“악기.”라는 주제의 교육 프로그램입니다. 3현 돔라

교육 기능은 학생들에게 지식, 기술, 능력을 심어주고 이를 바탕으로 견해, 신념, 이상의 체계를 형성하는 것입니다. 교육 기능에는 학생들의 이데올로기, 노동, 도덕적, 미적 및 기타 성격 특성을 개발하기 위해 교육 과정을 구성하는 내용, 방법 및 형태의 사용이 포함됩니다. 마지막으로 발달 기능은인지, 사회, 노동 및 기타 교과 관련 실무 활동 과정에서 학생들의 모든 신체적, 정신적 힘과 능력을 개발하는 것을 목표로합니다.

교육에는 다음이 포함됩니다. 공동 활동교사(선생님)와 학생(학생). 조직 형태에 따라 훈련은 집단(오케스트라 레슨)과 개인(개인 레슨)으로 이루어질 수 있습니다. 내 기사는 개인 훈련에 중점을 둘 것입니다.

현대 심리학에서는 학습과 발달이 밀접하게 상호 연관되어 있으며, 학생들이 일정량의 지식과 기술을 습득함에 따라 학습을 통해 발달이 이루어진다고 주장합니다. 그러나 발달 과정에서 학생의 정신 활동의 질적 측면이 변화하고 향상되기 때문에 발달은 습득한 지식의 대상에 의해서만 결정되는 것이 아니라는 점을 고려할 필요가 있습니다.

음악 훈련의 주요 임무는 수업의 발달 측면을 강화하는 것입니다. 밝고 뚜렷하며 음악적으로 채색된 음악적 아이디어의 축적은 음악적 발전의 기초입니다. 더 넓은 개념 - 일반적인 음악적 발달은 학생들의 일련의 특별한 능력(음악적 귀, 기억력, 리듬)의 발달과 함께 사고력, 음악적 박식 및 지능의 발달을 포함하는 복잡한 변증법적 과정입니다. 음악적 발전의 수단 중 하나는 실제 연주 품질, 즉 악기 연주 기술을 형성하는 것입니다.

나는 음악 교육 개발의 기본 교훈 원칙에 주목하겠습니다.
– 마스터 레퍼토리의 확장과 다양성;
– 학습 속도에 따라 교육 자료 완료 기한을 유연하게 준수할 수 있습니다.
– 수업 내용의 정보 및 인지적 측면을 강화합니다.
– 독립적인 사고, 창의적인 주도성 등을 개발하기 위해 다양한 기술과 형태를 사용합니다.

돔라 연주를 배우기 전에, 학생이 악기를 연주할 때 의식적으로 움직임을 안내하고 근육 상태를 제어할 수 있도록 하는 작은 준비 연습 세트를 공부해야 합니다.

준비 운동에는 두세 세션의 시간이 거의 소요되지 않습니다. 나는 "던지기"라고 부를 수 있고 오른손 연주 기술을 개발하는 기초가되는 오른손 연습의 예를 들어 보겠습니다. 여기서 활성 브러시 동작은 수동 브러시 동작과 번갈아 나타납니다. 그래서 의자 중앙에 앉은 학생은 자유롭게 내린 오른팔을 팔꿈치에서 구부리고 손목에 닿을 때까지 왼쪽으로 돌립니다. 두꺼운 판지아니면 그가 들고 있는 큰 책 왼손. 판지의 이 위치는 브러시의 올바른 움직임을 제어하는 ​​데 도움이 됩니다. 손은 팔뚝을 들어 올리고 약간 돌리면 수동 상태에서 활성 상태로 전환됩니다. 이 경우 팔뚝이 직접적으로 이어집니다. 오른손의 손가락이 구부러져 판지에 닿습니다. 손목과 팔꿈치의 근육 힘은 최소화되어야 하며 어깨는 완전히 자유로워야 합니다. 골판지를 따라 미끄러지는 손은 손목의 위치를 ​​바꾸지 않고 올라가고 급격히 내려가 근육의 긴장을 풀어줍니다. 그런 다음 브러시가 아래쪽 지점에서 튀어 나와 관성에 의해 움직이며 위아래로 진동 운동을 반복합니다. 이 동작 주기에서는 손이 위쪽이나 아래쪽 위치에 고정되어서는 안 됩니다. 오른손의 팔뚝은 약간의 선형(회전이 아닌) 움직임을 만듭니다. 손의 움직임의 자유는 근육의 자유로움에 대한 내부 감각과 판지 위의 손가락 마찰에 대한 소리 인식에 의해 시각적으로 제어됩니다. 올바른 움직임으로 바스락거리는 소리는 가볍고 명확하며 리드미컬합니다.

돔라를 심는 것은 돔라 연주를 배우는 과정에서 중요한 연결 고리 중 하나입니다. 악기를 잡으려면 등을 곧게 펴고 몸을 앞으로 약간 기울여 의자 절반에 앉아야 합니다. 오른쪽 다리그것을 왼쪽에 놓고 돔라를 누르는 데 필요한 신체의 기울기가 최소화되는 높이까지 올립니다. 주축대의 높이는 대략 직각으로 팔꿈치가 구부러진 왼팔의 위치에 따라 달라집니다. 헤드스톡의 높은 위치는 픽과 스트링 사이의 접촉 각도를 변경하므로 사운드에 부정적인 영향을 미칩니다. 돔라 몸체의 평면은 수직이 되어서는 안 되며, 학생이 지판을 볼 때 세 줄을 모두 볼 수 있도록 약간 기울어져야 합니다.

왼손의 위치.

왼손의 위치에 있어서 가장 중요한 것은 4개의 손가락, 특히 3번째와 4번째 손가락이 가장 약하고 이동성이 가장 적은 동시 발달로 간주되어야 합니다. 또한 그 이하도 아니다 중요한 점손가락이 최대한 자유롭게 움직일 수 있는 손(손)의 위치를 ​​찾는 것입니다. 손가락을 뻗을 때 주의해야 합니다. 이에 대한 과도한 열의는 손가락의 경직을 유발할 수 있으며 어떤 경우에는 질병을 유발할 수 있습니다.

초기에는 메디에이터가 아닌 오른손 엄지손가락을 사용하여 소리를 내는 것이 좋습니다(피치카토 기법). 학생의 눈에 명확하게 표시되어야 합니다. 손목의 손이 약간 구부러져 있습니다. 현에 가해지는 압력은 "해머"처럼 손가락 패드를 사용하여 수행됩니다.

훈련을 시작할 때 손가락을 메이저 스케일에 놓은 다음 첫 번째 위치에 두는 것이 좋습니다. 왼손 손가락의 위치와 감각, 왼손 전체의 위치 지정에 대한 강화와 추가 개발은 연습뿐만 아니라 쉬운 연주와 노래를 통해서도 계속되어야 합니다. 예를 들어, "정원에 있든 채소밭에 있든"은 평소처럼 두 손가락으로 연주하는 것이 아니라 네 손가락 모두를 사용하여 반음계의 소리 순서로 배열하여 연주할 수 있습니다.

앞으로는 손가락의 유창함과 스트레칭의 발달에 기여하는 G. Shradik의 바이올린 연습을 사용할 수 있습니다. 이러한 운동을 할 때는 손가락에 무리를 주어서는 안 되므로 점차적으로 부하를 늘려야 합니다.

손 조정. 라인게임.

각 손의 움직임을 개별적으로 마스터하고 통합한 후 중재자를 "던지는" 소리를 생성하여 동작을 결합할 수 있습니다. 이제 양손, 특히 오른쪽 손으로 작업하는 데 집중해야 합니다. 라인 플레이 연습의 예를 들어보겠습니다. 따라서 첫 번째 줄부터 시작하여 인접한 줄로 추가 전환하면서 첫 번째 위치에서 연주해야 합니다. 5개의 음표 모두 위아래로 "던지기"로 연주한 다음 더블 스트로크 또는 더블 스트로크로 연주하고, 픽을 칠 때마다 음표가 변경되면 연습이 교대로 스트로크로 끝납니다.

트레몰로 마스터링을 위해 노력하세요.

작업은 트레몰로 브러시로 시작해야 합니다. 이에 대한 기초는 위에서 언급한 "던지기" 사이클입니다. 판지 위에서의 운동에서 개발된 움직임의 용이성을 잃지 않기 위해서는 먼저 종이 픽이나 매우 얇고 부드러운 픽을 사용해야 합니다. 이러한 중재자는 현과 접촉할 때 손에 과도한 스트레스를 주지 않으며 소리는 약하지만 부드럽습니다.

학생을 앉히고 돔라를 올바르게 설치한 후 손을 들어 첫 번째 줄을 치는 곡괭이를 사용해야 합니다. 타격 후 손은 반대 동작으로 다시 현을 걸고 자유 낙하 시 세 번째로 현을 타격합니다. 현의 네 번째 스트라이크도 리바운드로 인해 이루어지며, 이는 근육의 노력으로 포착되며 손은 위에서 다음 활성 스트라이크를 위해 원래 위치를 차지합니다. 충격의 강도가 약화됩니다. 가장 강한 타격은 첫 번째 타격이고, 가장 약한 타격은 마지막 타격입니다. 모든 타격은 리드미컬하게 균일해야 합니다. 손의 올바른 움직임을 제어하려면 스탠드 뒤, 오른손 손목 아래에 발포 플라스틱 조각(약 2cm 높이)을 놓아야 합니다.

손목을 지지하는 이 추가 지점은 팔뚝이 너무 많이 움직이거나 안으로 들어가는 것을 방지하고 손목이 구부러지는 정도와 픽이 현과 접촉하는 위치를 결정하는 데 도움이 됩니다. 폼 박스를 가지고 노는 것은 학생의 주의를 오른손의 움직임에 고정시킵니다. 이는 왼손으로 협응력을 개발할 때 특히 중요합니다. 왜냐하면 종종 학생이 오른손에만 주의를 기울이고 오른손을 잊어버리기 때문입니다. 학생의 게임 기술이 충분히 확고히 확립된 경우(교육 시작 후 1~2개월 후)에만 발포 플라스틱 스탠드 사용을 중단해야 합니다. 첫 번째 줄의 연습을 마친 후 스탠드를 사용하여 두 번째 줄의 연습으로 넘어갈 수 있습니다. 게임의 속도는 적당해야 하며 움직임이 숙달되면 속도가 빨라질 수 있습니다.

필요한 기술의 개발이 느린 경우 다음을 수행할 수 있습니다. 교사는 왼손으로 학생의 손목을 잡고 오른손으로 손을 움직입니다. 손의 완전한 자유를 얻은 후에는 학생의 손을 놓지 않고도 스스로 이 동작을 하도록 초대할 수 있습니다. 교사가 기술이 올바르게 수행되었는지 확인한 후 손과 손목을 놓습니다.

가장 어려운 경우당신은 다음을 수행해야합니다. 교사는 악기를 자신의 손에 쥐고 학생의 오른손을 오른손에 얹은 다음 손으로 움직이기 시작하여 학생이 악기를 숙달할 수 있도록 합니다. 여기서 중요한 것은 이전에는 존재하지 않았던 자유를 느낀다는 사실이며, 수업에 대한 흥미를 높이고 학생의 주의력을 활성화하며 자제력을 확립하는 것도 중요합니다.

트레몰로는 가장 표현력이 풍부하고 마스터하기 가장 어려운 기술입니다. 트레몰로는 학생이 작품의 성격을 전달하는 데 사용되는 다양한 색상의 사운드 팔레트입니다.

트레몰로 주파수는 일정한 값이 아니며 단위 시간당 피크가 현을 치는 횟수에 따라 달라집니다. 움직임이 가속되면 근육 긴장이 증가하고 이는 소리에 반영됩니다. 일반적으로 서정적 작품에서는 트레몰로 주파수가 낮아지고 극적 작품에서는 높아집니다. 주요 결정 요인은 각 음표의 비트 수가 아니라 최종 결과, 즉 멜로디의 표현적인 멜로디를 생성하는 것입니다.

트레몰로 유형:

  1. 브러시가 있는 트레몰로. 이는 "스트로크" 게임에서 손의 움직임과 동일합니다. 유일한 차이점은 "스트로크" 게임에서는 동일한 지속 시간의 각 음에 대해 동일한 수의 스트로크가 이루어지지만 트레몰로에서는 그렇게 생각하지 않습니다. 스트로크 수에 관한 것이지만 시간에 따른 길이 노트에 관한 것입니다. 브러시가 있는 트레몰로는 가볍고 투명하며 밝은 사운드를 제공합니다.
  2. 손과 팔뚝의 공동 움직임에 의한 트레몰로(팔꿈치에서 픽까지 단일 레버). 이 경우 손은 팔뚝이 직접 확장되도록 곧게 펴집니다. 이 유형의 트레몰로는 더 큰 밀도, 밀도 및 사운드 파워를 제공합니다.
  3. 콤비네이션 트레몰로. 어깨 근육의 개입과 동시에 손과 팔뚝의 독립적인 움직임. 이 유형의 트레몰로는 강하고 깊은 사운드를 만들어냅니다.

