Université d'État de l'imprimerie de Moscou. Culture russe de l'âge d'argent Culture mondiale des XIXe et XXe siècles

La fin des XIX-XX siècles est l'une des périodes les plus difficiles du développement de la culture mondiale. Cette époque est marquée par les guerres mondiales, les cataclysmes sociaux, les conflits nationaux ; C’est une période de progrès scientifique et technologique, le début de l’ère atomique et spatiale de la civilisation humaine. Tout cela a déterminé la polyvalence et l'incohérence des processus socioculturels et a conduit à la recherche de nouveaux systèmes, méthodes et tendances artistiques.

Avec toute la diversité des phénomènes culturels de la fin des XIXe et XXe siècles, on peut distinguer deux tendances principales du développement artistique : le réalisme et les tendances non réalistes, appelées modernisme (français moderne - plus récent, moderne) ou avant-garde. Cette confrontation s’incarne dans diverses formes d’art.

Les idées philosophiques de A. Schopenhauer, J. Hartmann, F. Nietzsche, A. Bergson ont constitué la base de diverses tendances artistiques du XXe siècle, associées à une rupture avec le réalisme et unies dans le concept de modernisme.

Le premier mouvement artistique de ce type fut le fauvisme (du français fauve - sauvage), ses représentants étaient appelés « sauvages ». En 1905, lors d'une exposition à Paris, A. Matisse, A. Derain, A. Marquet et d'autres exposent leurs tableaux, qui étonnent par le contraste net des couleurs et des formes simplifiées.

Henri Matisse (1869-1954) - peintre au talent coloristique et décoratif brillant, a commencé comme réaliste, est passé par une passion pour l'impressionnisme, mais à la recherche d'une intensité accrue de couleur pure et sonore, il est parvenu à des formes simplifiées dans lesquelles il y a presque pas de volume. La composition est basée sur le contraste des couleurs, le rythme des lignes du dessin et de grands plans de couleurs. La conventionnalité de la forme et de l'espace conduit au caractère ornemental des peintures (nature morte « Poissons rouges », « Portrait de famille », panneaux « Danse », « Musique » et autres).

L'œuvre du peintre paysagiste A. Marche (1875-1947), qui deviendra plus tard l'un des réalistes les plus cohérents du paysage européen de la première moitié du XXe siècle, s'est développée dans la même direction.

Presque simultanément avec le fauvisme, le cubisme est apparu - un mouvement associé aux noms des artistes Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) et du poète Guillaume Apollinaire (1880-1918). De Cézanne, les cubistes ont pris la tendance à schématiser les objets, mais ils sont allés plus loin : décomposer l'image d'un objet sur un plan et combiner ces plans. La couleur a été délibérément expulsée de la peinture, ce qui frappe par l'ascèse de la palette. Le cubisme a eu une influence significative sur le développement de la peinture mondiale.

P. Picasso a rendu hommage à sa passion pour le cubisme ("Trois femmes", "Portrait de Vollard" et autres), mais sa vie créative complexe et intense, empreinte de quêtes sans fin, ne rentre dans le schéma d'aucune méthode ou direction. . Déjà au début de la créativité ("bleu" - 1901-1904 et "rose" - 1905-1906), le pouvoir de sa pénétration psychologique dans les personnages humains, les destins, l'humanisme et la sensibilité particulière se manifeste. Les héros de ses tableaux sont des acteurs ambulants, des acrobates, des personnes seules et défavorisées (« Un vieux mendiant avec un garçon », « Fille au bal », « Amoureux de l'absinthe » et autres). Déjà ici, l'artiste s'est tourné vers une expressivité accrue des formes, vers l'expressivité. Par la suite, le sentiment de discorde dans le monde amène P. Picasso à renforcer les techniques de déformation en peinture.

La polyvalence de l'œuvre de Picasso est étonnante. Il s'agit notamment d'illustrations pour les « Métamorphoses » d'Ovide - des dessins qui ressuscitent l'humanisme brillant de l'Antiquité, des portraits réalistes et des natures mortes, exécutés d'une manière individuelle unique ; ce sont des œuvres graphiques qui révèlent les thèmes du mal universel, du pouvoir obscur incarné dans les images du minotaure et d'autres monstres ; ceci et le panneau « Guernica » (1937) - une œuvre profondément tragique exposant le fascisme, conçue dans le style du cubisme. De nombreuses œuvres de Picasso sont pleines de lumière et d'admiration pour la beauté humaine (« Mère et enfant », « Danse avec les banderilles », portraits et autres). Parlant avec un profond respect pour ses grands prédécesseurs, Incasso a dépeint le monde vu à travers les yeux d'un homme du XXe siècle.

En 1909, un nouveau mouvement moderniste est né en Italie : le futurisme (latin futurum - futur). A ses origines se trouve le poète T. Marinetti (1876-1944), qui publie le premier manifeste futuriste. Le groupe comprenait les artistes U. Boccioni (1882-1916), C. Carra (1881-1966), G. Severini (1883-1966) et d'autres. Le manifeste contenait un appel à glorifier la beauté de la vitesse et de l’agressivité du mouvement caractéristiques du XXe siècle, mais en même temps à détruire les bibliothèques, les musées et les académies de « toutes sortes ».

Le futurisme italien a toujours souligné son orientation antidémocratique. Le « Programme politique du futurisme » (1913) affirmait les idées de militarisme et de supériorité nationale. Dans le domaine de la créativité artistique, tous les principes traditionnels ont été bouleversés, les formes réalistes ont été rejetées, même le cubisme a été accusé de « réalisme excessif », les futuristes espéraient recréer dans l'art les phénomènes physiques de la nature - le son, la vitesse, l'électricité, etc. a fait valoir que seule leur créativité pouvait reproduire le pouls de la vie moderne (Boccioni « L'élasticité », « Le rire », Carra « Portrait de Marinetti », Severini « La Danseuse bleue » et d'autres).

Le cubisme et le futurisme ont interrompu leur développement à l'occasion de la Première Guerre mondiale, même si certains phénomènes de ces mouvements se sont encore répandus. En Russie, le futurisme s'incarnait dans la poésie de D. Burliuk, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, A. Kruchenykh, qui avait pour caractère de choquer la société environnante et de rejeter les traditions classiques.

La créativité des artistes unis par les idées de l'expressionnisme, originaire d'Allemagne, se distinguait par son originalité. L'initiateur du mouvement était E. L. Kirchner (1880-1938), le groupe comprenait K. Schmidt-Rottluff (1884-1970), M. Pechstein (1881-1955), O. Müller (1874-1930) et d'autres. La même direction s'est développée au théâtre et surtout au cinéma. S'opposant à la fois à l'impressionnisme et à l'art de salon, ces artistes recherchent des couleurs dures, parfois disharmonieuses, des éclairages perçants, essayant de transmettre leur tension nerveuse, de transmettre les sentiments humains les plus forts (thèmes - chômage, tavernes misérables, gens du « bas », etc. .) . Les expressionnistes recherchaient une expressivité psychologique profonde.

La guerre mondiale a séparé les artistes mais n’a pas éliminé l’expressionnisme. De nouveaux partisans apparaissent : les Belges K. Permere (1886-1952) et F. Van den Berghe (1883-1939), J. Kruger (1894-1941) au Luxembourg et d'autres. L'influence de l'expressionnisme sur les artistes contemporains est également perceptible. À cet égard, par exemple, travaille le sculpteur suédois B. Nyström (la sculpture «... maintenant ma route s'assombrit», dédiée au poète D. Anderson, etc.). Les techniques expressionnistes nous permettent de révéler le thème des situations tragiques de la vie moderne.

La réalité du XXe siècle et le niveau de progrès technologique ont donné une double idée du monde matériel et immatériel. Matière, espace, temps, cosmos, ondes, oscillations, vibrations, rayons X, puis rayonnement laser, énergie atomique, etc. - tout cela ne se prêtait pas à la perception sensorielle du monde, les objets ne semblaient qu'une apparence trompeuse. Et l’art est né, reflétant cette nouvelle vision du monde.

En 1910, l'artiste russe V. Kandinsky (1816-1944) crée ses « Compositions », qui donnent naissance à une nouvelle direction dans la peinture mondiale, appelée abstractionnisme (art non objectif). Ses compositions étaient des symboles d’un état intérieur subjectif, gardant un lien avec l’esthétique de « l’humeur » psychologique, caractéristique de la décadence de la fin du XIXe siècle.

Les représentants de ce nouvel art non objectif pensaient qu'il ne fallait pas s'enchaîner au cadre de l'expérience optique, qui ne donne que des illusions. L’artiste, affirmaient-ils, doit regarder au-delà de l’enveloppe extérieure du monde et montrer son essence, sa nature intérieure.

Kandinsky, après avoir été influencé par Cézanne et les symbolistes (ses réflexions sur le symbolisme de la couleur dans son traité « Du spirituel dans l'art » sont significatives), a vu dans la peinture une opportunité d'incarner l'inconscient, l'intuitif, la voix du « diktat intérieur. Ayant quitté très tôt la Russie, Kandinsky a vécu la majeure partie de sa vie en Allemagne et en France, exerçant ainsi une influence considérable sur la culture moderne.

Il est significatif que le philosophe orthodoxe russe, le père. Pavel Florensky s'appuie sur la créativité artistique et les principes théoriques de V. Kandinsky pour révéler ses réflexions sur la spiritualité dans l'art ; dans la peinture abstraite, il voit la recherche de l'idéal, du surnaturel, de l'absolu. Le but de l'art, selon P. Florensky, est de « dépasser l'apparence sensorielle, le cortex naturaliste du hasard » et de se tourner vers l'universellement significatif, stable et immuable. Il parle de la valeur intrinsèque de la peinture pure, de son orientation spirituelle, qui s'aligne sur les pensées de V. Kandinsky, exposées dans le traité « Du spirituel dans l'art ».

À la suite de Kandinsky, des artistes et théoriciens de différents pays se sont lancés dans la peinture non objective : K. Malevich, Piet Mondrian, le couple Delaunay, Gleizes, Metzinger, Boccioni, Duusburg, Klee et d'autres. Le centre de création allemand Bauhaus, où enseignaient Kandinsky, Klee et d'autres dirigeants du mouvement, a joué un rôle important dans la diffusion de l'art abstrait.

