다.

초보 음악가 양성에서 교사의 역할.

교사는 항상 고려해야 할 사항 개인의 특성학생들은 특히 악기에 대한 손의 적응성이 다르다는 사실을 알고 있습니다. 한 명의 교사와 단일 방법론을 사용하여 여러 학생을 가르칠 때 개별 결과가 다르다는 것은 잘 알려져 있습니다. 준비 연습을 마스터하는 경우에도 일부 학생들은 어려움을 겪을 수 있습니다. 필요한 경우 특정 단계에서 지연되는 이유를 이해하고 작업을 수정해야 할 수도 있습니다. 요컨대, 모든 교육 문제에는 창의적인 교육학적 접근 방식이 필요합니다.

교사는 초보 음악가들에게 자신감을 심어주고, 실패하면 위로해 주며, 최소한의 작은 성공이라도 반드시 강조해야 한다. 교사는 악기의 모든 연주와 연습을 설명해야 합니다. 왜냐하면 학생은 우선 교사의 연주를 따라하려고 노력할 것이기 때문입니다. 교사는 요구를 많이 해야 하지만 동시에 모든 사람의 능력을 고려해야 합니다. 한 사람에게는 더 높은 요구를 하고 다른 사람에게는 덜 요구합니다. 학생들에 대한 이러한 접근 방식은 교육적으로 매우 중요하며 수업에 대한 관심을 유지할 수 있습니다.

사용된 문헌 목록:

1. Andryushenkov G.I."어린이 민속 악기 그룹 관리의 심리적, 교육적 기초." 어. 마을 – 상트페테르부르크, 2004년.
2. 스타비츠키 Z.“돔라 연주를 배우세요.” – 엘., 1984.
3. Shitenkov. 그리고.“민속악기 연주를 가르치는 방법.” – 엘., 1975.

Anatoly Yakovlevich Alexandrov - 음악가, 교사, 방법론자, 3현 돔라의 첫 번째 연주자 중 한 명, 그의 학생들 사이에서 Viktor Ivanovich Kalinin이라는 이름이 알려져 있습니다. - 러시아의 명예 예술가, 첫 번째 전 러시아 연주자 대회의 졸업장 우승자 민속 악기 분야에서 현재 전 러시아 국영 텔레비전 및 라디오 회사의 민속 악기 오케스트라의 악장입니다.

Anatoly Alexandrov가 연주하는 돔라 학교(모스크바, 1988) - 음악 학교 및 대학의 학생 및 교사, 아마추어 음악 그룹의 참가자 및 리더를 대상으로 합니다.

"학교"는 세 부분과 레퍼토리 보충으로 구성됩니다.

이론적 정보와 실제 자료를 긴밀하게 연결하여 제시하고 점차 복잡해지는 순서대로 배열합니다.

1부에는 다음이 포함됩니다. 일반 정보돔라 건설, 착지 규칙, 손과 악기의 위치, 초기 연주 기술 및 간략한 정보음악적 능력(소리의 지속 시간 및 계산, 미터 및 리듬, 템포). 소리 생성과 음악적 표현 수단의 숙지, 즉 현의 피크를 만지고, 2개 및 3개의 열린 현에서 소리를 내고, 아래쪽 열린 현에서 피크를 다른 현으로 옮기는 데 많은 관심을 기울입니다.

A.Ya.가 쓴 것처럼 Aleksandrov, domra의 사운드 생성 방법은 단일, 이중, 교대 스트로크 및 트레몰로로 시작해야합니다. 트레몰로는 오른손의 자연스럽고 탄력 있는 움직임을 기반으로 하고 일정량의 위아래 스트로크와 관련이 없기 때문에 스트로크 연주와 동시에 개발이 도입됩니다. 각 사운드의 단일, 이중, 교대 타격 및 트레몰로는 사운드 특성이 세부 스트로크와 유사합니다. 저자의 템포와 지시에 따라 이 스트로크로 사운드가 생성됩니다. 짧은 스트로크는 타격이 있고 긴 스트로크는 트레몰로가 있습니다. 이 경우 각 소리의 지속 시간은 왼손 손가락으로 완전히 유지되어야 합니다. 각 개방현의 사운드 생성 외에도 처음부터 3개, 2개의 개방현 연주가 소개됩니다. 이는 오른손이 쉘과 관련하여 필요한 최소 기울기를 얻기 위해 필요합니다. 오른손을 뻗은 "지판 위"와 손이 크게 올라가지 않는 "스탠드에서" 제안된 게임은 동일한 목적을 가지고 있습니다("껍질 위로" 플레이할 때 최소 평균 리프트를 찾는 것).