훈련 초기 단계에서는 손의 참여로만 트레몰로를 연습하고, 이 유형의 트레몰로를 성공적으로 마스터한 후에는 다른 두 가지 유형을 마스터할 수 있습니다.

훈련 초기 단계에서는 레가토, 논레가토, 스타카토, 가변 스트로크, 하모닉스 등의 스트로크를 연습해야 합니다. 이 모든 스트로크는 처음에는 한 옥타브, 그다음에는 두 옥타브의 스케일로 연습됩니다. E 메이저, A 메이저 스케일로 시작하는 것이 좋습니다.

교육학적 레퍼토리.

훈련 초기 단계에서 학생을 위한 작품 선택은 기술적 기법을 연습하고 음악적 사고를 개발한다는 목표를 충족해야 합니다. 각 작품은 학생이 예술적 문제를 해결하고 기술적 능력을 습득하는 올바르게 배열된 교육 자료 체인의 링크 중 하나로 간주되어야 합니다.

바이올린과 피아노 컬렉션의 작품을 편곡하는 것이 가능합니다. 그러나 저는 러시아 민속 악기인 3현 돔라가 디자인과 음향 제작 방법 모두에서 고유한 특성을 가지고 있으며 바이올린과 피아노 레퍼토리의 곡을 사용할 때 이 점을 고려해야 한다는 점에 주목하고 싶습니다.

초보 음악가 양성에서 교사의 역할.

교사는 항상 학생들의 개별적인 특성, 특히 악기에 대한 손의 적응성이 다르다는 사실을 고려해야 합니다. 한 명의 교사와 단일 방법론을 사용하여 여러 학생을 가르칠 때 개별 결과가 다르다는 것은 잘 알려져 있습니다. 준비 연습을 마스터하는 경우에도 일부 학생들은 어려움을 겪을 수 있습니다. 필요한 경우 특정 단계에서 지연되는 이유를 이해하고 작업을 수정해야 할 수도 있습니다. 요컨대, 모든 교육 문제에는 창의적인 교육학적 접근 방식이 필요합니다.

교사는 초보 음악가들에게 자신감을 심어주고, 실패하면 위로해 주며, 최소한의 작은 성공이라도 반드시 강조해야 한다. 교사는 악기의 모든 연주와 연습을 설명해야 합니다. 왜냐하면 학생은 우선 교사의 연주를 따라하려고 노력할 것이기 때문입니다. 교사는 요구를 많이 해야 하지만 동시에 모든 사람의 능력을 고려해야 합니다. 한 사람에게는 더 높은 요구를 하고 다른 사람에게는 덜 요구합니다. 학생들에 대한 이러한 접근 방식은 교육적으로 매우 중요하며 수업에 대한 관심을 유지할 수 있습니다.

사용된 문헌 목록:

  1. Andryushenkov G.I."어린이 민속 악기 그룹 관리의 심리적, 교육적 기초." 어. 마을 – 상트페테르부르크, 2004년.
  2. 스타비츠키 Z.“돔라 연주를 배우세요.” – 엘., 1984.
  3. Shitenkov. 그리고.“민속악기 연주를 가르치는 방법.” – 엘., 1975.

체계적인 작업:

"기술력 개발
돔리스트의 왼손"

선생님:
부르숙 T.V.

업무 계획.

    오른손 위치 지정.

    손가락의 위치와 선택.

    왼손의 위치.

    왼손 손가락의 기능.

    손 조정.

오른손 위치 잡기.

학생의 연주 기술의 주요 조건은 오른손 기술의 올바른 숙달입니다. 오른손이 너무 아치형을 이루거나 반대로 스탠드에 밀착되어서는 안 됩니다. 오른손 관절의 아래쪽 부분과 스탠드의 줄이 닿는 지점 사이에는 2~3cm의 거리가 있어야 합니다.
오른손손을 약간 회전시키고 손 자체의 자연스러운 중력을 사용하여 긴장 없이 작업해야 합니다.

손가락의 위치와 선택.

중재자를 배치하려면 검지의 세 번째 (손톱) 지골이 엄지 손가락의 두 번째 (손톱) 지골 아래에 맞도록 손가락을 구부리고 가장자리가 서로 튀어 나오지 않도록 닫아야합니다. 같은 수준에서.
중재자는 검지의 세 번째 (손톱) 지골 중앙에 수직으로 적용되며 그 끝은 3-4ml를 넘지 않습니다. 중재근은 엄지손가락의 약간 구부러진 두 번째(손톱) 지골에 의해 눌러집니다.
곡괭이로 두 번째와 세 번째 줄을 칠 때 약지와 중지가 두 번째와 첫 번째 줄에 닿지 않도록해야합니다. 이렇게하려면 손가락의 두 번째와 세 번째 지골을 약간 구부려 야합니다. 동시에 브러시는 더욱 둥근 모양을 얻습니다.
모든 손가락이 서로 닿아야 합니다. 이 경우 조정기에 가해지는 압력은 엄지손가락과 다른 손가락 사이에 고르게 분산됩니다. 소리의 역동성을 높이면 픽에 대한 엄지손가락의 압력이 상당히 강해 검지 하나로 저항하기가 어렵습니다. 근육의 긴장 없이 모든 손가락이 서로 밀접하게 접촉하고 서로를 강화하면 엄지손가락을 매우 강하게 지지할 수 있습니다. 또한 작은 손가락을 사용하여 쉘에 밀어 넣으면 모든 손가락에 전달되는 반력이 생성되고 픽을 치는 엄지손가락의 압력에도 대응됩니다. 이는 손의 긴장을 완화하는 데 도움이 됩니다.
안타깝게도 집게손가락과 엄지손가락으로만 픽을 잡는 경우를 관찰해야 하는데 이는 허용 가능한 것으로 간주할 수 없습니다. 매우 심각한 실수는 오른손이 새끼손가락에 고정되어 있다는 것입니다. 현을 자유롭게 치는 것은 불가능하며, 이 위치에서는 일반적으로 제한된 손 움직임으로 인해 소리가 "당겨져 나옵니다".
브러시의 새끼손가락 손톱에는 끈이 수직이 아닌 비스듬히 닿기 때문에 미끄러지는 지지대가 있어야 합니다. 메디에이터를 사용한 스트링 후크의 깊이는 동일하지 않으며 소리의 강도와 특성에 따라 달라집니다.

왼손의 위치.

악기에서 왼손의 위치는 다음과 같아야 합니다. 손바닥이 지판에 닿지 않고 엄지손가락과 검지 바닥으로 가볍게 지탱됩니다. 또한 손은 바에 거의 수직이 되어야 합니다. 왼손의 팔꿈치가 몸에 눌려서 어느 정도 뻣뻣해져서는 안 되며, 자연스러운 위치에 있어야 합니다. 연주자의 몸에서 약간 떨어져 있습니다.
당연히 플레이 중에 팔꿈치는 팔뚝의 움직임에 따라 약간 움직입니다. 이것은 다른 보조 동작을 수행하는 손의 능력과 마찬가지로 긴장과 강성을 제거하고 자유와 편리함을 제공하는 전제 조건을 만드는 것입니다. 왼손의 손가락과 손의 올바른 시작 위치를 찾으려면 다음과 같이 손가락을 A 스트링에 배치해야 합니다.

손가락은 망치처럼 가볍게 두드리는 것처럼 보이도록 현 위에 놓아야 합니다. 사실, 학생들은 종종 손가락을 "두드림"으로 인해 꼬집어 과도한 긴장이 발생하는 경우가 많습니다. 손가락을 너트(프렛)에 더 가깝게 위치시켜 현이 지판을 가로질러 미끄러지지 않도록 해야 합니다. 이렇게 하면 소리의 음조가 높아지기 때문입니다.
유창함과 편안함의 발달을 방해하므로 현을 너무 세게 누르지 마십시오. 손이 고정됩니다.
우리 반의 모든 학생들은 "반음" 연습을 합니다. 이 연습은 지판에 손가락의 올바른 위치를 보장하고 불필요한 움직임을 피하도록 가르칩니다(첫 번째 손가락부터 네 번째 손가락까지 연주할 때 같은 프렛에 일관되게 제자리에 서 있고, 반대로 연주할 때(4번째 손가락부터 1번째 손가락까지) 순차적으로 올라갑니다. 이 운동은 또한 손가락의 민첩성을 발달시키는 데 도움이 됩니다.

현 위에서 손가락을 낮게 유지함으로써 불필요한 움직임을 피하고 양손의 더 나은 조화를 보장할 뿐만 아니라 좋은 유창함을 얻을 수 있습니다. 왼손의 손가락은 손톱에 더 가까운 패드 중앙의 끈에 위치해야 합니다. 연주에서 자유로운 왼손의 손가락은 반쯤 구부린 자세로 현 위에 위치하여 휴식할 수 있는 기회를 제공해야 합니다.
연습이나 스케일, 에뛰드 등을 연주할 때 엄지손가락으로 지판을 집거나 지판 아래로 집어넣지 않도록 주의해야 합니다. 무엇보다도 이는 특히 위치의 정확한 변경을 방해하고 브러시 작업 전체를 방해합니다. 세 번째와 네 번째 약한 손가락의 작업에주의를 기울여야합니다. 또한 처음부터 아이가 공부 중인 자료에서 운지법을 정확하게 수행하도록 가르치는 것이 필요합니다. 스케일 연주, 다양한 스트로크 및 다양한 리듬을 사용한 운동은 큰 이점을 제공합니다. 이를 다양한 역학과 결합하는 것이 특히 유용합니다.

왼손 손가락의 기능

돔리스트의 왼손은 음악가의 연주 품질이 크게 좌우되는 매우 크고 다양한 작업을 수행합니다. 그 유형 중 하나는 손가락 작업이며 이동성 개발에 지속적인 관심을 기울여야합니다. 이와 관련하여 먼저 손의 해부학적 구조를 기억하고 손의 하나 또는 다른 부분(손가락, 손, 팔뚝)을 대상으로 하는 작업의 본질을 명확하게 이해해야 합니다. 학생들은 서로 다른 놀이 도구를 가지고 있습니다. 손은 크거나 작을 수 있고, 손가락은 길거나 짧을 수 있습니다. 그러나 손의 구조에 관계없이 돔리스트의 손가락의 기능은 동일하게 유지됩니다.
왼쪽 엄지 손가락은 다음 기능을 수행합니다.
1. 악기의 목을 지지합니다.
2. 손가락으로 지판을 눌렀을 때 아래쪽에서 위쪽으로의 압력을 대조합니다.
3. 위치를 변경할 때 악기의 목 부분을 따라 슬라이드되어 손을 더 쉽게 움직일 수 있습니다.
4.화음 연주 등에 참여한다.
돔라 연주를 배우는 첫 단계부터 엄지손가락이 지판을 너무 세게 누르지 않도록 주의를 기울여야 합니다. 이로 인해 다른 손가락의 작업이 제한되고 손 전체의 위치를 ​​변경하기가 어려워집니다. . 때로는 나머지 손가락의 발달이 좋지 않아 왼손 엄지 손가락의보다 탄력있는 위치가 허용되는 경우도 있습니다.
검지는 말하자면 다른 모든 손가락을 정의하고 연결하는 손가락입니다. 그는 다른 사람들보다 더 발달하고 민첩하지만 그의 힘은 평균보다 약간 열등합니다. 검지(첫 번째)는 다양한 움직임과 기능(프렛의 줄 누르기, 지판을 따라 움직이는 등)을 수행합니다.
가운데 손가락(두 번째)과 약지(세 번째)는 기본적으로 첫 번째 손가락과 동일한 기능을 수행합니다. 마찬가지로 이 손가락도 신체 발달과 독립적인 움직임이 가능합니다.
새끼손가락(네 번째)은 모든 손가락 중에서 가장 약한 손가락입니다. 개발하기가 어렵습니다. 따라서 저는 학습의 첫 단계부터 학급 학생들에게 네 번째 손가락을 개발하고 강화하는 연습을 할당합니다.