Dans les années 30 du 20e siècle, l’art abstrait a trouvé des adeptes aux États-Unis. Pendant la Seconde Guerre mondiale, ces tendances se sont renforcées du fait que de nombreuses personnalités culturelles, fuyant le fascisme, ont émigré aux États-Unis : Piet Mondrian, Hans Richter et d'autres ; Marc Chagall a également vécu ici pendant cette période. Un groupe d'expressionnistes abstraits américains se forme : J. Pollock, A. Gorky, V. de Quing, M. Rothko, et leur disciple en Europe A. Wolf. Dans leurs œuvres, ils utilisent non seulement des peintures, mais aussi d'autres matériaux pour créer le plus grand relief.

La figure centrale de la peinture abstraite américaine est Jackson Pollock (1912-1956). Arguant que ce n'est pas le résultat qui est important, mais le processus de création, il a fait de la peinture un processus mystique. Sa méthode s'appelait « dripping » ou « draping » (dispersion aléatoire de peintures à partir d'une boîte de conserve à l'aide de pinceaux).

En France, un parallèle à cette méthode d'écriture était le tachisme (peinture avec des taches). L'abstractionniste français J. Mathieu a donné à ses peintures des titres historiques : « La bataille de Bouvines », « Capétiens partout », etc. Les Britanniques appelaient une technique similaire dans les beaux-arts « action painting ».

Dans les années 60, des mouvements modernistes appelés « pop art » (art populaire) et « op art » (art optique) ont émergé aux États-Unis. Le « pop art » était une sorte de réaction à l’art abstrait. Il opposait l’art non objectif au monde brut des choses très réelles. Les artistes de ce mouvement croient que chaque objet peut devenir une œuvre d'art. Les choses combinées dans des combinaisons spéciales acquièrent de nouvelles qualités. Des œuvres similaires ont été présentées lors de l'exposition « Nouveau réalisme » (Galerie S. Janis, puis Musée d'art moderne Guggenheim, 1962). En 1964, la plus grande exposition internationale a eu lieu à Venise - la Biennale, où des expositions de « pop art » (diverses choses dans des combinaisons aléatoires) ont été présentées ; auteurs - J. Chamberlain, K. Oldenburg, J. Dine et autres. Le plus grand maître du « pop art » est Robert Rauschenberg (première œuvre « Picture of Time » : une horloge, etc. est attachée à une toile peinte). Depuis 1963, il maîtrise la méthode de la sérigraphie pour transférer sur toile diverses photographies, affiches et reproductions, qui sont associées à des morceaux de peinture à l'huile et à divers objets (compositions « Paramètres », « Chercheur »).

Provoquant des débats passionnés, le « pop art » a cependant trouvé ses adeptes, a reçu sa reconnaissance officielle et a pénétré les salles d'exposition de France, d'Italie, d'Allemagne, d'Autriche, de Suisse et même de la Royal Academy de Londres.

L'« Op art » s'oppose au « pop art ». Cette direction a suivi le chemin d'une nouvelle abstraction, créant un nouveau monde, un environnement et des formes particuliers. Les créateurs de « l’op art » ont abandonné les toiles et les peintures. Dans leurs créations en bois, verre et métal, les effets de couleur et de lumière (créés à l'aide de lentilles, de miroirs, de mécanismes rotatifs, etc.) revêtent une importance primordiale. Ce scintillement de rayons forme un semblant d’ornement et présente un spectacle spectaculaire. Des expositions d'« op art » sont connues depuis 1965 : « Sensitive Eye », « Coloristic Dynamism », « 11 Vibrations », « Impulse » et autres. Les réalisations de « l'op art » ont été utilisées dans l'industrie et les arts appliqués (meubles, tissus, vaisselle, habillement).

Dans les années 20, une nouvelle direction de l'art d'avant-garde s'est formée : le surréalisme. Le nom est emprunté à Apollinaire et signifie « superréalisme », bien qu'il existe d'autres interprétations : « superréalisme », « superréalisme ». Le fondateur du groupe d'artistes et d'écrivains était l'écrivain et théoricien de l'art A. Breton, auquel se sont joints J. Arp, M. Ernst, L. Aragon, P. Eluard et d'autres. Ils étaient convaincus que le principe inconscient et déraisonnable personnifiait la vérité la plus élevée qui devait être incarnée dans l'art.

Cette direction a été influencée par la philosophie d'A. Bergson, ses réflexions sur la perspicacité intuitive. Mais la théorie de la psychanalyse du médecin et philosophe autrichien Z. Freud était particulièrement importante pour les surréalistes, qui contenait la justification des facteurs subconscients de la psyché, qui stimulent l'activité créatrice de l'artiste.

Le surréalisme, estime A. Breton, repose sur la croyance à la réalité suprême de certaines formes d'associations, à la toute-puissance du rêve, au libre jeu de la pensée (trois « Manifestes du surréalisme » de 1924 à 1930). Un représentant éminent des débuts du surréalisme, Max Ernst (1881-1976), fut le premier à tenter de donner à divers éléments mystiques l’apparence d’une existence réelle. Ce courant s'est manifesté dans la peinture, la sculpture, la littérature, le théâtre et le cinéma dans divers pays : France, Allemagne, Espagne, Belgique, Angleterre, États-Unis, Amérique latine, etc. Le surréalisme est devenu une suite logique du dadaïsme (du français dada - cheval de bois, au sens figuré - baby talk), son caractère paradoxal.

Une expression concentrée des caractéristiques du langage artistique du surréalisme est contenue dans le travail de l'artiste espagnol Salvador Dali (1904-1989). Le talent de Dali était multiforme : peintre, scénographe de théâtre, auteur de scénarios de films, réalisateur, designer, etc. Il n'a cessé d'étonner le spectateur par le caractère paradoxal de sa perception figurative et de son imagination inépuisable. Artiste super original, Dali dialogue en même temps constamment avec les classiques ; dans ses œuvres se trouvent des citations originales de Raphaël, Vermeer, Michel-Ange, qu'il a transformées dans ses solutions de composition (« Éléments mystérieux dans le paysage », « Espagne », « Transformation de Cranach » etc.). Ses œuvres nécessitent une attitude plus profonde et plus complexe : « Léda atomique », « Visage de la guerre », « Géopoliticien observant la naissance d'un homme nouveau », « La Tentation de saint Antoine » et d'autres.

L'un des tableaux les plus profonds de Dali est "Prémonition de la guerre civile" (1936). Deux énormes créatures, rappelant des parties déformées et fusionnées du corps humain, se livrent un terrible combat. Le visage de l’un d’eux est déformé par la douleur et la souffrance. Ils évoquent un sentiment de dégoût et contrastent avec le paysage réaliste magnifiquement peint : des images miniatures de villes anciennes sur fond de basse chaîne de montagnes. Le tableau symbolise l’idée anti-guerre, sonne comme un appel à la raison humaine, comme un avertissement sévère. Dali lui-même a écrit à propos du tableau : « Ce ne sont pas seulement des monstres fantômes de la guerre civile espagnole, mais de la guerre (...) en tant que telle. »

Les tableaux dans lesquels Dali se tourne vers l'image du Christ sont significatifs : « Le Christ de Valence », « La Crucifixion hypercubique », « La Cène » et surtout « Le Christ de Saint-Jean ». Le Christ crucifié sur la croix est répandu dans le monde. Il survole une sorte de paysage cosmique. Une croix inclinée nous sépare du gouffre sombre qui remplit la partie supérieure de la toile. Le Christ crucifié, pour ainsi dire, retient ces ténèbres dévorantes par son sacrifice. Pour la première fois dans l'art mondial, l'artiste néglige le canon qui détermine la composition de la Crucifixion.

L'héritage créatif de Dali est énorme ; ses idées, ses images, sa méthode artistique sont loin d'être ambiguës et assez contradictoires, tout comme la personnalité de l'artiste lui-même, qui surprendra et excitera, irritera et ravira de nombreuses générations. Salvador Dali et son œuvre constituent une part essentielle du patrimoine spirituel du XXe siècle.

L'une des figures culturelles marquantes du XXe siècle est l'architecte français Le Corbusier (Charles Edouard Jeanneret, 1887-1965), chef du constructivisme. Il cherchait à répondre aux besoins réels de la vie, en tenant compte des capacités de la technologie moderne. Ses idéaux sont la simplicité et la clarté des volumes géométriques des structures en béton armé (diorama « Ville moderne pour 3 millions d'habitants », 1922, plan de reconstruction du centre de Paris - « Plan Voisin », 1925 ; projet de la « Ville radieuse », 1930 et autres ). Dans la dernière période de son activité, Le Corbusier a créé un immeuble résidentiel expérimental de 17 étages à Marseille (1947-1952), dans lequel il a cherché à résoudre le problème de la « maison idéale », mettant en œuvre partiellement le projet « Ville radieuse ». Les œuvres ultérieures de Le Corbusier incluent le bâtiment du Secrétariat de Chandigarh (Inde, 1958).

Les activités du centre Bauhaus (Allemagne), dirigé par V. Gropius, ont joué un rôle important dans le développement de l'architecture moderne. Les principes d'ingénierie et techniques sont apparus, incl. y compris une charpente de bâtiment clairement définie.

Le développement de la ville américaine a été déterminé par l’école de Chicago : des gratte-ciel avec des murs en surplomb. L'apparence de New York, par exemple, présente un contraste saisissant entre les gratte-ciel (l'Empire State Building de 102 étages, haut de 407 m, et le Rockefeller Center de 72 étages, haut de 384 m) et de nombreux autres bâtiments de tailles variables. L'architecte américain Wright développe ce qu'on appelle le « style prairie », dans lequel il refuse les gratte-ciel, les bâtiments densifiés et s'efforce de créer un lien avec la nature (chalets entourés de jardins, par exemple « House over the Waterfall » à Bir Run, 1936). P. Nervi (petit palais des sports à Rome, 1956-1957) et d'autres s'efforcent d'utiliser les capacités constructives du béton armé.