왼손 손가락 배치의 다양한 간단한 유형을 익히는 것은 지판에서 손가락의 독립적 방향 기술을 강화하는 것과 결합되어야 합니다. 적절한 프렛에서 정확하고 정확한 위치를 확인하는 것이 필요합니다. 모든 경우에 이중 음표나 코드를 추출할 때처럼 손가락을 배치하는 것이 좋습니다. 올바른 위치프렛에 왼손 손가락. 저자에 따르면 음악에 대한 귀와 기억력을 키우고 돔라 연주 기술을 강화하려면 노래와 춤의 멜로디를 귀로 선택하는 연습을 해야 합니다.

두 번째 부분에는 첫 번째 위치 연주 및 음조 학습 기술을 강화하고 개발하는 방법에 대한 자료가 포함되어 있으며, 하프 위치에 대한 소개도 포함되어 있습니다. 이 부분에서 자료를 마스터하는 것은 음악 텍스트, 운지법, 기술 및 스트로크, 강약 및 템포를 보다 정확하게 재현하는 것뿐만 아니라 관련되어야 합니다. 여기서는 완전하고 선율적인 사운드로 멜로디를 연주하는 능력, 정확하게 표현하는 능력, 성격을 이해하고 작곡가가 작곡 한 음악의 내용을 의미있게 전달하는 능력, 정서적 인식 및 예술적 취향의 발달에 많은 관심을 기울입니다.

3부는 돔라 연주 기술을 향상시키고 새로운 기술인 글리산도, 왼손 손가락을 사용한 피치카토, 비브라토, 하모닉스, 브리지 뒤에서 연주 및 분수 등 새로운 기술을 익히는 것을 목표로 합니다. 이 "학교"는 또한 이중 음표 연주 원리를 설명하고 고품질 사운드를 추출하는 기술에 관한 실용적인 권장 사항을 제공합니다. 이 섹션에서는 또한 인접한 문자열로 전환하거나 문자열을 가로질러 전환할 때 구문과 스트로크 실행에 대해 설명합니다. 세 가지 유형의 사운드 생성(충격, 압력, 밀기)을 통해 모든 스트로크를 능숙하고 표현력 있게 수행하는 방법을 배우고 이를 예술적 관점에서 정당하게 적용하는 방법을 배우는 것이 중요합니다.

작품의 음악적, 예술적 내용에 따라 돔리스트 연주자는 작은 진폭으로 연주하는 것(손가락 끝, 손의 움직임, 손과 팔뚝 함께)에서 큰 진폭으로 연주할 수 있어야 합니다. 오른손 전체의 움직임. 위치에 대한 연구와 다섯 가지 유형의 위치 변경을 통해 멜리스마 게임을 마스터합니다. 마지막에 악보 부록이 있습니다.

Viktor Semyonovich Chunin - 러시아의 명예 예술가, 교수, 지휘자, 교사, 방법론자. 1933년에 태어나 1958년에 그네신 국립 뮤지컬 교육학 연구소(P.I. Alekseev의 돔라 수업, O.M. Agarkov의 지휘 수업)를 졸업했습니다. 1958년부터 그는 교사로 재직했고, 1988년부터는 그네신 주립 음악 교육학 연구소의 민속 악기과 교수로 재직했습니다. 과학자, 교사, 방법론자 및 공인으로서의 그의 활동은 다양한 방향으로 민속 악기 장르의 발전에 중요한 영향을 미쳤습니다. 그의 작품은 음악 교육 시스템의 모든 수준에서 인정받고 있으며, 어린이 음악 학교, 음악 학교 및 대학에서 수년 동안 교과서 자료로 사용되어 온 교육 프로그램, 교재 및 레퍼토리 컬렉션의 저자로 알려져 있습니다. 그는 러시아 돔라를 연주하는 진보적인 현대 학교를 만들었습니다. 수년 동안 그는 러시아의 여러 지역에서 마스터 클래스, 강의 및 세미나를 진행하면서 광범위한 공공 활동을 수행해 왔습니다.

Victor Chunin의 "School"은 악기, 좌석, 연주 기술, 초기 사운드 제작 기술, 방법, 음악 언어의 구성 요소 및 작품 작업에 대한 접근 가능한 정보를 제공합니다.

"학교"에는 돔리스트를 가르치는 기본 기본 사항 외에도 연극이 포함됩니다. 교육 자료예술적 작업과 긴밀하게 연관되어 돔리스트의 연주 기술을 익히고 강화합니다. V. Chunin은 각 섹션에서 최대한의 이점을 얻기 위해 다음과 같은 계획을 제공합니다. 텍스트 구문 분석 및 암기, 표시된 스트로크 마스터, 동적 음영, 다른 키로 조옮김, 다른 템포로 수행, 적용 템포에서 벗어나는 기술, 동적 음영을 사용하기 위한 자신만의 옵션 찾기, 가능한 옵션동기의 음색 비교, 다양한 캐릭터(다양한 분위기)로 연주, 주어진 멜로디에 대한 반주 선택, 완성된 모든 숫자 연주, 프레이징 악보에 초점을 맞춰 컴플렉스에서 프레이징 선택 즉흥 연주.