연습을 통해 돔라 연주자가 새끼 손가락의 발달이 제대로 이루어지지 않은 경우 곡이나 연습곡을 연주하는 것이 얼마나 어려운지 알 수 있습니다. 그 사이에 그 사람 없이는, 즉. 다른 운지법을 사용하면 특정 음악 세그먼트의 연주가 때때로 매우 바람직하지 않습니다(음악적 아이디어가 중단되고 손가락의 위치를 ​​변경해야 하며 일반적으로 운지법이 복잡해지고 불필요한 움직임이 발생합니다). 새끼손가락의 발달이 제대로 되지 않으면 템포가 흐트러지고 불규칙성이 느껴지는 경우가 많습니다.
결과적으로 학생은 네 번째 손가락의 활동을 개발해야 하며 연습이나 에뛰드를 연주할 때 네 번째 손가락의 사용을 피하지 않아야 합니다.
왼손 손가락의 기능은 항상 손, 팔뚝 및 손 전체의 동작과 특정한 관계에 있습니다. 특별한 운동은 유익합니다. 손가락 움직임의 독립성이 획득되고 독립성이 나타납니다.
학생 자신이 자유로운 움직임을 느끼고 압박감과 긴장을 허용하지 않는 것이 중요합니다.

수업 과정

손가락은 활동적이어야 하며, 손과 팔 자체는 상대적인 휴식 상태에 있어야 합니다.

그러나 그 반대일 수도 있습니다. 손과 팔뚝은 활발하게 작동하지만 손가락은 거의 움직이지 않습니다. 예를 들어 위치, 팔뚝 및 손을 변경할 때:

전완

실습에서 알 수 있듯이 학생들이 수행한 이러한 연습은 학생들과 함께 학습되어 소리와 움직임(손가락, 팔뚝, 손)의 동기화를 달성합니다.
돔라 연주의 초기 기술을 개발하는 것은 학생에게 가장 어렵고 흥미롭지 않은 단계이며, 학생의 추가 개발 품질은 습득 품질에 크게 좌우됩니다.

손의 협응

각 손의 움직임을 개별적으로 마스터하고 통합한 후 중재자를 "던지는" 소리를 생성하여 동작을 결합할 수 있습니다. 이제 양손으로 작업하는 데 집중해야 합니다. 특히 오른손이 중요합니다. 일반적으로 왼손만 어린이의 관심을 끌고 오른손은주의를 기울이지 않습니다. 따라서 오른손 운동을 사용하는 것이 좋습니다.
오른손으로 작업할 때, 한편으로는 "던지기" 주기의 움직임을 가속화하는 과정에서 떨림에 접근하고, 다른 한편으로는 왼손과의 정확한 조정을 통해 다음을 달성하도록 노력해야 합니다. 좋은 "스트로크" 플레이("스트로크" 플레이를 위해서는 여러 방향으로 한 번의 타격으로 소리가 재생되는 것을 이해해야 함).
아래 예에서는 각 분기마다 하나의 "던지기"가 수행됩니다. 네 번, 그다음에는 8분의 1에 두 번, 16분의 1에 한 번. 따라서 "던지기" 동작은 오른손에 그대로 유지되고 왼손 손가락의 이동 속도만 변경됩니다.

트레몰로를 발달시키기 위한 운동입니다.

이 연습에서 "던지기"는 4분음표로만 유지되고, 절반 및 전체 음표에서는 이동의 용이성이 유지됩니다. 강조가 제거되고 움직임의 빈도가 약간 증가하며 진폭이 감소하고 오른손 근육의 활동이 다소 활성화됩니다. 여기서 중요한 것은 박자의 수가 아니라 시간에 따른 음표의 길이입니다.

손가락 유창성의 올바른 발달에 기여하는 연습과 연극을 통해 미세한 기술을 향상시킬 수 있습니다.

중고 도서.

1. A. Alexandrov “3현 돔라 연주 학교”
2. Z. 스타비츠키 " 초기 훈련돔라 연주 중"
3. N. F. Oleinikov “방법론적 권장사항”

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성적 증명서

1 시립 자치 추가 교육 기관 "아나디리 도시 지역 어린이 미술 학교" 방법론적 개발 Chukotka Autonomous Okrug 어린이 미술 학교의 악기 유형 음악 예술 부서용 G. Shradik의 돔라 연주 및 작업 기술 개발을 위한 연습 편집자: MAU DO "DSHI of the Anadyr 교사 도시 지구" Talypova Elena Viktorovna Anadyr 2017

2 목 차 소개 G. Shradik의 연습을 기반으로 한 돔라 연주 기법 개발 5 2. 연주 기술 개발 방법 8 결론.12 참고 자료 13 부록..14 2

3 소개 악기를 연주하는 것은 가장 복잡한 유형의 인간 활동 중 하나이며, 이를 구현하려면 일반적으로 높은 수준의 개인 개발이 필요합니다. 뿐만 아니라 의지, 주의력, 감각, 지각, 사고, 기억, 상상력 및 미묘한 신체 움직임의 흠잡을 데 없는 조화 등 정신 과정의 잘 작동하는 작업이기도 합니다. 학생이 악기를 사용하여 자신의 생각과 감정을 전달하는 동작 연주 기술을 익히지 않으면 높은 예술적 결과를 얻을 수 없습니다. 음악가 선생님들이 항상 걱정하고 계속 걱정하는 문제 중 하나는 학생들의 기술력을 키우는 문제입니다. 이는 학습의 다양한 단계에서도 똑같이 관련됩니다. 결국 돔라 연주는 특정 기술이 필요한 실용적인 예술입니다. 따라서 domra 기술을 연구하는 문화는 domra 교육 방법론에서 가장 중요한 문제 중 하나입니다. 왜냐하면 게임의 기술적 구성 요소에 대한 전문적인 식별은 항상 프로세스 전체에 대한 전문적인 적용 범위와 결합되어야 하기 때문입니다. 음악데이터 개발, 축적 기술적 수단청각 및 음악적 이해의 발달과 밀접한 관련이 있습니다. 어떤 경우에도 하나가 다른 하나에 위치해서는 안 됩니다. 기술적인 연습의 유용성을 깨닫고 그것을 사용하는 법을 배우는 음악가는 의심할 바 없이 그것을 무시하는 사람들로부터 유익을 얻을 것입니다. 알려진 바와 같이 대부분의 연주가는 손을 따뜻하게 하기 위한 연습과 함께 악기 연습을 시작합니다(가수에게 "찬송"하는 것은 일반적으로 필수 사항으로 인식됩니다). 삼

4 이와 관련하여 손을 따뜻하게 하고 일련의 연습을 통해 연주 기술을 개발하는 두 가지 작업을 동시에 조합하는 것이 좋습니다. 모든 기본 돔라 기술을 다루는 연습을 수행하는 데 몇 분이면 충분하다는 것이 밝혀졌습니다. 수행자는 이러한 기술의 범위, 본질 및 각 운동의 가장 단순한 것부터 거장까지의 그라데이션을 잘 알고 있어야 합니다. 이러한 복합체를 스스로 이해한 후에는 이를 일종의 자기 통제 시스템으로 간주할 수 있습니다. 귀하의 기술 수준에 대한 테스트 시스템으로. 이 경우 일부 운동에는 더 많은 시간을 할애하고 다른 운동에는 더 적은 시간을 투자해야 하며 다른 운동에 대한 필요성은 완전히 사라질 것입니다. 또한 몇 가지 새로운 운동을 고안할 필요가 있다는 것도 분명해졌습니다. 학생의 기술을 개발하기 위한 작업은 목적이 있고 다용도적이며 다면적이어야 합니다. 스케일과 연습을 공부하는 것은 다른 작업을 수행하는 기술을 개발하는 가정 연습의 필수 부분입니다. 진정한 기교는 기술적 유창함과 더불어 무대 공연 중 계획된 사운드에 대한 자유로움, 편리함, '손의 순종' 속에서 배양되어야 합니다. 이 개발의 목적: 왼손 손가락의 필요한 움직임을 연습하고 연주자의 지구력과 지구력을 개발하는 것입니다. 목표에 따라 다음과 같은 작업이 식별되었습니다. - 수행 장치 기술의 요소를 식별합니다. - 뻣뻣함 없이 독립적인 손가락 움직임을 달성합니다. - 게임 동작 조정을 연습합니다. - 게임기 설정의 기본 사항을 통합합니다. - 힘과 지구력을 키우십시오. - 고품질 사운드 생성을 달성합니다. 4

5 1. G. Shradik의 연습을 기반으로 한 돔라 연주 기술 개발 기술을 개발하고 왼손 손가락을 강화하려면 스케일과 아르페지오 외에도 수업에 특별 연습 작업을 포함해야 합니다. 이를 위해 왼손 손가락의 움직임을 훈련하고 오른손의 다양한 연주 기술을 개발하기 위해 여러 가지 다양한 연습이 권장됩니다. 나의 방법론적 작업에서 나는 G. Shradik의 매뉴얼 "School of Violin Playing"에서 빌린 연습을 기반으로 돔라 연주 기술을 개발하기 위한 훈련 시스템을 고려할 것을 제안합니다. 시간의 시험을 견뎌온 이 매뉴얼은 바이올리니스트뿐만 아니라 다른 현악기 연주자, 그리고 주로 돔리스트들에게 최고의 기술 개발로 인정받고 있습니다. "School"은 많은 섹션으로 구성되어 있지만 돔라의 위치 범위가 작기 때문에 일부 섹션만 변경 없이 재생할 수 있습니다. 이내에 학교 커리큘럼일반적으로 섹션 I의 연습만 수행되며, 이는 24개의 연습으로 구성되며, 작업에서 특별히 집중하고 싶습니다. 제안 된 연습은 주로 왼손 손가락의 필요한 움직임을 연습하고 연주자의 지구력과 지구력을 개발하기 위한 것입니다. 수년 동안 학교에서 일하면서 나는 그 질문에 답할 수 없다는 것을 관찰했습니다. 초기 단계에서 학생들에게 G. Shradik의 연습을 제공할 가치가 있습니까? 그리고 각 교사는 자신의 방식으로 문제를 해결합니다. 섹션 I의 연습은 첫 번째 위치의 바에 위치하며, 이는 손가락을 가장 넓게 펴는 데 도움이 되며, 이는 작은 손에 문제가 됩니다. 그리고 이에 대해 많은 초등학교 교사들은 학생들에게 운동을 거부하거나, 반대로 학생들의 신체적 능력의 차이를 무시하고 올바른 운동 실시를 긴급히 요구하고 있습니다. 이는 5 이후 초기 단계에서 훈련의 효율성을 크게 감소시킵니다.

6 게임 기술 개발에 접근성 및 일관성 개념이 대체됩니다. 가장 단순한 동작 대신에 허리가 아프고 솔직히 말해서 수행이 불가능한 동작이 제공됩니다(지판의 첫 번째 위치에서 손가락 스트레칭). , 예상치 못한 운지법의 어려움으로 무작위 레퍼토리 연주 등). 그러나 가장 중요한 것은 어린이가 악기와 의사 소통하는 첫 번째 수업에서 문자 그대로 접근 가능하고 빠르게 배울 수 있는 쉽고 자연스러운 움직임의 가능성에 대해 결코 배우지 못할 것이라는 것입니다. 이것이 학생과 교사 모두에게 성공의 느낌이 너무 먼 미래로 밀려나기 때문에 많은 실망, 수업에 대한 관심 상실, 교육 초기 단계의 대규모 중퇴의 주된 이유가 아닌가요? 한마디로, 초기 단계의 어려움을 재평가하고, 아이가 성공적인 음악 연주에 필요한 연주 기술을 습득할 수 있는 더 쉽고 접근하기 쉬운 방법을 찾는 것이 필요합니다. 그런 점에서 오늘날 등장하고 있는 소위 전통적인 돔라 지판 마스터링 방식에 대한 비판적 접근이 필요하다고 생각합니다. 수업에서는 거의 첫 번째 수업부터 G. Shradik의 운동을 연습하지만 1 위가 아닌 학생의 생리적 능력에 따라 3, 4 위부터 점차적으로 1 위까지 이동합니다. . 그리고 G. Shradik의 연습에 대한 철저한 연구는 의심할 여지 없는 기술 개발의 성공을 보장하며, 이는 우리 반 학생들의 합당한 성과를 통해 반복적으로 입증되었습니다. 예를 들어 대회 우승자가 된 2학년 학생 Alexander Kazakov의 XXI 지역 대회 "Young Talents of Chukotka"에서의 공연이 있습니다. 학생이 연주한 A. Goedicke의 "Etude"는 기본적으로 G. Schradick의 연습 요소를 기반으로 만들어졌습니다. 6