Parallèlement au développement des tendances d'avant-garde au XXe siècle, les artistes réalistes ont travaillé de manière fructueuse. En tant que méthode artistique, le réalisme s'incarne dans divers types d'art en Europe et en Amérique, principalement dans la peinture, la littérature et le théâtre.

Ainsi, aux USA en 1908, des artistes réalistes se réunissent dans le groupe « Eight » : G. Henry, D. Sloan, D. Laque et d'autres. Leur objectif était de montrer la vie d'une grande ville de l'intérieur (le surnom du groupe est "Garbage Bin School"). Des peintres célèbres sont issus de l'atelier de G. Henry : D. Bellows, auteur de nombreuses peintures sur des thèmes contemporains, R. Kent et d'autres.

R. Kent (1882-1971) a consacré son œuvre aux peuples du Groenland, de l'Alaska et à la puissante nature de l'Atlantique. L'artiste dépeint une nature dure, épargnée par la civilisation. Un motif géographique clair, des contrastes d'éclairage et des formes cristallines traduisent la vie intense de la nature. Les courageux habitants du Nord incarnent l’idéal d’une personne libre qui s’engage avec audace dans la lutte contre la dure nature.

Parallèlement à diverses écoles du modernisme, le réalisme devient de plus en plus répandu. Ces tendances se sont manifestées dans la sculpture. E. A. Burdel (1861-1929) - un artiste aux sentiments intenses et aux pensées élevées. Ses œuvres : la statue "Hercule tirant", Apollon, la statue équestre du général Alvear, un portrait de Beethoven et autres. A. Mayol (1861-1944) s'est tourné vers la sculpture antique, admirant la noble beauté naturelle de l'homme : « Pomona », le monument à Cézanne, la statue allégorique « Ile-de-France » et autres. S. Despio (1874-1946) est connu comme un maître du portrait sculptural.

Un mouvement particulier de l’art contemporain américain s’appelle le Ridgenonalisme ; son essence réside dans l'appel aux thèmes locaux américains, au « sol », contrairement à l'art européen. Cette direction a été dirigée par les artistes T. X. Benton, G. Wood, S. Carrie. Leur programme global est « l’Amérique d’abord ». Cependant, chacun d’eux a un style créatif unique.

T. H. Benton (1889) est un artiste polyvalent. Il se tourne vers la peinture monumentale, le genre du portrait et le graphisme de livres. Il est devenu célèbre pour ses peintures murales : peintures murales de la Second School of Social Research (1931), du Whitney Museum of American Art (1932), de l'Indiana State University (1933) et du Missouri State Capitol à Jefferson City (1936). Ces fresques reflètent des événements de l'histoire américaine, des scènes de la vie populaire, etc. En 1940, Benton illustre le roman de J. Steinbeck Les Raisins de la colère.

G. Wood (1892-1942) s'est tourné vers le thème de l'unité de l'homme et de la nature (« Femme à la fleur » et autres). Ses portraits sont connus, dont le plus marquant est « American Gothic » (1930). Il s'agit d'un portrait conjugué d'un agriculteur et de sa femme, marqué par des traits d'expressivité psychologique.

Le thème de l'œuvre de S. Carrie (1897-1946) sont les motifs ruraux, les scènes de la vie des agriculteurs, l'histoire de l'Amérique.

Parmi les meilleurs artistes réalistes américains, il convient de citer la famille Wyeth : le fondateur est N. C. Wyeth, devenu célèbre comme illustrateur de livres, son fils est Andrew Wyeth, peintre connu en Europe (membre éminent de plusieurs académies européennes), son son petit-fils est l'artiste moderne James Wyeth, travaillant à la manière du réalisme traditionnel. Les peintures d'Andrew Wyeth sont particulièrement appréciées, représentant le monde des choses simples et la nature de sa région. Le plus célèbre est « Christina’s World » : une jeune femme au milieu d’une nature magnifique, une personne en unité avec le monde qui l’entoure. Le contenu principal de l’œuvre des Wyeth est profondément humaniste.

L'école picturale de l'art mexicain se distingue également par son originalité nationale, qui a une tradition séculaire de refléter son histoire dans des œuvres d'art monumentales. Au XXe siècle, un mouvement artistique appelé « muralisme mexicain » s'est formé. Ses traits caractéristiques sont un esprit d'innovation et un strict respect de la tradition. Ce sont les artistes Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros. Ils ont créé des peintures murales qui reflétaient l'histoire et la vie moderne du peuple mexicain (« Terre fruitière »,

« Le cauchemar de la guerre et le rêve de la paix » - D. Rivera, « Nouvelle Démocratie », « Au service des nations » - D. A. Siqueiros et autres).

Le pathétique romantique, les images de combattants, l'utilisation d'éléments de l'ornementation mexicaine ancienne et du folklore naïf, remontant à la culture des peuples anciens (Mayas, Aztèques) sont des caractéristiques de cet art, imprégné d'une idée largement comprise de l'humanité. Il est également significatif que ces maîtres exceptionnels aient résolu le problème du lien entre la peinture et l'architecture et introduit les techniques de photomontage. De nouveaux matériaux sont utilisés dans la technique de la peinture murale.

Dans les beaux-arts européens après la Seconde Guerre mondiale, une place importante était occupée par la direction du néoréalisme, dont les représentants se tournaient vers la vie du peuple, l'homme ordinaire, vers les caractéristiques de son monde intérieur et extérieur. Le groupe néoréaliste français était dirigé par A. Fougeron, maître rationaliste qui reflétait les bouleversements sociaux du XXe siècle (« Paris 1943 », « La Gloire d'André Houllier », « Le Pays des Mines », « 18 mars 1871 » et autres).

Le néoréalisme s'incarne dans l'œuvre de B. Taslitsky, graphiste et caricaturiste J. Eiffel. En Italie, où le néoréalisme se reflétait dans le cinéma (Fellini, Vitorio de Sica, Antonioni, Pasolini et autres), dans la peinture, cette tendance était dirigée par Renato Guttuso, artiste-penseur, personnalité politique, combattant contre le fascisme. Les thèmes de ses œuvres sont les contrastes de l'époque, l'histoire de son pays natal, les images de patriotes mourant au nom de leur patrie, la vie des gens ordinaires en Italie (la série graphique « God With Us », « Rocco at le Gramophone », une série de peintures « Un homme dans la foule » et autres). Le réalisme de Guttuso s'enrichit des réalisations du post-impressionnisme et du modernisme.

La méthode réaliste se développe également en sculpture : le maître italien G. Manzu (« Tête d'Inge », « Danseurs », « Cardinal » et autres), sculpteurs de Scandinavie et de Finlande, par exemple V. Aaltonen (galerie de portraits de contemporains ) et d'autres. Il convient également de noter le travail du caricaturiste danois Herluf Bidstrup, qui a capturé les caractéristiques de l'époque sous une forme comique pointue.

La vie littéraire de l'Europe et de l'Amérique à la fin des XIXe et XXe siècles est représentée par les plus grands noms, qui incarnent également diverses positions idéologiques et esthétiques.

Dans les années 90 du XIXe siècle, la littérature européenne moderne a commencé à se développer. Au tournant du siècle, le symbolisme (A. Rimbaud, P. Verlaine, S. Mallarmé), le naturalisme (E. Zola) apparaissent dans la littérature française, et le réalisme se développe en polémique avec ces courants. Parmi les écrivains de cette période, le plus marquant est Émile Zola (1840-1902), qui propose la théorie du « roman expérimental ». Guy de Maupassant (1850-1893), qui à la veille du XXe siècle était dans une recherche intense de nouveaux moyens d'expression artistique, a également hérité des traditions réalistes.

Les plus grands représentants de la littérature réaliste française du XXe siècle furent A. France (1844-1944), auteur des romans satiriques et grotesques « L'Île aux Pingouins », « L'Ascension des Anges » et autres, et R. Rolland (1866-1944). ), créateur de l'épopée « Jean-Christophe », du conte « Cola-Brugnon », qui perpétue les traditions de Rabelais. R. Martin du Gard (le roman « La Famille Thibaud »), F. Mauriac (« L'Enchevêtrement des Serpents ») et d'autres ont adopté la position du réalisme critique.

Après la Seconde Guerre mondiale, la prose française, analysant les conflits sociaux de l'époque, se tourne vers la vie de différentes classes de la société : M. Druon « Les Pouvoirs en Place », E. Valen « La Famille Rezo » et d'autres. Les traditions réalistes et naturalistes s'entremêlent dans l'œuvre de Françoise Sagan.

Les idées de l'existentialisme et la formulation des problèmes moraux s'incarnent dans les œuvres d'A. Camus (le récit « L'Étranger », le roman « La Peste ») et dans le « nouveau roman » de Nathalie Sarraute (« Les Fruits d'Or »). Un « théâtre de l'absurde » (lat. absurdus - absurde) surgit, se nourrissant des idées d'A. Camus, J. P. Sartre. Ce sont les pièces de E. Ionesco « Le chanteur chauve », S. Beckett « En attendant Godot » et d'autres. Une contribution notable à la culture française a été apportée par R. Merle, dénonciateur du fascisme et de la guerre (« La mort est mon métier »), Louis Aragon (poète, éditeur, romancier) et bien d'autres.

La lignée du roman européen se déploie au tournant du siècle dans la littérature anglaise, où elle est représentée par les œuvres réalistes de J. Galsworthy (la trilogie Forsyte Saga), W. S. Maugham (Le fardeau des passions humaines), E. M. Forster (The Burden of Human Passions). Voyage en Inde") et autres. Le créateur du genre du roman de science-fiction sociale des temps modernes était Herbert Wells (1866-1946), auteur de romans bien connus : « La Machine à voyager dans le temps », « L'Homme invisible », « La Guerre des mondes » et d'autres. . En parallèle des romans fantastiques, il créera également des romans sociaux et quotidiens (« La Roue de la Fortune », « L'Histoire de M. Paul »).