"학교"에는 손과 손가락의 근육을 이완하고 발달시키는 데 도움이 되는 일련의 특별한 손 체조 운동도 포함되어 있으며, 이는 놀 때 손의 자유를 얻는 데 매우 중요합니다.

Vyacheslav Kruglov가 연주하는 돔라 학교는 2003년에 설립되었습니다.

Vyacheslav Pavlovich Kruglov - 러시아 인민 예술가, 러시아 음악 아카데미 교수. 1971년 상트페테르부르크 림스키코르사코프 음악원을 졸업한 Gnesins는 수년 동안 돔라의 발전과 성과에 큰 공헌을 했으며 그의 작업 경험은 40년이 넘습니다. 크루글로프는 국내외에서 인기 있는 음악가이며 러시아 전역과 세계 여러 나라에서 많은 콘서트를 열었습니다. 민속 음악 아카데미 회장, 민속 악기 연주자 축제 주최자, 다양한 대회의 심사 위원. 감리교인이자 교사인 그의 학생 중에는 러시아 인민 예술가 S. Lukin과 M. Gorobtsov가 있으며, 이는 권위 있는 전 러시아 및 국제 대회 G. Kokorin, A. Semyonova 등의 수상자입니다.

Vyacheslav Kruglov는 민속 악기 예술 분야의 주요 연주자이자 교사 중 한 명입니다.

Domra Playing School(모스크바, 2003)은 작가의 수년간의 콘서트, 공연 및 교육 활동의 결과입니다. 돔라 연주의 최신 성과를 바탕으로 일반화된 교육 방법론을 제공합니다.

이 작업은 교육 방법론을 제안할 뿐만 아니라, 가장 중요한 것은 교사와 학생에게 설득력 있고 적절해 보이는 다양한 옵션과 방법 중에서 선택할 수 있는 기회를 제공한다는 것입니다.

"학교"는 음악 학교, 대학 및 대학교의 교사와 학생을 대상으로 합니다. 작가에게는 돔라 연주의 이론과 실천의 상태를 결합하고 논리적으로 이해하는 것이 중요했다.

이 학교는 악기의 역사적 개요부터 높은 전문 수준의 연주에 이르기까지 훈련에 필요한 모든 측면을 포함하고 있기 때문에 연주자이자 초보 교사로서 이 작품의 저자와 가장 가깝습니다. 기기를 처음 보관하는 방법, 구조, 규모, 핏 등에 대해 자세히 설명합니다. 악기 연주 학습의 모든 측면에 주의를 기울입니다. 또한 이 학교에는 3현 악기뿐만 아니라 4현 돔라에 대한 교육 방법도 포함되어 있으며 두 악기 모두에 대한 해당 참고 부록이 아래에 나와 있다는 점도 주목할 만합니다.

V. Kruglov의 돔라 연주 학습 방법에는 고유한 특징이 있습니다. 훈련 초기 단계에서 오른발에 스탠드를 바람직하지 않게 사용합니다. 학생이 척추를 "잡을" 수 없고 앞으로 기울일 뿐만 아니라 과도하게 기울어지기 때문입니다. 하지만 오른쪽에도.

신체의 위치는 상황에 따라 달라질 수 있습니다. 기술적 문제실행 가능한 자료.

멜리스마틱스의 수행에 많은 관심이 집중되고 이에 대해서는 별도의 장이 제공됩니다.

오른손 연주 기술에는 네 가지 주요 방법이 있습니다. 1. 회전, 결합 스윙, 병진 및 결합 병진.

소리 생성의 기본은 현을 치는 것이 아니라 뜯는 것입니다.

초기 훈련에서는 손가락을 많이 펴야 하는 첫 번째 위치에 아이의 손을 바로 놓지 말고, 손가락을 반음계 4화음의 7번, 8번, 9번, 10번 프렛에 위치시켜 동작을 시작해야 합니다. 4번째 손가락부터

Vyacheslav Pavlovich는 연구 중인 자료의 반복적인 기계적 재생을 피해야 한다는 사실에 큰 관심을 기울였습니다. 개별 장소에서 작업할 때는 기술과 스트로크의 정교화, 리듬, 스타일, 음질, 위치 간 전환 등 명확한 작업을 설정해야 합니다.