7 연습의 요소는 많은 연극과 스케치에서 발견됩니다. 예를 들어 P.I. 차이콥스키: 7

8 2. 수행 기술을 개발하는 방법 운동 훈련 세션을 시작할 때 처음부터 올바른 운동 방법을 선택하는 것이 매우 중요합니다. 따라서 A현의 첫 번째 위치에서의 운동은 왼손 손가락의 근육을 강화하여 서로 독립적이고 더 강해지며 자유로운 연주, 특히 세 번째 손가락, 특히 네 번째 손가락에 적합하도록 만드는 것을 목표로 합니다. 다음 조건이 충족되어야 합니다. 1. 연주하는 동안 손가락을 제자리에 유지하십시오. 손가락이 게임에 관여하지 않는 경우 매번 모아서 분리해서는 안됩니다. 이는 주로 세 번째와 네 번째 손가락에 적용됩니다. 각 손가락은 떨어지게 될 프렛 위에 있어야 합니다. 2. 필요한 것보다 일찍 현에서 손가락을 떼지 마십시오. 예를 들어, 이 연습의 첫 번째 소절에서는 첫 번째와 두 번째 손가락이 고정된 상태에서 이전에 연주한 음표의 프렛에 있는 동안 세 번째 손가락의 자유로운 움직임을 발견해야 하며 세 번째 손가락은 음을 D를 반복합니다. . 두 번째 소절에서는 네 번째 손가락이 이 모든 작업을 수행해야 하며 첫 번째, 두 번째, 세 번째 손가락은 프렛에 있어야 합니다. 이러한 조건은 처음 세 가지 연습에서 관찰되어야 합니다. 나는 프렛의 손가락 위치에 대한 기호를 사용하여 예를 제시합니다. 8

9 괄호 없이 음표 위에 적힌 숫자는 해당 음을 연주하는 손가락을 나타냅니다. 그리고 괄호 안에 적힌 숫자는 이때 어느 손가락이 프렛에 있는지를 나타냅니다. 또한, 연주하지 않는 손가락은 현을 치는 동안 손가락에 압력을 가해서는 안 됩니다. 에너지를 낭비해서 연주하는 손가락의 힘을 약화시켜서는 안 됩니다. 그리고 불필요한 움직임을 만들지 않으려면 프렛에 유지하는 것이 필요합니다. 세 번째와 네 번째 손가락의 움직임을 별도로 연습함으로써 아직 발달되지 않은 근육을 강제로 작동시키고 강화하며 뻣뻣함을 풀어줍니다. 이러한 손가락을 독립적으로 움직이는 것은 쉽지 않으며 위에서 설명한 모든 요구 사항을 준수하려면 지속적인 작업이 필요합니다. 3. 하향 스트로크와 상향 스트로크를 번갈아 가며 연습할 경우 상향 스트로크에서 나오는 소리의 강도와 품질을 주의 깊게 모니터링하고 하향 스트로크에서 얻은 사운드보다 약하거나 질적으로 나쁘지 않은지 확인해야 합니다. 픽을 아래쪽으로 쳐서 생성되는 소리는 일반적으로 더 포화되고 밝은 반면, 픽을 위쪽으로 쳐서 생성되는 사운드는 픽이 바스락거리는 소리와 같이 더 둔하고 밀도가 낮습니다. 연습을 통해 특정 소리 생성 부족에 주의를 집중하면 소리를 고르게 만드는 것이 가능합니다. 상향 스트로크를 개발하려면 일반적으로 상향 스트로크로 연주되는 "역"스트로크, 즉 홀수 ​​16분음표와 하향 스트로크로 짝수 음표부터 연습하는 것이 좋습니다. 이를 통해 각 사운드의 강도와 품질을 균등화할 수 있습니다. 4. 음계에서와 마찬가지로 소리의 길이, 눈에 띄지 않는 짧은 전환, 소리 연결에 대해 계속 작업합니다. 9시부터

제안된 10가지 연습에서는 음표가 결합된 다음 픽으로 타격이 촘촘해야 하고 결과 소리가 길어야 합니다. 5. 각 운동을 연속으로 4회 이상 수행하여 손가락 근육을 강화하고 어렵고 어색한 동작을 반복할 수 있는 지구력을 키우십시오. 6. 모든 순간을 잘 제어할 수 있는 속도로 손가락 움직임 훈련을 시작합니다. 각 운동을 개별적으로 수행하고 빠른 속도로 플레이해도 문제가 발생하지 않으면 왼손 손가락의 훈련이 허용하는 한 연속적으로 운동을 수행할 수 있습니다. 장시간의 경기 중에 긴장감이나 경직이 나타나면 잠시 경기를 중단하는 것이 필요하다. 첫 번째 섹션의 연습을 수행할 수 있는 충분한 준비 상태 테스트(작업의 최종 결과)는 해당 섹션의 모든 연습을 멈추지 않고(각 연습을 최소 4회) 움직이는 속도로 연속적으로 수행하는 것을 고려해야 합니다. , 게임의 모든 조건을 관찰합니다. 이러한 운동 방법은 수행 기구의 불필요한 움직임을 최소화하여 비생산적으로 에너지를 소비하는 데 도움이 됩니다. 돔리스트는 왼손 손가락의 짧고 명확한 움직임을 개발하고 손가락은 이 연주에 익숙해지며 앞으로는 현 위로 높이 올라가지 않을 것입니다. 손가락이 현에서 더 가까울수록 연주한 음이 더 풍성해지며, 반대로 손가락을 현에서 먼 거리로 이동하는 습관은 움직임이 지연되고 열등한 결과를 낳습니다. 노트의 소리. 또한, 불필요한 움직임은 게임에 불필요한 까다로움을 가져오고 더 무겁게 만듭니다. 첫 번째 섹션의 연습 작업은 매우 진지하게 받아들여야 합니다. 올바른 움직임의 기초가 놓이는 곳입니다. 또한 새끼 손가락의 약한 손가락을 강화하는 데 주된 관심을 기울이는 반면 10

11 놀면서 피곤하지 않고 규정된 동작을 충분히 수행하지 못한다. 장기. 첫 번째 섹션의 연습 중에서 가장 어려운 연습인 6, 7, 8, 11, 12, 13, 14, 19, 22에 특별한 주의를 기울여야 합니다. 따라서 모든 경로는 작업 및 작업에 따라 목표로 이어집니다. 노력. 누구나 원하는 대로 길을 선택할 수 있지만, 날마다 기술을 향상시켜야 합니다. 기술의 발전은 광범위하고 다면적이다. 기술 개발의 주요 목표는 교사의 기술 장치가 교사가 직면한 음악적 과제를 수행할 수 있는 조건을 만드는 것입니다. 열하나

12 결론 학생의 기술적 능력 개발은 건설적인 자료를 선택하는 교사의 기술, 이 자료를 가르치는 체계적 성격, 사고 속도, 소리 생성 속도와 같은 학생의 정신 물리학적 능력 등 여러 요인에 따라 달라집니다. , 그리고 악기의 손 움직임의 조정. 가장 중요한 것은 학생의 노력과 인내입니다. 학생에게 건설적인 자료를 제시할 때 교사는 다음과 같은 몇 가지 사항을 고려해야 합니다. 1) 모든 운동은 필요에 따라 수행자가 인정해야 합니다. 2) 과제의 기술적 실행의 정확성과 의도한 사운드 결과의 달성뿐만 아니라 학생의 연주 장치 상태도 주의 깊게 모니터링해야 합니다. 그렇지 않으면 근육 과부하의 위험이 있습니다. 3) 과제는 단순한 것부터 복잡한 것까지 순서대로 배열되어야 합니다. 즉, 각 운동의 복합 요소와 개별 요소가 모두 필요합니다. 4) 이후의 각 반복을 이전 반복보다 더 잘 수행하도록 노력할 필요가 있습니다. 5) 학생이 적시에 배운 연습을 더 복잡한 버전으로 대체하십시오. 높은 수준의 자동화로 기억된 기술은 학습에서 극복할 수 없는 장애물이 될 수 있기 때문입니다. 미술품, 시간이 지남에 따라 모든 것이 지속적으로 변화하는 곳에서는 고유한 특성이 있습니다. 논리적 발달. 또한 교사는 자신의 업무에서 체계적이고 심리적인 교육의 원칙을 준수해야 합니다. 교육적, 교육적, 예술적 자료의 균형 잡힌 비율을 포함하여 학생과의 작업을 적절하게 계획하고 학생의 개성에 따른 레퍼토리를 정확하게 선택하는 것은 학생의 공연 기술 개발이 직접적으로 좌우되는 교육적 기술의 지표입니다. 12

13 참고 자료 1. Aleksandrov A. Ya. 3현 돔라 연주 학교. M., Varlamova T.P. 돔라 공연: 교과서. 모스크바: MGUKI, p. 3. Gareeva I.V. domrista 숙달 단계. Ekaterinburg, Kruglov V.P. 돔라 연주 학교. M.: 출판사 RAM im. 그네신, s. 5. 루킨 S.F. 3현 돔라 연주 학교. 기본 수업. 파트 II p. 인터넷 리소스 1. domracheev.ru 2. muz1.muzkult.ru

14 14 부록 1

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어린이를 위한 추가 교육 프로그램 “Guitar Circle” 프로그램의 초점은 예술과 미학입니다. 학생 연령: 11세 18세 시행 기간: 2년 I. 설명

시 예산 교육 기관

어린이를 위한 추가 교육. 네륜리 어린이 미술학교

추상적인

주제: “돔라 연주를 배우는 문제. 뇌졸중과

색채 기법.

완료자: domra 교사

출코바 라리사 게오르기예브나

네륜리, 2014

돔라 연주법을 배우는 문제.

획과 색채 기법

음악가의 완전한 발전은 필요한 기술의 숙달뿐만 아니라 높은 의미의 숙달에 기반을 둔 포괄적인 방법론 없이는 불가능합니다. 따라서 말 그대로 훈련의 첫 단계부터 억양에 대한 학생의 귀 발달, 근육의 자유 달성, 발음 및 역 동성 마스터, 다양한 소리의 음색에 특별한주의를 기울입니다.

오늘날 팝 재즈 문화가 음악 생활에서 민족 예술의 모든 요소를 ​​대체하기 위해 정보 "테러" 방법을 사용할 때, 민족 문화의 운반자로서 민속 음악과 그 악기의 중요성, 민족 문화에서의 역할을 이해하는 것이 특히 중요합니다. 개인의 도덕 교육.

더욱이 우리나라의 현대 경제 상황에서 민속 악기 연주자들은 학문 분야의 대표자들과의 경쟁을 견뎌야합니다. 학술 악기 체계에서 자신의 위치를 ​​확고히 하기 위해서는 민속 음악가들이 연주 기술의 문화를 전면에 내세워야 하며, 이는 연주자의 전문성에 대한 가장 중요한 기준이 되어야 합니다.

그러나 민속 악기 연주자의 기술이 더욱 발전하는 것은 해결되지 않은 이론적, 실제적 문제로 인해 방해를 받고 있습니다. 이러한 문제는 돔라 교육학의 특징입니다. 현대 돔라 성능이 직면한 과제에는 긴급한 조치가 필요합니다. 현대 음악 교육학에서 개발된 모든 자원을 활용하는 것이 필요합니다.

돔라 연주법을 배울 때 가장 큰 문제 중 하나는 돔라 연주자의 제한된 레퍼토리입니다. 수업에서 공부하는 작품 목록은 장르, 스타일, 수량 측면에서 매우 좁습니다. 콘서트 공연과 돔라 교육학의 현대적 요구를 충족하는 레퍼토리는 사실상 없습니다. 교육 레퍼토리의 부족은 특히 대학에서 매우 심각합니다. 이전에는 중급 학생들도 이용할 수 없었던 돔라 레퍼토리의 많은 작품이 이제는 정기적으로 연주되고 어린이 음악 학교의 커리큘럼에 포함됩니다. 한편, 연주하는 음악가의 전문적 발전에 결정적인 역할을 하는 것은 다양한 작곡가 스타일을 모두 반영하는 레퍼토리라는 것은 잘 알려져 있습니다.

문제에 대한 해결책은 현대 공연의 요구 사항을 고려하여 교육 레퍼토리를 확장하는 것일 수 있습니다. 여기서 중요한 역할은 학술 음악의 필사본을 교육 및 교육학 레퍼토리에 도입함으로써 수행될 수 있습니다. 물론 다양한 스타일과 장르에 속하는 돔라 작품의 필사본이 많이 있고 출판되었습니다. 그러나 그 중 상당 부분은 어느 정도 구식입니다.

돔라의 표현 능력에 가장 잘 부합하고 학생들의 기술 발전에 기여하는 작품에는 18세기 하프시코드 연주자의 작품이 포함됩니다. 우선 F. Couperin, J. F. Rameau, L. Daquin, D. Scarlatti의 작품입니다.