L'« Encyclopédie du modernisme » a été intitulée le roman de J. Joyce (1882-1941) « Ulysse », qui a jeté les bases de la littérature du « courant de conscience », reflétant les nuances les plus subtiles de la vie spirituelle des héros. La même position esthétique était occupée par D. Richardson, W. Wolfe et D. G. Lawrence. La vie sociale du pays a été reflétée par les écrivains de la « génération perdue » qui gravitaient vers le réalisme : R. Aldington (1892-1962) - romans « La mort d'un héros », « Tous les hommes sont des ennemis », A. Cronin (1896-1981) - «Les étoiles regardent vers le bas», «Citadelle» et autres, D. Priestley (1894-1984) - romans «Bons camarades», «Les sorciers» et autres.

La tradition du développement du roman se poursuit après la Seconde Guerre mondiale. Dans les dystopies de J. Orwell (1903-1950) - les satires "Animal Farm", "1984" et autres - la vision pessimiste de l'écrivain sur une société socialiste et l'horreur de la possible victoire du totalitarisme ont trouvé leur expression. Les romans d'Iris Murdoch (1919-1999) « Sous le Net », « La Cloche », « Le Prince Noir » et d'autres sont imprégnés de motifs existentialistes. Ces œuvres sont empreintes d’une intense quête créatrice et d’une foi en la force de l’homme, capable de résister au chaos de la vie. Le plus grand romancier du XXe siècle est Graham Greene (1904-1991) : « L'Américain tranquille », « Les Comédiens », « Le Consul honoraire » et d'autres. La critique sociale se conjugue ici avec un psychologisme profond. Développant les traditions du romantisme européen, il crée une série de romans « Aliens and Brothers » de C. P. Snow (1905-1980). Des thèmes politiques sont révélés dans les romans de J. Aldridge (né en 1918) « Le Diplomate », « Montagnes et armes », « L'Aigle de mer » et d'autres.

Le roman anglais moderne se distingue par sa diversité thématique : thème anticolonial (D. Stewart, N. Lewis), science-fiction (A. Clark, J. Wyndham), thèmes philosophiques (K. Wilson), thèmes socio-politiques en romans et récits grotesques de M. Spark et autres, romans policiers (Agatha Christie, J. Le Carré et autres).

La littérature américaine a fourni des exemples remarquables du roman. Au tournant des XIXe-XXe siècles - les œuvres de Mark Twain (1835-1910), Jack London (1876-1916) et d'autres. L’un des sommets du réalisme critique américain du XXe siècle est l’œuvre de Theodore Dreiser (1871-1945). Ses romans reflétaient les conflits sociaux de l'époque, la tragédie de l'homme dans un monde de mal et de profondes idées humanistes. Le summum de l'œuvre de Dreiser est le roman "An American Tragedy", une œuvre exceptionnelle de réalisme critique.

Psychologisme profond et réalisme caractérisent l'œuvre d'Ernest Hemingway (1899-1961). Dans ses œuvres, il incarne des idées humanistes, révèle le drame du processus historique, exprime sa foi en l'homme et son humanisme actif. Écrivains américains célèbres : J. Salinger, J. Updike, J. Baldwin, J. Cheever, K. Vonnegut, R. Bradbury et d'autres.

XIXème siècle est devenue une période de croissance sans précédent pour la culture russe. La Guerre patriotique de 1812, ayant bouleversé toute la vie de la société russe, accéléra la formation de l’identité nationale. D'une part, cela a une fois de plus rapproché la Russie de l'Occident et, d'autre part, cela a accéléré la formation de la culture russe en tant que l'une des cultures européennes, étroitement liée aux tendances de l'Europe occidentale en matière de pensée sociale et de culture artistique, et exerçant sa propre influence sur celui-ci.

Les enseignements philosophiques et politiques occidentaux ont été assimilés par la société russe en relation avec la réalité russe. Le souvenir de la Révolution française était encore frais. Le romantisme révolutionnaire, introduit sur le sol russe, a suscité une attention particulière aux problèmes de l'État et de la structure sociale, à la question du servage, etc. Rôle clé dans les conflits idéologiques du XIXe siècle. a joué la question du chemin historique de la Russie et de ses relations avec l'Europe et la culture de l'Europe occidentale. Cette question a été posée pour la première fois par P.A. Chaadaev, il a ensuite conduit à la division idéologique entre Occidentaux et slavophiles au sein de l'intelligentsia russe. Les Occidentaux (T.M. Granovsky, S.M. Solovyov, B.N. Chicherin, K.D. Kavelin) percevaient la Russie comme faisant partie de la société européenne et prônaient le développement du pays sur la voie européenne, pour mener des réformes libérales dans la structure sociale et politique. Les slavophiles (A.S. Khomyakov, K.S. et I.S. Aksakovs, P.V. et I.V. Kireevskys, Yu.F. Samarin) entretenaient une relation plus complexe avec la culture européenne. Ils ont été élevés dans la philosophie classique allemande, en particulier dans la philosophie de Hegel avec son idée de l'esprit national. Partant de ce principe, les slavophiles ont souligné la voie originale de développement de la Russie, différente de celle occidentale, ont souligné le caractère national de la culture et ont lutté contre une attitude non critique envers les influences étrangères (A.S. Khomyakov).

Depuis les années 40. sous l’influence du socialisme utopique occidental, la démocratie révolutionnaire commence à se développer en Russie.

Tous ces phénomènes dans la pensée sociale du pays ont largement déterminé le développement de la culture artistique de la Russie au XIXe siècle et, surtout, son attention particulière aux problèmes sociaux et au journalisme.

XIXème siècle est appelé à juste titre « l'âge d'or » de la littérature russe, une époque où la littérature russe acquiert non seulement son originalité, mais, à son tour, exerce une influence sérieuse sur la culture mondiale.

Dans les premières décennies du XIXe siècle. dans la littérature, il y a un écart notable par rapport à l'idéologie éducative, l'attention primaire portée à l'homme, à son monde intérieur et à ses sentiments. Ces changements étaient associés à la diffusion de l'esthétique du romantisme, qui impliquait la création d'une image idéale généralisée contrastée avec la réalité, l'affirmation d'une personnalité forte et libre, au mépris des conventions de la société. Souvent, l'idéal était vu dans le passé, ce qui a suscité un intérêt accru pour l'histoire de la Russie. L'émergence du romantisme dans la littérature russe est associée aux ballades et aux élégies de V.A. Joukovski ; œuvres des poètes décembristes, ainsi que les premières œuvres d'A.S. Pouchkine y a introduit les idéaux de la lutte pour la « liberté opprimée de l'homme », la libération spirituelle de l'individu. Le mouvement romantique a jeté les bases du roman historique russe (A.A. Bestuzhev-Marlinsky, M.N. Zagoskin), ainsi que de la tradition de la traduction littéraire. Les poètes romantiques ont été les premiers à présenter au lecteur russe les œuvres d’auteurs d’Europe occidentale et anciens. VIRGINIE. Joukovski était un traducteur des œuvres d'Homère, Byron et Schiller. Nous lisons encore l’Iliade dans la traduction de N.I. Gneditch.

En 1830-50. Le développement de la littérature a été associé à un mouvement progressif du romantisme au réalisme, à la corrélation de ce qui est représenté dans une œuvre littéraire avec la « vérité de la vie ». Cette période de transition fut l'une des périodes d'essor de la littérature russe, marquée par les travaux d'A.S. Pouchkine - le créateur des normes de la langue littéraire russe moderne d'exemples classiques de tous les genres littéraires : poésie lyrique et épique, roman, récit et récit, ainsi que M.Yu. Lermontov et N.V. Gogol.

Le réalisme critique, apparu dans la littérature russe, se distinguait par un intérêt accru pour les questions sociales liées aux conflits aigus de la société russe. Cela était particulièrement vrai pour les auteurs de « l'école naturelle » - I.A. Gontcharova, N.A. Nekrasov, les premiers travaux d'I.S. Tourguenieva, F.M. Dostoïevski, A.N. Ostrovski. L'une des caractéristiques de l'école naturelle était l'attention portée au sort du « Petit homme » (Gogol, Dostoïevski, Nekrasov), à la vie du paysan serf (essais de V.I. Dahl, « Notes d'un chasseur » de I.S. Tourgueniev), le monde des marchands russes (A.N. . Ostrovsky).

À l’époque post-réforme des années 1860-1870. ces tendances ont persisté et les conflits idéologiques de l'époque se sont reflétés dans les œuvres littéraires de cette époque. C’est l’époque où le roman classique russe fleurit. A cette époque, I.S. créait ses meilleures œuvres. Tourgueniev, F.M. Dostoïevski, L.N. Tolstoï. Dans leurs œuvres, l'attention portée aux conflits sociaux caractéristique du réalisme critique s'est enrichie, et parfois reléguée au second plan, d'un psychologisme profond et de généralisations philosophiques concernant les destinées de la Russie et de la culture occidentale, leurs relations, la recherche d'un soutien spirituel dans le christianisme (Orthodoxie ou sa propre interprétation, comme Tolstoï). Étant le summum des réalisations de la littérature russe du XIXe siècle, ces œuvres ont également influencé le développement de la culture mondiale, en devenant une partie intégrante.

Fin du 19ème siècle a été témoin de la « révolution théâtrale » de K.S. Stanislavski et V.I. Nemirovich-Danchenko, créateur du Théâtre d'art de Moscou en 1898. L’essence de la « révolution » était le rejet de la manière formelle d’agir, du faux pathétique, de la déclamation et des conventions de mise en scène. Le Théâtre d'art de Moscou a combiné de manière organique les meilleures traditions du théâtre russe du XIXe siècle. et de nouvelles idées qui impliquaient la création d'un ensemble d'acteurs et des demandes accrues de compréhension de la psychologie des personnages.

Dans la première moitié du XIXe siècle. une école nationale de musique est née. Dans les premières décennies du XIXe siècle. les tendances romantiques prédominaient, se manifestant dans le travail d'A.N. Verstovsky, qui a utilisé des sujets historiques dans son travail. Le fondateur de l'école de musique russe était M.I. Glinka, le créateur des principaux genres musicaux : opéra ("Ivan Susanin", "Ruslan et Lyudmila"), symphonies, romance, qui a activement utilisé des motifs folkloriques dans son travail. Un innovateur dans le domaine de la musique était A.S. Dargomyzhsky, auteur de l'opéra-ballet "Le Triomphe de Bacchus" et créateur du récitatif de l'opéra. Sa musique était étroitement liée au travail des compositeurs de « Mighty Handful » - M.P. Moussorgski, M.A. Balakireva, N.A. Rimski-Korsakov, A.P. Borodine, Ts.A. Cui, qui s'efforce d'incarner « la vie partout où elle peut s'exprimer » dans ses œuvres, se tournant activement vers des sujets historiques et des motifs folkloriques. Leur travail a établi le genre du drame musical. "Boris Godounov" et "Khovanshchina" de Moussorgski, "Prince Igor" de Borodine, "La Fille des neiges" et "La Fiancée du tsar" de Rimski-Korsakov font la fierté de l'art russe et mondial.