기존 관행을 분석한 결과, 특히 어린이 음악 학교와 부분적으로는 대학의 많은 돔라 교사가 학생 발달에 대한 자신의 역할을 과소평가하는 것으로 나타났습니다. 한편, 하프시코드 음악에는 여러 가지가 있다. 중요한 자질, 돔리스트 훈련을 돕고, 공연자의 기술적 능력을 확장하는 동시에 여러 가지 새로운 예술 및 공연 작업을 제시할 수 있습니다. 하프시코드 연주자의 음악은 소리의 미학으로 인해 연주자에게 다양한 터치와 소리 제작에 대한 차별화된 접근 방식이 필요합니다. 필요한 소리를 재현하는 데 적합한 기술과 스트로크의 선택은 연주 기술의 발전과 도미스트의 스트로크 팔레트 확장에 기여합니다.

사운드의 유사한 특성 덕분에 하프시코드 연주자의 돔라 음악 편곡은 예술적인 관점에서 타당해 보입니다.1 연주자는 따라야 할 사운드 샘플을 가지고 있으며2 이는 음질 작업을 위한 훌륭한 기회를 열어줍니다. 재료의 표현과 질감의 투명성 때문에 연주자는 각 사운드에 특별한 주의를 기울여야 합니다. 그렇지 않은 경우, 사운드 제작의 모든 결함은 음악 작품의 사운드 이미지를 위반합니다.

하프시코드 연주자의 작업을 통해 협소한 전문적 문제를 해결하는 데 집중할 수 있습니다. 이는 운동 기술의 형성과 돔리스트의 기술 향상에 기여합니다.

이러한 중요한 특성이 나열되어 있음에도 불구하고 하프시코드 연주자의 연극은 돔리스트의 레퍼토리에 거의 포함되지 않습니다. 한 가지 이유는 출판된 필사본이 부족하기 때문입니다. 물론 교사가 스스로 수행하는 독창적인 적응도 있지만 대부분의 경우 교실을 벗어나지 않습니다. 기본적으로 돔라 교사들은 레퍼토리 계획을 세울 때 돔라 공연에서 테스트를 거친 작품만을 가르치는 데 사용합니다.

18세기 작곡가 음악의 특징인 형식의 소형화로 인해 이러한 연극을 다양한 교육 수준의 커리큘럼에 도입하는 것이 가능해졌습니다. 이들은 주로 대학이며, 물론 어린이 음악 학교에서 학생들을 성공적으로 발전시키는 레퍼토리에 연극을 포함시키는 것이 가능합니다. 레퍼토리 확장의 또 다른 영역은 돔라(소위 "원래 레퍼토리")를 위해 특별히 작성된 현대 음악입니다. S. Gubaidulina, E. Podgaits, V. Pozhidaev, K. Volkov, V. Belyaev, G. Zaitsev와 같은 작곡가의 작품은 현대 돔리스트의 레퍼토리를 크게 풍부하게 만듭니다.
그들의 음악은 돔라의 표현적(예술적, 기술적) 능력을 보다 분명하게 드러내는 것을 가능하게 하고, 돔라의 콘서트 특성을 드러내는 데 도움을 줍니다. 틀에 얽매이지 않는 음악적 언어와 복잡미묘한 현대음악 기술적인 업무, 돔리스트의 레퍼토리 "수하물"을 보충하고 그의 전문적인 성장을 자극합니다.

레벨업에도 그다지 중요하지 않습니다 직업 훈련돔리스트의 문제는 기술 훈련이 현대 성과 요구와 일치하지 않는다는 문제, 체계적으로 검증된 기술 교육 시스템이 없다는 문제이기도 합니다. 점점 복잡해지는 레퍼토리와 준비 속도가 빨라지는 "모드"에는 돔리스트의 높은 기술이 필요하며, 이는 기존 기술을 수정하고 새로운 기술을 도입하지 않고는 달성하기 어렵습니다. 이 시스템에서 핵심 요소 중 하나는 공연 장치를 가장 잘 형성할 인체공학적(편리하고 경제적인) 공연 동작의 개발입니다.

현대 돔라 교육학에서는 이 문제에 충분한 관심이 주어지지 않습니다. 실습에서 알 수 있듯이 특징적인 기술적 오류는 domrista 개발에 심각한 장애물이 됩니다.

인체공학적 게임 동작의 효과적인 형성을 촉진하는 기본 규칙을 공식화해 보겠습니다.
왼손의 경우 우선 현에서 손가락을 들어 올리는 진폭을 가능한 최소로 줄이는 것입니다. 손가락은 직접 누르기 전에 미리 준비해야 합니다. 우리는 습득한 기술을 음악 자료로 이전하는 것과 함께 적절한 연습에 대한 게임 동작을 지속적으로 모니터링하고 고정해야 합니다.
돔라 연주자의 연주 기술의 효과적인 형성은 왼손 손가락의 적절한 움직임 구성뿐만 아니라 모든 부분의 조화로운 작업을 통해 보장됩니다. 왼손의 손, 팔뚝 및 손가락의 잘 조절된 움직임은 악기의 눈금 너비로 인해 발생하는 어려움을 극복하고 악기의 목을 따라 손이 빠르게 미끄러지는 것을 촉진하며 원하는 것을 정확하게 치는 데 도움이 됩니다. 점프 중 메모.

지난 세기에 비해 돔라 연주에는 새로운 기능이 등장했습니다. 이는 사운드, 음색 및 다양한 라인의 특별한 문화가 필요한 밝고 대규모 사운드입니다. 돔라 교육학에서 이러한 자질을 달성하려면 돔라 연주자의 연주 능력을 확장하고 악기의 음향적(기술적 및 표현적) 능력을 완전히 드러내는 새로운 기술적 수단의 도입을 기반으로 하는 기술 개발에 대한 특별한 접근 방식이 필요합니다. 여기서 다음 사항에 주의를 기울여야 합니다.

모든 유형의 터치(던지기, 누르기) 수행은 "현을 지지한 상태에서"("현을 가지고 연주") 수행되어야 합니다. 약간 다른 형태의 사운드 생성에 대한 이러한 접근 방식은 피아노 교육학(“연주할 때 바닥까지 다이빙”), 보컬 교육학(“사운드 지원”, “가면으로 노래하기”)에서 볼 수 있습니다. "현의 지원을 받아" 연주하면 기술적 결함("소리가 나지 않는" 음표, 누락)을 극복할 수 있고 연주자의 동적 능력이 크게 확장되어 본격적인 콘서트 사운드를 얻을 수 있습니다. 설명된 사운드 생성 기술은 근육의 음색을 자극하고 연주 장치의 기능을 활성화하며 학생의 청각 주의력을 활성화하여 연주 동작에 대한 자신감, 기술적 정확성, 음악 자료의 의식과 감각에 대한 더 나은 동화 및 통합을 가져옵니다. .
돔라의 콘서트 사운드 잠재력을 드러내려면 사운드를 생성하고 서로 상호 작용할 때 손의 모든 부분을 사용해야 합니다.

오른손 연주 동작의 다양한 변형을 사용하면 연주자의 동적 진폭과 사운드 팔레트를 확장하는 데 도움이 되며, 전통 및 현대 돔라 레퍼토리 작품의 예술적 개념에 해당하는 사운드 이미지를 식별할 수 있습니다. 스타일과 성격이 매우 다릅니다.

음악 작품 이미지의 해석 및 구현 문제를 해결할 때 돔 연주자와 교사는 다음 규칙을 기억하는 것이 중요합니다. 소리의 성격, 수행된 동작에서 형성되는 소리 결과도 다음에 따라 달라집니다. 연주 동작의 성격. 수행 행위를 제한함으로써 우리는 제한된 수행 수단 세트를 얻습니다.

돔리스트 훈련에서 불완전하게 해결된 문제는 전문 분야에 수반되는 학문이 돔리스트에게 현대 레퍼토리를 마스터하는 데 부족한 지식과 음악적 자료를 제공하는 학제간 연결 시스템을 만드는 것 같습니다. 여기서 특히 중요한 것은 주로 활동 수행과 관련된 교육 분야입니다. 본 시리즈에서는 앙상블 연주를 별도로 부각할 필요가 있다.

알려진 바와 같이, 앙상블 연주는 음악적 사고를 형성하고 창의적인 독창성과 독립성을 촉진하며 청각 및 연주 경험을 풍부하게 합니다. 청각, 기억력, 메트로리듬 감각 등 음악적 능력의 보다 집중적인 발달을 촉진합니다. 합주 연주 중 '자치'는 귀를 활성화시키고, 자신과 타인의 말을 듣는 능력을 키우며, 합주 연주자의 주도성과 의지가 강한 자질을 키워줍니다.

듀엣은 학습 과정 구성, 콘서트 공연 및 레퍼토리 선택 측면에서 편리하기 때문에 교육 기관에서 가장 일반적입니다. 돔라 연주자 교육에서 더욱 중요한 것은 트리오, 4중주, 5중주입니다. 분명히 구성이 넓을수록 프레임워크 내에서 더 많은 수행 작업을 해결할 수 있습니다. 기술과 스트로크의 통일성, 부분 간의 균형 및 연주의 동기화를 달성하고 일반적으로 연주의 미터리듬 구성 문제를 해결하는 것은 앙상블 연주 기술의 성공적인 숙달에 기여합니다.

앙상블 음악 제작은 다양한 예술 스타일의 음악 문학을 폭넓게 접할 수 있는 가장 훌륭한 기회를 열어주는 활동 형태입니다. 그리고 여기에서 레퍼토리는 학습 과정의 품질, 효율성 및 음악가의 전문적 발전을 규제하는 역할을 합니다. 구성에 포함된 악기의 훌륭한 사운드, 테시투라, 음색 및 색상 기능 덕분에 앙상블은 돔리스트의 레퍼토리 "수하물"을 크게 확장할 수 있습니다.

교사가 설정한 작업 수행자로서뿐만 아니라 연주 과정에 적극적으로 참여하는 앙상블에서의 역할을 고려하면 돔리스트의 발전이 크게 강화된다는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 앙상블 연주자는 레퍼토리 문제 해결에 참여해야 하며, 이전에 앙상블 레퍼토리에 포함되지 않았던 작품의 악기 편성과 편곡을 요청해야 합니다. 고품질의 필사본을 만들기 위해서는 다양한 음악 과학 분야의 정보를 활용해야 하기 때문에, 이와 관련하여 앙상블은 다른 특수 및 일반 전문 분야에서 습득한 지식을 활용할 수 있는 일종의 "시험장" 역할을 합니다. 적용 가능 : 악기편성, 지휘, 피아노, 음악이론 과목주기 등

돔리스트의 전문적 발전 과정에서 많은 문제를 크게 극복할 특정 학문으로서 민속 악기 연주를 가르치는 분야에서 활동할 수 있는 것은 앙상블 음악 연주입니다.

따라서 돔라 교육학의 문제를 해결하려면 다른 공연 전문 수업에서 축적된 음악 교육학 경험을 활용하고, 돔라 교육 분야에서 확립된 전통에 의존하며, 연주의 현대적인 경향도 고려해야 합니다.

이러한 과제의 실행은 돔라 공연자의 전문적인 성장을 강화하고 돔라 공연과 교육학의 발전에 기여할 것입니다.

집에서의 뇌졸중

작품의 음악적 이미지, 내용, 성격을 파악하기 위해서는 노래, 멜로디, 곡조, 춤 등의 표현적인 사운드를 얻을 수 있는 색상을 선택하는 것이 필요합니다. 획은 작품의 다채로운 사운드 계획을 드러내는 데 도움이 됩니다.

획(독일어: Strich – 선, 대시)은 사운드 생성의 방법, 특성 및 색상입니다. 이는 프레이징, 정점, 역동적인 풍부함, 리듬의 조화, 음악 작품의 의미론적 의미의 깊이에 대한 보다 완전한 공개를 식별하는 데 도움이 됩니다.
스트로크는 긴 스트로크, 짧은 스트로크, 개별 스트로크, 연결 스트로크, 육포 스트로크, 무겁고 가벼운 스트로크로 구분됩니다.

다양한 사운드 생성 방법과 돔라 연주 기술의 숙달, 다양한 스트로크 사용 및 그 조합은 표현 연주의 기초입니다. 주요 스트로크 유형은 활을 휘감은 현악기(주로 바이올린) 연주 연습에서 결정되었으며, 그 원리와 이름은 나중에 다른 유형의 연주로 옮겨졌습니다.

음악 연습에서는 레가토, 논레가토, 레가티시모의 세 가지 유형의 스트로크가 일반적입니다.

Legatissimo(이탈리아어: Legatissimo) - 매우 일관되고, 지속적이고, 부드럽고, 선율이 더 활동적인 트레몰로로 연주되어 사운드에 감정적인 색상을 부여합니다(더 큰 성실성, 선율, 내면의 풍부한 감정).

레가토(이탈리아어: 레가토) – 일관되고 일관되며 선율이 좋고 부드럽습니다. 트레몰로는 마치 한숨처럼 연속적으로 연주됩니다.

Porteto(이탈리아어: portata) – 리그별로 통합된 표시된 음을 연주할 때 사용됩니다. 일관되고 일관되며 약간 강조된 것처럼 들립니다. 트레몰로로 연주했습니다.

Legato Leggiero(이탈리아어: Legato Leggiero) – 일관되고 일관되며 쉬운 소리입니다. 아래쪽과 위쪽을 치는 방식으로 연주되지만 왼손의 손가락은 프렛의 각 음표의 지속 시간을 유지합니다.

Legato Accento(이탈리아어: Legato Accento) – 일관되고 일관되며 강세가 있는 소리입니다. 트레몰로로 연주되며 각 음표는 스윙으로 연주됩니다.

Legato Accentissimo(이탈리아어: Legato Accentissimo) - 일관되고 일관되며 매우 강조됩니다. 큰 스윙과 함께 트레몰로로 연주됩니다.

논레가토(이탈리아어 - 논레가토 - 개별적으로)는 연속 트레몰로로 연주할 때 각 소리를 별도로 들어야 하는 스트로크입니다. 논레가토는 음표 위 또는 아래에 선으로 표시되지만 공통 리그로 통합됩니다. 논레가토로 연주되는 음표 그룹은 멜로디의 긴장감을 높이거나 낮추는 데 도움이 되는 반면, 이 스트로크는 음악의 전체적인 역동적인 목표와 성격에 종속됩니다. 이런 식으로 그룹 계획은 레가토 느낌을 유지합니다.

Tenuto (이탈리아어 tenuto) – 지속됨. 각 음표에 대해 트레몰로가 연주되지만 이 스트로크를 사용하면 (시작 부분을 강조하지 않고) 사운드의 강도에 따라 지속 시간이 매우 완벽하게 유지된다는 점에서 다릅니다. 그것은 "호흡"(다음 소리가 들리기 전의 휴식)과 같은 느낌입니다. 음표 위 또는 아래에 대시로 표시되는 lil은 tenuto(약어로 10)라는 단어입니다.

분리자(프랑스어)디etacher - 분리) - 각 사운드는 타격 또는 트레몰로를 사용하여 별도로 수행됩니다. 디테일 스트로크를 수행할 때 왼손 손가락은 프렛의 음표의 전체 지속 시간을 유지합니다.(이것은 스타카토에서 디테일 스트로크를 연주할 때의 특징입니다.) 이는 음표 아래 또는 위에 대시로 표시됩니다.

마르카토(이탈리아어)중아르카토 - 강조 표시). 그것은 분리되고, 짧아지고, 강조되는 것처럼 들립니다. 아래쪽 스트로크, 아래쪽 - 위쪽으로 트레몰로로 연주됩니다.

스타카토(이탈리아어)에스taccato - 갑자기) - 스트로크는 짧고 갑작스러운 소리를 추출하는 데 사용됩니다. 디테일과 달리 스타카토를 연주할 때는 소리를 낸 후 왼손의 손가락으로 현에 가해지는 압력을 느슨하게 하거나 소리가 나는 열린 현을 가볍게 건드리면 됩니다.
스타카토는 음표 위나 아래에 점으로 표시되거나 스타카토라는 단어로 표시됩니다. 이는 하향 스트로크로 수행되고 상향 스트로크로는 덜 자주 수행되며 교번 스트로크를 사용하면 더 민첩한 속도로 수행됩니다.

스타카티시모(이탈리아어)씨taccatissimo - 매우 갑작스러운) - 스트로크를 사용하면 더욱 가볍고 "튀는" 음표를 얻을 수 있습니다. 매우 짧고 명확하게 들립니다.

마르텔(프랑스어)중artele - minting) – 갑작스럽고 짧으며 매우 강조된 소리입니다. 음표 위에 웨지로 표시됩니다.

스타카토 악센트 - 짧고 갑작스러운 음표가 더욱 강조됩니다. 음표 위에 점으로 표시되고 점 위에 악센트 표시가 표시됩니다.
DOMRA 연주 기술

러시아 민속 악기 - 돔라 지난 몇 년풍부한 기술과 표현력, 고유한 음색과 색상 아이덴티티를 갖춘 독주 악기로서 콘서트 무대에서 점점 더 자리매김하고 있습니다.

Coloristic, 즉 다채로운 기술은 색상과 음색 표현력이 특정한 사운드를 추출하는 특별한 방법입니다.

다양한 색상과 게임 기술은 일반적인 음향 효과를 기반으로 여러 주요 그룹으로 결합될 수 있습니다.

    플라졸렛.

    피치카토.

    비브라토.

    글리산도.

    음색 효과.

    소음 효과

음표의 기호 실행과 다채로운 연주 기술의 사운드 음영에 대해 가능한 옵션을 고려해 보겠습니다.

플라주렛

하모닉스는 현의 2,3,4분할된 부분을 손가락으로 살짝 건드려서 얻어지는 특별한 음색의 소리입니다. 각 분할 지점에서 특정 소리의 배음 중 하나, 즉 기본 톤이 추출됩니다. 주음이 개방현인 경우 분할 지점을 손가락으로 터치하면 일련의 자연스러운 하모닉스가 생성됩니다.

고조파는 옥타브, 5도, 4도 등으로 불립니다. 손가락을 가볍게 터치하지 않고 일반 버튼을 누르면 옥타브, 5도, 4도 등의 소리가 들립니다. 기본 톤보다 높습니다.

자연 고조파는 두 가지 방법으로 추출됩니다.

왼손의 어느 손가락 패드를 사용하여 5번, 7번, 12번, 19번, 24번 프렛 위의 현을 가볍게 터치합니다. 동시에 우리는 곡괭이로 현을 쳐서 고조파를 추출합니다. 고조파를 제거한 후 즉시 프렛에서 패드를 떼어냅니다.

우리는 오른손으로만 고조파를 추출합니다. 가운데 손가락의 패드가 반대쪽의 줄에 적용됩니다. 가운데 손가락의 터치와 동시에 픽으로 현을 쳐서 하모닉을 추출합니다.

자연 고조파 외에도 게임에서는 단축된(손가락으로 누르는) 줄에서 얻은 인공 고조파를 사용합니다. 플란넬렛은 다음과 같이 지정됩니다.

일반 음표는 왼손 손가락이 현을 누르는 위치를 나타내고, 다이아몬드 음표는 오른손 중지가 현에 닿는 위치를 나타냅니다. 고조파는 오른손의 손가락으로 자연 고조파를 추출하는 두 번째 방법과 유사한 한 가지 방식으로 수행됩니다. 왼손 손가락을 사용하여 표시된 음표에 해당하는 프렛을 누릅니다. 돔라의 고조파는 첼레스타나 실로폰의 소리처럼 밝고 울리는 소리를 냅니다.

피치카토

피치카토(Pizzicato)는 현악기를 튕겨 소리를 내는 기술입니다. 돔라의 피치카토는 곡괭이가 아닌 손가락으로 연주됩니다.

사용 가능한 가장 일반적인 기술은 오른쪽 엄지손가락을 사용하는 피치카토입니다. 피자로 표시됩니다. b.p. 이 기술을 익히는 데 있어서 어려운 점은 플레이할 픽에서 엄지손가락을 빠르게 떼고 픽을 이전 위치로 빠르게 되돌리는 것입니다. 이 경우 중재자는 오른손 검지와 중지의 첫 번째 지골로 잡거나 손바닥에 숨길 수도 있고 특수 고무 밴드를 사용하여 중재자를 검지에 부착 할 수도 있습니다. 오른손; 이 경우 엄지 손가락은 항상 자유롭게 피치카토를 연주할 수 있습니다.

엄지 피치카토 코드는 다소 아르페지오처럼 들립니다.

피치카토 가운데 손가락 피자. 수요일 명사. - 단일 음을 연주할 때는 현을 위로 당기고, 코드를 연주할 때는 양방향으로 현을 뽑습니다. 이 기술은 조정자로부터 엄지손가락을 뗄 시간이 없고 피치카토로 몇 개의 음만 연주할 수 있을 때 사용됩니다.

집게손가락 피자가 있는 피치카토. uk.p. - 현을 위쪽으로 뽑는 경우: 검지로 연주할 때 곡괭이는 손바닥에 "숨겨지고" 오른손의 약지와 중지로 지지됩니다. 집게손가락으로 피치카토 코드를 연주하는 것은 발랄라이카의 "클랭킹" 기법을 모방합니다.

코드를 연주할 때 엄지와 검지를 번갈아 사용할 수 있습니다.

피치카토(Pizzicato) - 분수(기타) - 반쯤 구부러진 손가락의 순차적 슬라이딩(모든 줄을 따라 새끼손가락으로 시작)

직접 분수 - 하향 이동.

역분수는 상승 움직임입니다.

직접 분수는 큰 분수와 작은 분수로 나뉩니다. 작은 분수를 실행하려면 엄지손가락을 제외한 네 손가락이 필요합니다. 엄지손가락을 치면 큰 샷이 완성됩니다. 강조를 위해 분수가 사용됩니다.

더블 피치카토 - 두 손가락을 동시에 꼬집는 것(엄지는 아래로, 검지나 중지는 위로).

왼손 손가락을 사용한 피치카토 또는 "고장"(제한)은 하강 시퀀스에 일반적으로 사용되는 기술입니다.

오름차순 시퀀스에서는 두 개 이상의 음표에서 첫 번째 음표를 픽으로 쳤을 때 왼손 손가락을 프렛에 던져 다음 음표를 연주할 수 있습니다. 이 기술을 기타 레가토라고 하며 음표 위에 "X" 표시가 표시됩니다.

비브라토

비브라토 - (이탈리아어 비브라토 - 진동) - 현에서 왼손 손가락을 진동시키는 연주 기술입니다.

돔라의 비브라토는 주요 연주 기술은 아니지만 거의 사용되지 않으며 단지 소리를 채색하는 데만 사용됩니다. 이는 현의 진동이 급격히 감소하여 사운드 레벨이 급격히 떨어지기 때문입니다. 돔라 현의 장력이 다른 현악기보다 강하기 때문입니다.

비브라토는 다양한 방법으로 연주될 수 있습니다.

왼손 손가락으로 줄을 좌우로 흔듭니다.

왼손의 손가락으로 강하게 누르면서 왼손의 손과 팔뚝으로 바를 휘두르는 것입니다. 진동 진폭은 작습니다. 이 진동 방법은 피치카토나 픽으로 코드를 연주할 때 사용됩니다.

발랄라이카 기술 - 스탠드 뒤의 오른손 비브라토. 돔라의 공명판은 발랄라이카의 공명판보다 얇고 악기가 손상될 수 있으므로 매우 조심스럽게 사용해야 합니다.

열린 현의 진동은 너트 위의 울리는 현을 오른손 검지로 누르면 달성됩니다. 엄지손가락은 검지손가락의 힘에 대항합니다.

글리산도

Glissando(French Gliss - 슬라이드) 위쪽 또는 아래쪽 방향으로 한 음표에서 다른 음표로 손가락을 슬라이드합니다. 이것은 칸틸레나의 표현력이 풍부한 글리산도인 포르타멘토와 혼동해서는 안되는 화려한 색채 기법입니다.

전체 슬라이드에서 글리산도는 손가락을 현에 단단히 누른 상태에서 수행됩니다. 떨림의 빈도는 줄어들지 않고 오히려 증가합니다.

오른손으로 글리산도 - 아르페지오 - 2, 3, 4개의 현을 따라 픽업을 위아래로 균일하게 슬라이딩합니다.

목과 스탠드에서 플레이

현의 서로 다른 지점에서 생성되는 소리는 서로 다른 음색을 가지고 있습니다. 지판과 스탠드에서 연주할 때 가장 눈에 띄는 음색 대비가 나타납니다.

기술 지정:

스탠드에는 sul ponticello가 있습니다.

지판 – ord.

연주되는 작품의 성격에 따라 다양한 연관성을 불러일으킬 수 있는 기술은 매우 인상적이며, 이는 학생의 상상력 발달을 위한 양식을 제공하고 청각 발달, 즉 음색에도 기여합니다.

소음 효과

소음 효과에는 특정 피치가 없으며 타악기를 모방하여 특정 극 구절의 리듬 패턴을 강조합니다.