P.I. occupe une place particulière dans la musique russe. Tchaïkovski, qui a incarné dans ses œuvres le drame intérieur et l'attention portée au monde intérieur de l'homme, caractéristiques de la littérature russe du XIXe siècle, vers lesquelles le compositeur s'est souvent tourné (les opéras « Eugène Onéguine », « La Dame de Pique », « Mazeppa »).

Dans la première moitié du XIXe siècle. Le ballet classique et les chorégraphes français (A. Blache, A. Tityus) dominent. La seconde moitié du siècle est l'époque de la naissance du ballet classique russe. Son apogée fut la production des ballets de P.I. Tchaïkovski ("Le Lac des Cygnes", "La Belle au bois dormant") du chorégraphe de Saint-Pétersbourg M.I. Pétipa.

L’influence du romantisme dans la peinture s’est manifestée principalement dans le portrait. Œuvres d'O.A. Kiprensky et V.A. Tropinin, loin du pathétique civil, affirmait le naturel et la liberté des sentiments humains. L'idée des romantiques de l'homme en tant que héros d'un drame historique s'incarne dans les peintures de K.P. Bryullov (« Le dernier jour de Pompéi »), A.A. Ivanov "L'Apparition du Christ au peuple"). L'attention portée aux motifs nationaux et folkloriques caractéristiques du romantisme s'est manifestée dans les images de la vie paysanne créées par A.G. Venetsianov et les peintres de son école. L'art du paysage connaît également un essor (S.F. Shchedrin, M.I. Lebedev, Ivanov). Vers le milieu du 19ème siècle. La peinture de genre prend le dessus. Toiles P.A. Fedotov, adressé aux événements de la vie des paysans, des soldats, des petits fonctionnaires, démontre une attention aux problèmes sociaux, un lien étroit entre la peinture et la littérature.

Le tournant des XIXe et XXe siècles est une période de nouvel essor de la culture russe. C'est une période de repensation des traditions et des valeurs de la culture russe et mondiale du XIXe siècle. Il est rempli de quêtes religieuses et philosophiques, repensant le rôle de l’activité créatrice de l’artiste, ses genres et ses formes. Durant cette période, la pensée des artistes s'affranchit de la politisation, l'inconscient, l'irrationnel chez l'homme et un subjectivisme sans limite prennent le dessus. L'« Âge d'argent » est devenu une époque de découvertes artistiques et de nouvelles orientations.

Depuis les années 90. en littérature, une direction appelée symbolisme commence à prendre forme (K.D. Balmont, D.S. Merezhkovsky, Z.N. Gippius, V.Ya. Bryusov, F.K. Sollogub, A. Bely, A.A. Blok). En révolte contre le réalisme critique, les symbolistes mettent en avant le principe de compréhension intuitive du fondement spirituel de l'existence, d'attention aux symboles (à travers lesquels il se révèle). Les nouveaux principes de la créativité des symbolistes étaient la multiplicité et, par conséquent, le flou et la sous-estimation des images, le flou et le flou de l'idée principale de l'œuvre. D'autre part, le symbolisme a enrichi les moyens d'expression du langage poétique et a formé une idée de la nature intuitive de l'art. Le travail des symbolistes a été fortement influencé par la philosophie de Nietzsche et de Schopenhauer. En 1909, le symbolisme en tant que mouvement était pratiquement en train de se désintégrer.

Le mouvement de l'acméisme apparu en 1912 (N.S. Gumilyov, S.M. Gorodetsky, A.A. Akhmatova, O.E. Mandelstam, M.A. Kuzmin), contrairement au symbolisme irrationnel, exigeait de l'art clarté et harmonie, affirmait la valeur intrinsèque des phénomènes de la vie et l'idéal d'un « forte personnalité » dans son interprétation nietzschéenne.

Un autre mouvement influent dans la littérature et l'esthétique était le futurisme (D.D. Burlyuk, V.V. Khlebnikov, V.V. Mayakovsky, A. Kruchenykh). Les futuristes proclamaient le rejet des traditions ; ils percevaient le mot non pas comme un moyen, mais comme un organisme indépendant, se développant grâce aux activités du poète et n'ayant aucun lien avec la réalité.

Parallèlement aux nouvelles tendances, le réalisme traditionnel a continué à se développer (A.P. Tchekhov, A.I. Kuprin, I.A. Bounine).

Au début du 20ème siècle. L'avant-garde russe (V. Kandinsky, K. Malevich, P. Filonov, M. Chagall) devient un phénomène notable non seulement de la culture russe, mais aussi de la culture mondiale. L'un des objectifs de l'avant-garde était de créer un nouvel art révélant la sphère de l'impulsif et du subconscient. K. Malevitch était l'un des théoriciens du suprématisme, qui affirmait (sous l'influence des idées de Schopenhauer et A. Bergson) que la base du monde est une certaine excitation, « agitation » qui contrôle les états de la nature et de l'artiste. lui-même. C'est cette « excitation » que l'artiste devait comprendre dans son propre monde intérieur et transmettre à travers la peinture (sans lui donner aucune expression objective).

Dans la peinture russe du début du XXe siècle. L'influence de l'impressionnisme est également perceptible (V. Serov, K. Korovin, I. Grabar).

Le théâtre n’est pas resté à l’écart de l’influence du symbolisme. La recherche d'un nouvel art scénique a donné à la culture russe et mondiale le théâtre conventionnel de V.E. Meyerhold (Théâtre Komissarzhevskaya, Théâtre Alexandrinsky), Théâtre de chambre A.Ya. Tairov, studio E. Vakhtangov.

La musique de l'époque Art Nouveau, influencée par le romantisme tardif, montrait une attention portée aux expériences intérieures d'une personne, à ses émotions, au lyrisme et à la sophistication, caractéristiques des œuvres de S.I. Taneyeva, A.N. Skryabina, A.K. Glazounova, S.V. Rachmaninov.

À l’ère moderne, le cinéma prend sa place dans la culture russe. Les premières projections de films ont eu lieu en 1896 et, en 1914, il y avait déjà une trentaine de sociétés en activité en Russie, produisant plus de 300 films. Dans le cinéma du début du XXe siècle. Le réalisme psychologique, proche des traditions de la littérature russe, s'établit (La Dame de Pique, Le Père Serge de Y. P. Protazanov.) Les stars du cinéma muet étaient V. V. Kholodnaya et I. I. Mozzhukhin.

Culture artistique russe du début du XXe siècle. était plus ouverte que jamais sur l'Occident, répondant avec sensibilité aux nouvelles tendances philosophiques et esthétiques et s'ouvrant en même temps à la société européenne. Les « Saisons russes » à Paris, organisées par Diaghilev, ont joué ici un rôle énorme. Depuis 1906 S. Diaghilev a fait découvrir à la société parisienne les réalisations de la culture artistique russe en organisant une exposition consacrée à l'histoire de l'art russe, de la musique russe (de Glinka à Rachmaninov) - en organisant des concerts et des représentations d'opéra avec les meilleurs chefs d'orchestre et chanteurs russes (Chaliapine , Sobinov, etc.) . Depuis 1909, commencent les saisons du ballet russe, s'ouvrant tant pour la Russie que pour l'Europe avec des productions de M. Fokine ("L'Oiseau de feu" et "Petrouchka" de I.F. Stravinsky), dans lesquelles A. Pavlova, T. Karsavina, V. Nijinsky, M Mordkine, S. Fedorova. Les saisons russes de Diaghilev ont en fait relancé le théâtre de ballet d'Europe occidentale.

Depuis le 20ème siècle - un siècle de systèmes sociaux en évolution rapide, de processus culturels dynamiques, il est très risqué de donner des évaluations sans ambiguïté du développement de la culture de cette période et seuls quelques traits caractéristiques peuvent être identifiés.

Dans l'histoire de la culture du 20e siècle. Trois périodes peuvent être distinguées :

• 1) le début du XXe siècle - 1917 (dynamique aiguë des processus socio-politiques, diversité des formes artistiques, des styles, des concepts philosophiques) ;
• 2) 20 à 30 ans. (restructuration radicale, certaine stabilisation de la dynamique culturelle, formation d'une nouvelle forme de culture - socialiste),
• 3) années 40 d'après-guerre. - toute la seconde moitié du XXe siècle. (l'époque de la formation des cultures régionales, de la montée des consciences nationales, de l'émergence de mouvements internationaux, du développement rapide de la technologie, de l'émergence de nouvelles technologies avancées, du développement actif des territoires, de la fusion de la science avec la production, un changement de paradigmes scientifiques, la formation d'une nouvelle vision du monde). La culture est un système dans lequel tout est interconnecté et mutuellement déterminé.

Dans les années 1920, commença la mise en œuvre systématique de la politique culturelle du parti, dans laquelle tout système d'idées philosophique ou autre allant au-delà du marxisme dans sa version léniniste était qualifié de « bourgeois », de « propriétaire terrien », de « clérical » et reconnu comme contre-productif. -révolutionnaire et antisoviétique, c'est-à-dire dangereux pour l'existence même du nouveau système politique. L'intolérance idéologique est devenue la base de la politique officielle du gouvernement soviétique dans le domaine de l'idéologie et de la culture.