브리지 뒤의 현을 정확하게 치기 위해서는 이 기술을 수행하는 데 특별한 기술이 필요합니다.

주요 조건 : 돔라 측면의 팔뚝 지지대가 제거되고 손이 끈을 따라 대담하게 움직입니다. 픽의 추가 유휴 스윙 없이 원 또는 반원으로 이동을 수행합니다.

백보드에서 연주 - 지정된 리듬에 따라 돔라 백보드의 픽으로 연주합니다.

고정된 현으로 연주하거나 현의 픽 측면을 사용하여 연주합니다.

바람 소음, 파도의 효과-우리는 손으로 돔라를 들어 올리고 데크가 바닥과 평행하도록 (몸이 아래에 있음) 우리 자신을 향해 돌립니다. 우리는 더 풍부하고 강한 소리를 얻기 위해 가장 좋은 공명점을 찾아 성대에 불기 시작합니다.

유명한 공연자 A. Tsygankov, B. Mikheev, T. Volskaya의 작품은 돔리스트 기술 무기고의 풍부한 원천이되었습니다.

러시아 민속 악기 연주자를 대상으로 한 전 러시아 및 국제 대회 결과에 따르면 색채 연주 기술에 대한 작업이 중요한 부분기술 작업. 이것은 팔레트를 상당히 풍부하게 할 것입니다 표현 수단 domra는 domra 페인트 분야에서 더욱 창의적인 검색에 대한 관심을 일깨울 것입니다.

결론

연주 기술과 스트로크는 매우 밀접하게 상호 연관되어 있으며 지속적으로 상호 작용합니다. 연주자는 연주와 스트로크 기법을 통해 작품의 성격과 내용에 접근합니다. 위에서 언급한 바와 같이 주법을 지정하는데 문제가 있고, 스트로크와 주법을 혼동하는 경우가 많다.

참고자료

    Alexandrov A. 3현 돔라 연주 학교. 모스크바. 음악. 1990.

    바렌보임 LA. 피아노 교육학. 엠., 2007.

    Volskaya T. 다채로운 연주 기술을 수행하는 기술. 스베르들롭스크, 1998.

    Gareeva I. “돔라 마스터의 숙달 단계”
    임카니츠키 M.I. 민속 악기의 본질 // 민속 악기 연주와 교육학의 문제./ 대학 간 기사 모음./ Comp. Sapozhnikov P., 관련. 에드. Imkhanitsky M., 합계. 에드. Berlyanchik M. Tolyatti, 2002.

    Kopchevsky N.A. 건반 음악: 연주 문제. 엠., 음악, 1986.

    크루글로프 V.P. 돔라 연주 기술. 엠., 2001.

    루킨 S.F. 돔라 숙달에 대한 교훈. 일곱 부분으로. 이바노보, 2008.

    Lysenko N. domra 연주를 가르치는 방법. 키이우. 1990년
    돔라와 발랄라이카를 위한 체계적인 프로그램

    Mikheev Z. 러시아 민속 악기에 관한 이야기. 모스크바. 1990년

    Chunin V. 3현 돔라 연주 학교. 모스크바. "소련 작곡가". 1990.

    러시아 민속 악기. (역사, 이론, 방법론).

교육 프로그램

저자: Elanina Olga Anatolyevna, 교사. MBU DO "카잔 Sovetsky 지역 제 4 어린이 미술 학교"

작품 설명:어린이를 위한 추가 교육을 위한 교육 프로그램 개발을 제안합니다. "악기. Domra." 예술적, 미적 지향. 이 프로그램은 6~13세 어린이를 대상으로 설계되었습니다. 프로그램 기간은 5~7년이다. 이 자료는 추가 교육 교사에게 유용할 것입니다.

설명문

이 프로그램은 “악기. 제4어린이 미술학교의 '삼현 돔라'는 5~7년간 공부할 수 있는 기회를 제공합니다. 이 모든 것을 통해 교사는 연령, 음악적 능력, 훈련 수준 및 기타 개인 특성이 다른 학생들을 가르치는 데 차별화된 접근 방식을 취할 수 있습니다.
이 프로그램은 "대략적인 프로그램"을 기반으로 합니다. 3현 돔라.” MK RF 2003
돔라 수업의 학생들을 위한 프로그램을 만들 필요성은 무엇보다도 예술적, 미적 지향 프로그램을 구현하는 어린이의 추가 교육을 위한 교육 기관의 존재에 대한 현대적인 객관적인 조건에 의해 결정됩니다.
이 프로그램은 학생들이 자료를 더 잘, 더 깊이 숙달하고 솔로 및 집단 음악 연주를 준비할 수 있도록 고안되었습니다.
표적:아동의 창의적 잠재력 개발을 위한 조건을 조성하고 추가 활동과 지속적인 교육에 동기를 부여합니다.
작업:
- 학생이 음악 수업과 악기에 관심을 갖도록 합니다.
- 학생에게 악기에 대한 사랑을 심어줍니다.
- 아이의 능력을 확인합니다.
- 그에게 돔라 연주의 기본, 기술 및 능력을 가르칩니다.
- 어린이의 종합적인 음악적 발전을 촉진합니다.
- 예술적, 미적 사고를 가르치고 상상력을 개발합니다.
- 아이에게 독립적으로 일하도록 가르치십시오.
- 고려하여 레퍼토리를 선택하십시오. 개인의 특성학생.

학교에서 공부하는 동안 학생은 어린이 음악 학교의 레퍼토리에서 작품을 독립적으로 배우고 유능하게 연주할 수 있도록 악기 연주에 대한 많은 기술을 습득해야 합니다. 학생은 또한 악보, 귀로 선택, 조옮김, 합주 및 오케스트라 연주 기술을 숙달해야 합니다.
교육의 주요 형태와 교육사업악기 수업에서는 교사와 학생 간의 개별 수업이 있습니다.
학생의 성공적인 발달을 위한 전제조건은 자유롭고 자연스러운 자세의 발달이며, 올바른 설정예술적, 기술적 작업에 따라 결정되는 적절한 게임 동작의 손, 조직 및 개발. 이 모든 것이 가장 중요한 주제가 되어야 합니다. 세심한 주의그리고 교사와 학생의 힘들고 끈질긴 노력. 도미스트의 음악적 표현의 가장 중요한 수단인 사운드 제작의 품질과 의미 있는 운지법을 능숙하게 사용하는 학생의 기술을 개발하는 데 지속적인 관심을 기울여야 합니다.
반주자와 함께 일하는 것은 학생의 음악적 발전에 매우 중요합니다. 반주와 함께 레퍼토리를 연주하는 것은 연주 중인 작품에 대한 학생의 음악적 이해를 풍부하게 하고, 내용을 더 잘 이해하고 동화시키는 데 도움을 주며, 타고난 리듬감을 교육하고 강화하며, 일관된 앙상블 사운드를 얻을 수 있도록 합니다.
교육 작업 계획과 교육 자료의 신중한 선택은 교육 과정의 적절한 구성, 즉 학생의 음악 및 연주 기술의 성공적이고 포괄적인 개발에 기여하는 가장 중요한 요소입니다.
레퍼토리를 편곡할 때는 '단순한 것부터 복잡한 것까지'라는 원칙을 지켜야 한다. 올바르게 선택된 레퍼토리를 사용하면 음악적, 미적 성격 형성에 필요한 여러 가지 기본 문제, 즉 음악적 상상력이 풍부한 사고와 창의적인 활동 교육을 해결할 수 있습니다. 모든 프로그램은 기술적, 예술적 발전을 제공해야 합니다. 그러므로 레퍼토리 선택 원칙에 대한 문제는 예술 및 미학 교육 문제에서 가장 중요한 문제로 남아 있습니다. 레퍼토리는 뚜렷한 감정적 영향을 미쳐야 합니다. 이 프로그램은 시험, 학술 콘서트, 편입 및 기말 시험에 권장되는 대략적인 음악 작품 목록을 제공합니다. 이러한 옵션을 사용하여 교사는 학생을 위해 선택할 수 있습니다. 흥미로운 프로그램, 이를 고려하여 개인적인 가능성. 물론 이 목록이 완전한 것은 아닙니다. 교사는 재량에 따라 필요한 예술적 요구 사항과 학생의 능력에 맞는 난이도를 충족하는 다른 음악 작품으로 학생의 개별 계획을 보완할 수 있습니다.
학생들의 악기 연주 성과는 시험, 학술 콘서트, 테스트 레슨은 물론 공개 콘서트, 대회 및 오디션에서도 고려됩니다.
장르와 형식이 다른 4개의 작품이 최종 시험을 위해 제출됩니다. 학년도 중에 시험 수업을 듣는 학생들은 졸업 프로그램의 작품을 공연하는 오디션을 실시합니다.
다른 수업에서 학생들은 일반적으로 학술 콘서트에서 공연합니다. 학년도 동안 학술 콘서트에서 상영하려면 교사는 학생과 함께 장르와 형식이 다른 3~4개의 작품을 준비해야 합니다.
교사는 레퍼토리를 작업할 때 다양한 수준의 연주 완성도를 달성할 것으로 기대됩니다. 일부 작품은 공개 공연을 위해 준비되어야 하고, 다른 작품은 교실 환경에서 전시하기 위해 준비되어야 하며, 다른 작품은 익숙해지기 위한 목적으로 준비되어야 합니다. 이 모든 것은 반드시 학생의 개별 커리큘럼에 기록됩니다.
학생들의 발전은 주로 숙제를 적절하게 구성하고 집에서 일하는 데 할당된 시간을 합리적으로 사용하는 데 달려 있습니다. 학생들의 독립적인 업무 기술 개발을 통해 교사는 수업 시간에 시간을 더 효율적으로 사용하고 학생을 더 많이 관찰하며 개인의 심리적, 신체적 특성을 식별하고 개발할 수 있습니다. 초기 단계에서는 학생의 부모가 숙제를 감독하도록 참여시킬 수 있습니다.
교사도 수업 부담을 적절하게 분배해야 합니다. 아이에게 음악 수업을 흥미롭고 흥미로운 활동으로 인식하고 욕망을 가지고 일하도록 가르치는 것이 중요합니다.
수업 및 학급 회의 중 대화, 콘서트, 대회, 축제 공동 방문 및 후속 토론은 악기 민속 예술에 대한 학생들의 관심과 사랑을 키우는 데 도움이 됩니다.
첫 번째 수업에서 다져진 음악적 지식과 악기 연주 기술의 기초는 학생들의 음악적 발전과 교육의 성공을 크게 좌우합니다.
이 프로그램을 통해 교사는 학생의 능력과 능력을 고려하여 교육에 개별적인 접근 방식을 적용할 수 있습니다.

교육 및 주제별 계획

1년간의 공부
나는 올해의 절반
1. 시연, 악기 소개, 악기 구조
2. 착륙. 손 배치.
3. 개방현에서 운동하세요. 피치카토 기술; 간단한 테트라코드.
4. 기보법, 악기 구조 연구.
5. 다양한 캐릭터의 문장, 성가, 노래 형태로 8-10개의 간단한 연극.
6. 결과: 테스트 레슨.

II 올해의 절반
1. 단계적 순간: 가능하다면 학생은 중재자가 됩니다. 위아래 스트로크를 마스터합니다.
2. 8~10개의 다양한 캐릭터 피스
3. 반음계 연습.
4. 결과: 편입 시험 – 2개의 다른 연극


Alexandrov A. 3현 돔라 M. 1990 연주 학교.
Chunin V. 3현 돔라 연주 학교. 엠. 1988
기본부터 Domra. 지도 시간. 비교. A.포타포바 상트페테르부르크 2003
돔라의 ABC. 지도 시간. 에드. – 비교. DM Abyzova. 2004년 K.
초보 돔라 연주자의 앨범. 1-10호
돔리스트의 교육적 레퍼토리. Vol. 1. E. Klimov 1967년 편집
돔리스트의 교육적 레퍼토리. 문제 2. E. Klimov 1968 편집
Domrist의 독자. 1-2 수업 DMSh. 이슈 1. A.Alexandrov 1971년 편집
Domrist's Reader. 2~3등급. DMSh. Vol. 1. A.Alexandrov 1989년 편집

2학년
나는 올해의 절반
기술개발의 기초
1.기술 테스트 I 분기:
1옥타브 메이저 스케일입니다. 아르페지오. 다양한 연주 기술과 터치.
2개의 간단한 연구.
2-3개의 다양한 캐릭터 조각
3. 6개월 동안:
반음계 연습
초견
클래스 순서대로 1~2개
II 올해의 절반

1옥타브 마이너 스케일입니다. 아르페지오. 다양한 연주 기술과 터치.
연습, 테트라코드.
리듬 그룹: 더블 스트로크, 한 음표의 셋잇단음표, 트레몰로.
2-3개의 간단한 연구
2. 편입시험:
2-3개의 다른 플레이
3. 6개월 동안:

악보 읽기
여름 프로그램 분석

추천 문헌 목록:
Alexandrov A. 3현 돔라 M. 1991 연주 학교
3현 돔라 3~4학년 어린이 음악 학교의 리더입니다. 비교. 라키노프 1960
Chunin V. 3현 돔라 연주 학교. ML 988
Chunin V. 1-5 학년의 연습 및 연구. DMSh.M.1989
교육학 레퍼토리의 황금 도서관, 노트 1번, 2번. M.2003.
Yanshinov A. 스케치

바르톡 B. 댄스
베토벤 L. 카운터댄스
웨버 K.M. 왈츠. 사냥꾼 합창단.
가브리엘 마리. 옛날 스타일의 아리아.
차이코프스키 P. 오래된 프랑스 노래

Barchunov P. 댄스
Vasilenko S. 공에서 춤을 춥니 다. "미란돌리나"
게디케 A. 댄스
<리틀 스위트>의 드바리오나스 B. 왈츠
Efimov V. "Merry Suite"의 세 작품
Zverev A. 이전 스타일입니다. 리틀 론도.
Kabalevsky D. 광대.
칼린니코프 V. 스타즈

Aurorov V. “나는 조약돌 위에 앉아 있습니다”
Alexandrov A. “칼린카”

Evdokimov V. “초원 오리”
Krasev M. “어서, 얘들 아”

Batyrkaeva L. "Village Pictures"사이클의 세 연극
발리울린 X. 왈츠
Enikeev R. 봄 방울
Zhiganov N. Melodiya

3학년
나는 올해의 절반
1. 기술 테스트 I 분기:
2옥타브 스케일 E 메이저. 아르페지오. 화음. 반음계. 다양한 기술과 터치.
에튀드 2~3개 다른 종류기술.
2. 학점 II 분기:
2-3개의 다른 연극.
3. 6개월 동안:
수업 과정,
초견
1~2회는 수업순으로 진행됩니다.

II 올해의 절반
1. 기술 테스트 III 분기:
2옥타브 스케일 e-moll 하모닉 및 멜로디 유형. 리듬 그룹화. 아르페지오. 화음.
2-3개의 에튀드
2. 편입시험 : 2~3회.
3. 6개월 동안:
Shradik 연습 번호 1-5,
2~3 작품을 수업순으로
초견
여름 프로그램 분석.

추천 문헌 목록:
클래식 레퍼토리의 작품
웨버 K. 왈츠
오페라 "이반 수잔인"의 글린카 M. 왈츠
글럭 K.M. 발레 '돈 조반니' 중 가보트
Cui Ts. 동부 멜로디
마티니 D. 가보트
MuffatA. 부레
오베르 J. 프레스토
현대 작곡가들의 작품
코센코.K. 스케르지노
Matveev M. 쾌활한 돔리스트
Milyutin Yu. op.에서 Hutsul 댄스. "트렘비타"
하차투리안 A. 안단티노
흐렌니코프 T. 스베틀라나의 자장가
쇼스타코비치 D. 샤만카
민요와 춤의 편곡
Ilyukhin A., Krasev M. “폴카 얀카”
Lenets A. “오, 캐노피요”
Sapozhnikov V. “당신은 이미 내 분야입니다”
Uspensky N. “Ivushka”
Fomin N. “맥주 베리”
Furmin S. “하얀 얼굴의 통통한”
타타르 작곡가의 작품
레만 A. 메리 댄스
무자파로프 M. 리틀 왈츠
Faizi D. 줄넘기
하비불린 3. 폴란드어. 춤.
Yakhin R. 자연 사진.

4학년
나는 올해의 절반
1. 기술 보고서:
2옥타브의 메이저 스케일 E, F-dur. 다양한 터치와 기술. 아르페지오: T5/3, T6, T6/4. 호소력이 있는 화음. 반음계.
2-4 스케치 - 테스트 중; 2 - 교실에서.
2. 학점 : 2~3작품.
3. 6개월 동안:
시력 독서.
수업 과정
클래스 순서대로 1~2개
오케스트라 성악 연구.

II 올해의 절반
1. 기술 보고서:
마이너 스케일 e, f-moll, 2옥타브의 하모닉 및 멜로디 유형. 다양한 터치와 기술. 아르페지오: t5/3, t6, t6/4. 호소력이 있는 화음. 반음계.
2-4 다양한 유형의 장비에 대한 연구

3. 6개월 동안:
Shradik의 연습 번호 1-10.
초견
2-3작품 - 수업순서대로 분석 및 전달합니다.
여름 프로그램 분석.
추천 문헌 목록:
스케치. 수업 과정.

Konyaev S. Etude A단조
Domrist의 독자. 운동과 연구. 비교. V. 추닌. 2000년

클래식 레퍼토리의 작품
발라키레프 M. 폴카
바흐 I. 시칠리아나
바흐 F.E. 봄에
보케리니 L. 미뉴에트
하이든 J. 불 미뉴에트
헨델 G. 전주곡
Glazunov A. Grad. bal의 피치카토. "레이몬다"
F. 탬버린 국무장관
그릭 E. 왈츠
대형 작품
Baklanova N. 콘체르티노. 소나티나.
베토벤 L. 소나티나.
비발디 A. 협주곡 G장조
칸틸레나
바흐 I., Gounod S. Ave, 마리아
돔라 협주곡 중 Budashkin N. Andante
블라소프 A. 멜로디야
그라지올리 F. 아다지오
Ippolitov-Ivanov M. 슬픈 노래
민속음악의 편곡
Avksentyev E. “산 위의 가막살나무처럼”
Gnutov V. “이 계곡처럼”
다비도비치 유. “칼린카”
Krasev M. “어서, 얘들 아”
Troyanovsky B. arr. "당신은 그것으로 가득 차 있어요, 자기야"
타타르 작곡가의 작품
Baytiryak I. 비난하지 마십시오
Bakirov E. 댄스 농담
벨얄로프 R. 골루브카

5학년
나는 올해의 절반
1. 기술 보고서:
2옥타브의 메이저 스케일 F, G-dur. 다양한 터치와 기술. 아르페지오: T5/3, T6, T6/4. "F", "G"의 반음계
2-3개의 에튀드
2. 학점: 다양한 시대, 스타일의 작품 3점(그 중 1점은 대형 작품)
3. 6개월 동안:
초견

II 올해의 절반
1. 기술 보고서:
마이너 스케일 f, g-moll 하모닉 및 2옥타브의 멜로디 유형. 아르페지오: t5/3, t6, t6/4,. "f", "g"의 반음계입니다.
2-3개의 에튀드
2. 편입시험 : 2~3작품
3. 6개월 동안:
시력 독서.
Shradik의 연습 No. 1-15
오케스트라와 앙상블 파트.

여름 프로그램 분석.

추천 문헌 목록:
스케치. 수업 과정.
Beigelman L. 50 3현 돔라 M. 2000에 대한 연구.
Domrist의 독자. 운동과 연구. 비교. V.중닌.M.2000
Shradik G. 바이올린 연습.
클래식 레퍼토리의 작품
구리레프 A. 폴카 마주르카
듀란 A. 차코나
마르첼로 B. 셰르잔도
메자카포 E. 볼레로 "톨레도"
폰키엘리. op.에서 시계의 춤. "야콘다"
라흐마니노프 S. 이탈리안 폴카
사워 크림 B. 이린키나 폴카
차이코프스키 P. 나폴리 노래
슈베르트 F. 바르카롤. 음악적 순간.
대형 작품
Danklya Shch. 파치니 주제에 의한 변주곡
모차르트 V. 소나티나 D장조
O. 협주곡 B단조 읽기
술리모프 유 론도
칸틸레나
카말디노프 G. 로맨스
무소르그스키 M. 티어
루빈스타인 A. 로마스
생상스 K. 스완
차이콥스키 P. 말이 없는 노래
슈만 R. 드림스
민속음악의 편곡
Krasev M. "Cossack은 다뉴브 강 너머로 탔습니다"
Motov V. "가르쳐 볼까요, Vanyusha."
Shishakov Yu. "계곡 계곡."
타타르 작곡가의 작품
Ilyasov R. Arr. 소위 명. "아니스". "핵의 바다."
이별. 유머레스크.
Klyucharyov A. Arr. t.n.p. "타프틸라우"
말이 없는 야킨 R. 송

6학년
나는 올해의 절반
1. 기술 보고서:
메이저 스케일 F, G, 2 옥타브의 A 메이저. 아르페지오: T5/3, T6, T6/4, D7. 호소력이 있는 화음. "f", "g", "a"의 반음계; 다양한 터치와 테크닉
2-4개의 에튀드
2. 학점 : 2~3작품
3. 6개월 동안:
Shradik의 운동 No. 1 -25
초견, 수업당 3~4개 작품
오케스트라와 앙상블의 목소리

II 올해의 절반
1. 기술 보고서:
미성년자 저울 f,g,a 2옥타브. (스케일 요구 사항은 상반기 주요 스케일을 참조하세요.) 아르페지오: t5/3, t6, t6/4, D7.
2-4개의 에튀드
2. 편입시험 : 2~3작품
3. 6개월 동안:
시력 독서.
Shradik의 연습 No. 1-15
오케스트라와 앙상블 파트.
클래스 순서에 따라 다양한 난이도의 2-4개 플레이.
여름 프로그램 분석

추천 문헌 목록:
스케치. 수업 과정.
Belov R. Scales, 아르페지오, 3현 돔라 ML 996 연습.
Beigelman L. 50 3현 돔라 M. 2000에 대한 연구.
Evdokimov V. 연구.
Chunin V. ML 989 연습 및 연습.
Shishakov Yu. 3현 돔라 ML 961에 대한 12개 연구
클래식 레퍼토리의 작품
베토벤 L. 폴로네이즈
Bohm M. 지속적인 움직임
Grig E. 노르웨이 댄스. 아니트라의 춤.
오페라 '파우스트' 중 구노 C. 왈츠
칸틸레나
Arensky A. 물망초
베라치니 F. 라르고
소나타 4번 중 헨델 G. 라르게토
글린카 M. 분리
대형 작품
바르추노프 P. 콘서트 2번
바흐 I. 협주곡 가단조
Budashkin N. 콘서트 1부
비발디 A. 협주곡 A단조
민속음악의 편곡
Gavrilov A. “나는 언덕을 걷고 있었습니다”
그누토프 V. “종달새”
Gorodovskaya V. "새벽에, 새벽에"
현대 작곡가들의 작품
Gorodovskaya V. Yesenin을 기념하여
Dmitriev V. 오래된 회전 목마
Laptev V. 즉흥 연주
Sviridov G. 음악적 순간
타타르 작곡가의 작품
Belyalov R. “네이티브 사이드”, “사과를 5개 부분으로 나누자”
Valiullin X. 댄스
Zhiganov N. 광대의 춤

7학년
나는 올해의 절반
최종 시험 프로그램 분석:
대형 작품
칸틸레나
원작
포크멜로디 편곡
음악 학교에 입학하는 사람들을 위한 기술 및 교육 자료 작품(음계, 연습곡, 연습곡)
나 반기(12월) - 1차 오디션

II 올해의 절반
2월~2차 오디션
4월 - 기말고사.

가능한 최종 시험 프로그램 목록:
클래식 레퍼토리의 작품
무소르그스키 M. 고팍
오베르 L. 기가
루빈스타인 A. 물레
Tchaikovsky P. Barcarolle, 가을 노래, 말 없는 노래, 야상곡, 목자들의 춤.
칸틸레나
글럭 K. 멜로디
드바리오나스 B. 엘레지
피비치 3. 시
칸도쉬킨 A. 칸조나
대형 작품
하이든 J. 헝가리안 론도
Loskutov A. 콘서트
페트렌코 M. 콘서트 No.1
치치코프 유 콘체르티노
Tsygankov A. 어린이 스위트
민속음악의 편곡
Laptev V. “나는 길을 걷지도 않았고 가지도 않을 것입니다”
Loskutov A. “쾌활한 머리”
Mikhailichenko G. “강으로 나가겠습니까?”
Tsygankov A. "아코디언 아래", "달이 빛나고 있습니다".
현대 작곡가들의 작품
Rogalev I. 이전 스타일의 Rondo
하차투리안 A. 누네의 변주곡
Tsygankov A. Guslyar 및 부푼, 뮤지컬 순간.
타타르 작곡가의 작품
Monasypov A. 겨울 도로
샴수디노프 I. 전주곡
Yakhin R. 시, 녹턴

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