Dans l'esprit de la majeure partie de la population, l'établissement d'une approche de classe étroite de la culture a commencé. La suspicion de classe à l'égard de l'ancienne culture spirituelle et les sentiments anti-intellectuels se sont répandus dans la société. Des slogans étaient constamment diffusés sur la méfiance à l'égard de l'éducation, sur la nécessité d'une attitude « vigilante » envers les vieux spécialistes, considérés comme une force anti-populaire. Ce principe s'appliquait encore plus et sous une forme stricte à la créativité des représentants de l'intelligentsia. Le monopole politique s'établit dans la science, l'art, la philosophie, dans toutes les sphères de la vie spirituelle de la société, ainsi que la persécution des représentants de l'intelligentsia dite noble et bourgeoise. L'expulsion du pays de centaines de milliers de personnes instruites a causé des dommages irréparables à la culture de l'élite et a conduit à une baisse inévitable de son niveau global. Mais l’État prolétarien se montrait extrêmement méfiant à l’égard de l’intelligentsia restée dans le pays. Peu à peu, les institutions d'autonomie professionnelle de l'intelligentsia - publications indépendantes, syndicats créatifs, syndicats - ont été liquidées. Les enquêtes sur les intellectuels « irresponsables », puis l’arrestation d’un grand nombre d’entre eux, sont devenues la pratique des années 1920. En fin de compte, cela s’est soldé par la défaite totale du gros de la vieille intelligentsia en Russie.

Les réformes entreprises après la mort de Staline ont créé des conditions plus favorables au développement de la culture. La révélation du culte de la personnalité au XXe Congrès du Parti en 1956, le retour de prison et d'exil de centaines de milliers de personnes réprimées, dont des représentants de l'intelligentsia créatrice, l'affaiblissement de la censure de la presse, le développement des liens avec l'étranger. - tout cela a élargi le spectre de la liberté, a amené la population, en particulier les jeunes, à des rêves utopiques d'une vie meilleure. La période allant du milieu des années 50 au milieu des années 60 (depuis la parution en 1954 de l'histoire de I. Ehrenburg intitulée « Le dégel » et jusqu'à l'ouverture du procès de A. Sinyavsky et Yu. Daniel en février 1966) s'est écoulée en l'histoire de l'URSS sous le nom de « dégel ».

Le début des années 90 a été marqué par la désintégration accélérée de la culture unifiée de l’URSS en cultures nationales distinctes, qui rejetaient non seulement les valeurs de la culture commune de l’URSS, mais aussi les traditions culturelles de chacun. Une opposition aussi vive entre différentes cultures nationales a conduit à une augmentation des tensions socioculturelles, à l'émergence de conflits militaires et a ensuite provoqué l'effondrement d'un espace socioculturel unique. Mais les processus de développement culturel ne sont pas interrompus par l'effondrement des structures étatiques et la chute des régimes politiques.

La culture de la nouvelle Russie est liée à toutes les périodes antérieures de l’histoire du pays. Dans le même temps, la nouvelle situation politique et économique ne pouvait qu’affecter la culture. Sa relation avec les autorités a radicalement changé. L’État a cessé de dicter ses exigences à la culture, et la culture a perdu son client garanti.

Vous pouvez mieux comprendre les processus historiques de la première moitié du XXe siècle en regardant les peintures des artistes de cette époque et en lisant les œuvres littéraires les plus intéressantes de leurs contemporains. Faisons une petite excursion.

Culture et art de la première moitié du XXe siècle : un résumé

Au tournant du siècle, la décadence régnait dans la culture européenne - il existait un grand nombre de tendances contradictoires qui n'avaient pas de caractéristiques communes. La culture et l'art de la première moitié du XXe siècle ont deux orientations principales :

• Moderne (français - Art Nouveau, allemand - Art Nouveau).
• Modernisme.

Le premier est apparu dans la dernière décennie du XIXe siècle et a progressivement mis fin à son existence avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale (en 1914).

Le modernisme est un mouvement intéressant de la fin du 19e et de la première moitié du 20e siècle. Il est si riche en chefs-d'œuvre de la peinture et du graphisme qu'il est divisé en mouvements distincts selon des traits caractéristiques.

Moderne : la nature est une source d’inspiration inépuisable

Le nom de la direction vient du mot français « moderne », qui signifie « moderne ». Il s’agit d’un mouvement de l’art américain, européen et russe au tournant des XIXe et XXe siècles. L’Art nouveau est souvent confondu avec le modernisme, bien qu’il s’agisse de choses fondamentalement différentes qui ont peu de points communs entre elles. Listons les traits distinctifs de cette direction de l'art :

• chercher l'inspiration dans la nature et le monde environnant;
• rejet des lignes nettes;
• tons fanés et sourds;
• caractère décoratif, légèreté;
• la présence d'éléments naturels dans les peintures : arbres, herbes, arbustes.

La façon la plus simple de comprendre ce qu’est le modernisme est de contempler l’architecture des villes européennes dans ce style. À savoir les bâtiments et les cathédrales de Gaudi à Barcelone. La capitale de la Catalogne attire de nombreux touristes précisément grâce à son architecture unique. Le décor des bâtiments se distingue par sa sublimité, son asymétrie et sa légèreté. Sainte Famille) est le projet le plus marquant du grand Antonio Gaudi.

Modernisme

Pourquoi cette tendance a-t-elle pu émerger, gagner l’amour du public et donner lieu au développement de mouvements aussi intéressants que le surréalisme et le futurisme ?

Parce que le modernisme a été une révolution dans l’art. Il s’agissait d’une protestation contre les traditions dépassées du réalisme.

Les créatifs recherchaient de nouvelles façons de s’exprimer et de refléter la réalité. Le modernisme a ses propres traits caractéristiques qui lui sont propres :

• le rôle important du monde intérieur d’une personne ;
• rechercher de nouvelles idées originales ;
• une grande importance est accordée à l'intuition créatrice ;
• la littérature contribue à la spiritualisation d'une personne ;
• l’émergence de la création de mythes.

Culture et art de la première moitié du XXe siècle : nous étudierons les tableaux de divers artistes dans les deux sections suivantes.

Quels sont-ils? Incroyable : vous pouvez y réfléchir et découvrir constamment quelque chose de nouveau. La culture et l'art de la première moitié du XXe siècle seront brièvement décrits ci-dessous.

Ne vous enlisez pas et présentons les informations sous la forme la plus concise - sous la forme d'un tableau. A gauche se trouvera le nom du mouvement artistique, à droite - ses caractéristiques.

Culture et art de la première moitié du XXe siècle : tableau

Mouvements originaux du modernisme

Nom actuel	Caractéristique
Surréalisme	L'apothéose de la fantaisie humaine. Il se distingue par une combinaison paradoxale de formes.
Impressionnisme	Il est né en France puis s'est répandu dans le monde entier. Les impressionnistes traduisaient le monde environnant dans sa variabilité.
Expressionnisme	Les artistes cherchaient à exprimer leur état émotionnel dans leurs peintures, de la peur à l'euphorie.
Futurisme	Les premières idées sont nées en Russie et en Italie. Les futuristes ont magistralement transmis le mouvement, l'énergie et la vitesse dans leurs peintures.
Cubisme	Les peintures sont constituées de formes géométriques bizarres dans une composition spécifique.

La culture et l'art de la première moitié du XXe siècle (tableau, 9e année) reflètent les connaissances de base sur le sujet.

Examinons de plus près l'impressionnisme et le surréalisme en tant que mouvements qui ont apporté des idées fondamentalement nouvelles à l'art.

Surréalisme : créativité des malades mentaux ou des génies ?

C'était l'un des mouvements du modernisme né en 1920 en France.

En étudiant le travail des surréalistes, l’individu moyen s’interroge souvent sur sa santé mentale. Pour la plupart, les artistes de ce mouvement étaient plutôt

Alors comment ont-ils réussi à peindre des tableaux aussi inhabituels ? Il s’agit avant tout de la jeunesse et du désir de changer les mentalités. L'art pour les surréalistes était un moyen de s'affranchir des règles généralement acceptées. Les peintures surréalistes combinaient le rêve et la réalité. Les artistes étaient guidés par trois règles :

1. relaxation de la conscience;
2. accepter des images du subconscient;
3. si les deux premiers points étaient complétés, ils reprenaient le pinceau.

Il est assez difficile de comprendre comment ils ont peint des tableaux aussi variés. Une suggestion est que les surréalistes étaient fascinés par les idées de Freud sur les rêves. La seconde concerne l’utilisation de certaines substances psychotropes. On ne sait pas exactement où se trouve la vérité. Profitons simplement de l'art, quelles que soient les circonstances. Ci-dessous se trouve le tableau « L'Horloge » du légendaire Salvador Dali.

L'impressionnisme en peinture

L'impressionnisme est une autre direction du modernisme, sa patrie est la France...

Les peintures de ce style se distinguent par des reflets, des jeux de lumière et des couleurs vives. Les artistes cherchaient à capturer le monde réel dans sa variabilité et sa mobilité sur toile. Les peintures impressionnistes améliorent l’humeur d’une personne ordinaire, elles sont si vibrantes et lumineuses.

Les artistes de ce mouvement n'ont soulevé aucun problème philosophique - ils ont simplement peint ce qu'ils ont vu. En même temps, ils l'ont fait de main de maître, en utilisant diverses techniques et une palette de couleurs vives.

Littérature : du classicisme à l'existentialisme

La culture et l’art de la première moitié du XXe siècle sont de nouvelles tendances littéraires qui ont changé la conscience des gens. La situation est similaire à celle de la peinture : le classicisme appartient au passé, laissant la place aux nouvelles tendances du modernisme.

Il a contribué à des « découvertes » littéraires aussi intéressantes que :

• monologue interne;
• flux de l'esprit;
• associations lointaines;
• la capacité de l’auteur à se regarder de l’extérieur (la capacité de parler de lui à la troisième personne) ;
• irréalisme.

L'écrivain irlandais James Joyce a été le premier à utiliser des techniques littéraires telles que le monologue interne et la parodie.

Franz Kafka est un écrivain autrichien exceptionnel, fondateur du mouvement existentialiste en littérature. Malgré le fait que de son vivant ses œuvres n'ont pas suscité un grand plaisir parmi les lecteurs, il est reconnu comme l'un des meilleurs prosateurs du XXe siècle.

Son œuvre est influencée par les événements tragiques de la Première Guerre mondiale. Il a écrit des œuvres très profondes et difficiles, montrant l'impuissance de l'homme face à l'absurdité de la réalité environnante. En même temps, l'auteur n'est pas dépourvu d'humour, même s'il en a un très spécifique et noir.

Nous mettons en garde contre le fait qu’une lecture significative de Kafka peut contribuer à une diminution de l’humeur. Il est préférable de lire l'auteur de bonne humeur et légèrement abstrait de ses pensées sombres. Au final, il ne décrit que sa vision de la réalité. L'œuvre la plus célèbre de Kafka est Le Procès.

Cinéma

Les films muets amusants font aussi partie de la culture et de l'art de la première moitié du 20e siècle ; lisez le message à leur sujet ci-dessous.

Aucune autre forme d’art ne se développe aussi rapidement que le cinéma. La technologie cinématographique est apparue à la fin du XIXe siècle : en seulement 50 ans, elle a pu évoluer considérablement et conquérir le cœur de millions de personnes.

Les premiers films ont été créés dans des pays avancés, dont la Russie.

Initialement, le film était en noir et blanc et sans son. Le but du film muet était de transmettre des informations à travers les mouvements et les expressions faciales des acteurs.

Le premier film avec des acteurs parlants est sorti en 1927. La société américaine Warner Brothers décide de sortir le film «The Jazz Singer», et il s'agit déjà d'un film sonore à part entière.

B ne restait pas non plus immobile. Le premier projet réussi fut le film «Don Cossacks». Certes, les films russes ont également été censurés : le tournage des rituels religieux et des membres de la famille royale était interdit.

Une étape particulière dans le développement du cinéma russe a commencé après l’arrivée au pouvoir des bolcheviks. Ces camarades se sont vite rendu compte que le cinéma pouvait être non seulement un divertissement, mais aussi une arme sérieuse de propagande.

Le réalisateur soviétique le plus célèbre des années 30 était Des œuvres telles que « Le cuirassé Potemkine » et « Alexandre Nevski » sont depuis longtemps devenues des classiques. Le réalisateur de Kiev, Alexander Dovzhenko, a également atteint des sommets au cinéma. L'œuvre la plus marquante est le film « Terre ».

Le sujet de conversation le plus intéressant entre adultes est la culture et l’art de la première moitié du XXe siècle. La 9e année donne des informations tronquées qui disparaissent rapidement de votre tête. Cette lacune peut être comblée par une auto-éducation constante.

Plus on s’éloigne du XIXe siècle, plus il se rapproche de nous. Ce phénomène s'explique, semble-t-il, par le fait que de nombreux problèmes - sociaux, éthiques, artistiques - posés alors, nous préoccupent encore aujourd'hui.

Le début de cette époque remonte à la guerre pour l'indépendance des colonies nord-américaines, à la Grande Révolution française de 1789, qui porta un coup décisif au système féodal, sur les ruines duquel s'est bâtie une nouvelle civilisation, caractérisée par les caractéristiques suivantes :

la révolution industrielle qui a commencé en Angleterre s'est étendue à l'Europe et à l'Amérique du Nord : une société industrielle a été créée sur la base d'une production mécanique à grande échelle et d'une division complexe du travail ;

Les seigneurs féodaux et les paysans perdent leurs positions ; dans la nouvelle structure sociale de la société, la bourgeoisie, le prolétariat et l'intelligentsia urbaine, qui ont augmenté en nombre et ont une influence significative dans la société, passent au premier plan ;

la société civile, avec ses lois et ses partis politiques, se forme ;

les nations et les États nationaux se forment à l’intérieur de leurs frontières modernes ;

diverses formes d’État et de structure sociale émergent.

Les questions politiques, socio-économiques et nationales ont trouvé leur expression dans la vie culturelle de la société européenne au XIXe siècle, où les sous-systèmes culturels traditionnels (religieux, aristocratique, populaire) perdaient leur importance d'antan.

Le développement naturel du marché fut la « révolution industrielle » - c'est le nom donné au développement rapide de la production au XIXe siècle et à son changement qualitatif associé aux découvertes scientifiques et techniques. P. Sorokin a calculé que « le XIXe siècle à lui seul a apporté plus de découvertes et d'inventions que tous les siècles précédents réunis », soit 8 527.

De nouveaux moyens de vaincre le temps et l'espace sont apparus, grâce auxquels les échanges culturels et scientifiques entre les peuples se sont intensifiés. Cela est principalement dû au développement des transports et des communications. Au XIXe siècle apparaissent le transport maritime (navire à vapeur de Fulton - 1807), les communications ferroviaires et automobiles.

Richard Trevithick fut le premier à avoir l'idée de se convertir à la traction à vapeur. En 1802, la première locomotive qu'il construit transporte 10 tonnes de minerai ou 70 passagers à une vitesse de 8 km/h. Stephenson a considérablement amélioré la locomotive, sa puissance et sa vitesse. Cela a permis dans le deuxième quart du XIXe siècle de passer à la construction de chemins de fer à grande échelle : en 1840 en Europe et en Amérique, le réseau ferroviaire s'élevait à 8 000 km, et en 1850 à plus de 38 000 km. La construction de chemins de fer a également commencé en Russie (la première en 1837 entre Saint-Pétersbourg et Pavlovsk - 27 km, puis Nikolaevskaya : Saint-Pétersbourg - Moscou).

L'apparition de l'automobile (1886, G. Deimer et K. Benz) et de l'avion (premier vol des frères Wright - 1903) aurait été impossible sans l'invention du moteur (en 1876 - N. Otto, en 1897 - R. Diesel).

Une autre découverte du XIXe siècle fut l’utilisation de l’électricité. Le courant continu - la base de l'utilisation pratique de l'électricité - a été obtenu en 1800. En 1808, Devi démontra le principe de fonctionnement d'une lampe à arc, en 1880 Edison introduisit une lampe à incandescence, après quoi l'électricité commença à être largement utilisée pour les besoins domestiques. , qui a radicalement changé le mode de vie des gens. L'utilisation de l'électricité aurait été impossible sans le développement des principes fondamentaux d'un moteur électrique en 1821 par Faraday et le développement d'une machine électrique en 1831. A noter qu'en 1834, l'académicien Jacobi invente le premier modèle de moteur électrique.

Ces découvertes conduisirent à l'invention en 1837, indépendamment les unes des autres, du télégraphe par S. Morse et Cook et Wheatstone. Mais en 1828-1832, Schilling a conçu le télégraphe électrique en Russie. Déjà en 1868, la longueur de la ligne télégraphique en Angleterre dépassait 25 000 km. Le télégraphe gagne rapidement du terrain et la société est de plus en plus informée.

La communication entre les peuples, les continents et les cultures s'accélère avec l'invention du téléphone. Le premier téléphone était un appareil conçu par F. Reis en 1861, mais il restait un jouet. En 1860, l'Italien Manzetti inventa également le téléphone, mais ne le breveta pas, comme l'Américain A. Bell en 1876. Ce téléphone reçut une application pratique dans tous les pays civilisés du monde. Au début, la portée de conversation était d'environ 30 km, puis jusqu'à 72 km, mais avec l'introduction en 1890 du système de chargement par induction et des amplificateurs à tubes à vide, le problème de la portée a été éliminé.

Le XIXe siècle peut véritablement être considéré comme le siècle du triomphe de la technologie, du rééquipement radical de l'humanité en outils de travail et en armement avec de nouvelles méthodes techniques de production : de la charrue au tracteur, de la plus simple machine à vapeur à l'énorme machine à vapeur. l'utilisation de l'énergie électrique et à l'avion...

Le fondement de ces changements qualitatifs était le développement de la science, tant appliquée que fondamentale. La physique et la chimie, qui avaient déjà fait de grands progrès au XVIIIe siècle, reviennent sur le devant de la scène au nouveau siècle et développent les problèmes de l'énergie thermique et électrique. La loi de conservation et de transformation de l'énergie a été découverte et les physiciens ont commencé à s'efforcer d'expliquer tous les processus physiques et chimiques de la nature par l'énergie. Cependant, dès la seconde moitié du siècle, les découvertes dans le domaine de la structure électrique et atomique de la matière ont conduit à un affrontement entre la théorie énergétique et la théorie atomique. Les travaux du physicien autrichien L. Boltzmann, de l'Anglais J.K. Maxwell, l'Allemand M. Planck et d'autres ont conduit à la création d'une nouvelle physique basée sur l'étude des ondes électromagnétiques et de la structure atomique de la matière. Ses grandes orientations, développées par H.A. Lorenz, V.K. Roentgen, E. Rutherford, N. Bohr, A. Einstein, un grand groupe de physiciens russes, se sont résumés aux principes théoriques fondamentaux suivants :

a) l'inépuisabilité de la structure structurelle de la nature ;

b) la complémentarité et la nécessité mutuelle contrastent avec la fonction classique des images matérielles et énergétiques du monde ;

c) le rôle actif du scientifique - un sujet connaissant, et donc une étude philosophique du problème de l'objectivité de la connaissance.

Rappelons les noms de certains scientifiques dont l'importance des découvertes devrait être familière aux étudiants en physique, en chimie et en mathématiques.

L'Anglais D. Joule et l'Allemand R. Mayer ont non seulement confirmé la loi de conservation de l'énergie, mais ont également créé toute une branche de la mécanique théorique.

Le chimiste russe A. Butlerov, s'appuyant sur les recherches de A. Cooper et F.A. Kekule, a créé la théorie de la structure chimique de la matière. A l'école de chimie organique de Kazan, à laquelle appartenait A.M. Butlerov, professeur d'université N.N. En 1842, Zinin découvrit une méthode pour produire de l'aniline et remplacer les colorants végétaux par des colorants à l'aniline, et alors seulement, en 1856, le chimiste anglais W.G. Perkin a synthétisé un colorant aniline. Là, Clausewitz a découvert l'élément ruthénium (russe).

En 1859-1861 W. Bunsen et G. Kirchhoff ont découvert l'analyse spectrale. En 1869 Mendeleïev D.I. a découvert la loi périodique des éléments chimiques, qui était incluse dans le système périodique des éléments qu'il a développé. Ainsi, les bases de la chimie moderne ont été posées et de nouvelles sciences chimiques ont été créées - chimie physique, stéréochimie, électrochimie, biochimie, pharmacologie. À la fin du siècle, la chimie était devenue une branche scientifique majeure.

Le développement rapide de la production de machines est également associé au développement mathématiques et mécanique. Les mathématiciens russes ont en fait déterminé toutes les principales orientations de cette science. Les découvertes du recteur de l'Université de Kazan, le professeur N.I., étaient d'une grande importance théorique. Lobachevsky - le fondateur de la géométrie non euclidienne, utilisée plus tard pour résoudre des problèmes cosmiques, la théorie quantique. Découvertes en physique mathématique M.V. Ostrogradsky, création de la théorie des équations différentielles par A.M. Lyapunov, fondements de la théorie moderne des nombres P.L. Chebyshev a conduit au fait que l'école russe de mathématiques était considérée comme la plus avancée au monde.

La formation d'une image qualitativement nouvelle du monde était en grande partie due aux succès Biologie. Déjà au début du siècle, diverses hypothèses sur l'évolution de tous les êtres vivants sont apparues. La science de la paléontologie est née, prouvant que l'homme est apparu sur Terre bien plus tard que les êtres vivants et les plantes. Le scientifique français J.B. Lamarck et ses disciples ont eu l'idée de l'évolution des espèces. Sur la base du matériel accumulé par diverses sciences, Charles Darwin, dans un ouvrage publié en 1859, a étayé scientifiquement le développement évolutif du monde organique résultant de la sélection naturelle. Cet enseignement a finalement supplanté l'idée théologique de la vie sur Terre et a établi dans l'esprit des scientifiques du monde l'idée d'une approche scientifique et historique de l'analyse de tous les phénomènes vitaux.

Avant Darwin, les scientifiques russes H.I. Pander et K.M. Baer et le biologiste allemand T. Schwann ont créé une théorie de la structure cellulaire de l'ensemble du monde organique. Tout cela a conduit aux travaux de G. Mendel, puis de T. Morgan, qui ont donné naissance à une nouvelle science : la génétique.

En étudiant les causes de la fermentation du vin, le scientifique français Louis Pasteur a établi le rôle des micro-organismes dans ce processus, puis dans les maladies infectieuses, et a développé des mesures pour lutter contre les maladies les plus dangereuses. Il fut le premier à appliquer des vaccins protecteurs contre la rage et le charbon, à développer une méthode de conservation des aliments (pasteurisation) et à jeter les bases de la bactériologie et de la théorie de l'immunité. En 1888, l'Institut Pasteur (Paris) est créé. Les travaux du microbiologiste allemand R. Koch sont associés à l'étude des agents pathogènes de la tuberculose, du choléra et de la diphtérie. Ces travaux ont servi de base à la formation scientifique en matière d'assainissement et d'hygiène et à la prévention des maladies infectieuses. La médecine du XIXe siècle a acquis une importance sociale importante.

Au siècle dernier, de nouvelles orientations et méthodes de diagnostic et de traitement sont apparues dans la science médicale. Les découvertes de J. Liebig sur les processus chimiques dans un organisme vivant, de R. Virchow sur la dégénérescence des cellules et des tumeurs et des scientifiques russes I.M. ont eu une influence exceptionnelle sur le développement de la médecine. Sechenova, S.P. Botkina, I.P. Pavlova dans le domaine de l'étude du système nerveux humain...

Tout au long du siècle, la philosophie a tenté d'abord d'expliquer l'image mécaniste du monde, puis de trouver une issue à la contradiction existante entre la connaissance objective et son interprétation. D'une position idéaliste, I. Kant, I.G. a essayé de résoudre ces problèmes. Fichte, F.W. Schelling, G. Hegel, qui se situe au sommet de la philosophie allemande classique. Au milieu du siècle, K. Marx et F. Engels ont créé une doctrine dialectico-matérialiste à l'aide de laquelle ils ont tenté d'expliquer les processus naturels et sociaux. Dans la seconde moitié du siècle, se distinguent : la théorie du matérialisme vulgaire (L. Buchner, K. Focht), le positivisme (O. Comte, G. Spencer), l'irrationalisme (A. Schopenhauer, E. Hartmann), néo-kantisme (W. Windelband, G. Rickert ), intuitionnisme (A. Bergson), néo-hégélianisme (F.G. Bradley, J. Royce, A. Liebert), machisme (E. Dewey), philosophie de la vie (F. Nietzsche , G. Simmel, O. Spengler). Toute cette multitude de tendances philosophiques, que les étudiants découvriront au cours de leurs études de philosophie, n'a pas fourni une seule justification systémique à ces changements scientifiques naturels dont le XIXe siècle a été si riche.

Pour étudier et expliquer les phénomènes et processus sociaux, O. Comte, G. Spencer, M. Weber, E. Durkheim ont créé une nouvelle direction de la science - la sociologie, basée sur la psychologie sociale, la sociologie de l'art, la sociométrie, la sociologie de la cognition et bien d'autres. d'autres domaines de sciences connexes se forment.

À la fin du siècle, apparaissent des idées socio-philosophiques qui ont eu une plus grande influence sur le développement de la société et de la culture au XXe siècle : la « psychanalyse » de S. Freud, qui réduit tous les événements culturels à diverses formes de manifestation du primaire les instincts et pulsions de vie d'une personne, et la contre-culture de F. Nietzsche, se résumant au déni de la culture officielle.

Pour résumer ce qui a été dit, il convient de noter qu'au XIXe siècle se sont formées les principales doctrines politiques et idéologiques, sur la base desquelles toute la société humaine s'est développée au XXe siècle et qui ont influencé la culture de l'époque.

Le XIXe siècle n'a pas donné une seule direction ni un seul style à la culture. C’est en cela qu’il diffère des époques précédentes. Cela ne pourrait pas se produire dans un monde en évolution rapide, mobile et instable. La raison, sur laquelle les éclaireurs plaçaient leurs espoirs, n’a pas pu résoudre les contradictions et montrer la voie vers un ordre mondial parfait. Chaque grande personnalité ou cercle de personnes partageant les mêmes idées a cherché à dire un mot nouveau en quête de vérité.

L’un des plus grands mouvements de ce type fut le romantisme, apparu dans les années 1870, à l’époque de la rupture des relations féodales et de l’émergence du capitalisme. Le mouvement romantique s’est répandu dans tous les pays européens, puis en Russie et en Amérique. Dans chaque pays, le romantisme s'est manifesté différemment et a existé jusque dans les années 30-60 du XIXe siècle, entrant dans une relation unique avec le réalisme critique. Le romantisme a traversé plusieurs étapes dans son développement et a sensiblement évolué au cours de ce mouvement. Les premiers romantiques acceptèrent avec enthousiasme la Grande Révolution bourgeoise française. Il leur semblait que le monde laid serait organisé selon les lois de la justice, de la beauté et de la noblesse. Ils espéraient que l'idéal d'une personne parfaite s'incarnerait dans la réalité. Mais les espoirs n’étaient pas justifiés. L'harmonie entre l'individu et la société a été perdue. Essayant de surmonter le caractère unilatéral du rationalisme des Lumières, estimant que la liberté n'est possible que dans les limites de la vie spirituelle individuelle, les romantiques se sont détournés de la vie sociale de l'homme et de son objectif pour se tourner vers les problèmes de la vie intérieure, spirituelle et émotionnelle de l'homme. individuel. Pour les romantiques, une personne est un petit univers, un microcosme. Une personne doit se trouver, et pour cela le P. Novalis (1772-1801) a introduit dans la littérature romantique un symbole - l'image d'une « fleur bleue », qui avait une signification importante pour les romantiques : la recherche de soi. Cette recherche est un processus intense et complexe, et les romantiques tournent leur intérêt vers des sentiments forts et vifs, des passions dévorantes, vers les mouvements secrets de l'âme, vers son nouveau côté - l'individu, l'inconscient.

Proclamant la liberté et l'indépendance comme principe de vie principal, ils ont empiété sur les traditions établies, ils les brisent, ne considérant pas qu'il est de leur devoir de suivre les préceptes de leurs professeurs. Ils prônent le renouvellement des formes artistiques, contre la normativité du classicisme, estimant qu'en plus de l'art ancien il y avait l'art gothique, les romans chevaleresques et les légendes populaires, et ils les vantent dans leur travail. Des tendances apparemment destructrices – le nihilisme et la rupture des traditions – sont en réalité l’essence créatrice du romantisme. Ils ravivent la gloire des personnages de la Renaissance, qui commençaient à être oubliés, et suscitent un intérêt pour le Moyen Âge (en l'idéalisant souvent) et pour la culture de l'Orient.

Les romantiques croyaient qu'il n'y avait rien de figé dans le monde, qu'il y avait un renouveau éternel et que l'homme existe dans un monde en constante évolution. C'était universel - dans la littérature, l'art, la philosophie et la politique, la psychologie - le désir de renouveau, de liberté illimitée : civile et personnelle. Dans les œuvres des romantiques, il y a un motif de recherche éternelle captivante d'un idéal, d'errance et de désir de distance. Et un changement de lieu, d'action ou de personnage est à l'opposé des principes du classicisme. Les personnages bougent, des images de wagon postal et de voyage apparaissent. Dans la littérature russe, par exemple, ce sont les voyages de Chichikov en diligence ou de Chatsky, qui arrive de quelque part au début de la pièce (« Il a été soigné, dit-on, dans des eaux acides... »), puis repart quelque part encore (« Donnez-moi une voiture, une voiture »). Dans le roman de L. Tieck « Les pérégrinations de Franz Sternbald », le héros rencontre de nombreuses personnes et trouve en chacune d'elles quelque chose de cher et de proche.

L’essence de la vision romantique du monde est la reconnaissance de la contradiction dramatique et insoluble entre la vilaine réalité et l’idéal élevé qui lui est incompatible. Selon V. Hugo, « le laid… existe à côté du beau, le laid – à côté du beau, le grotesque – avec le sublime, le mal avec le bien, les ténèbres avec la lumière… Tout est lié les uns aux autres. » Fixant les contrastes, les premiers romantiques cherchèrent à les combiner. D’où les demi-teintes, le style poétique « fluide ». Selon F. Schlegel (1772-1829), philosophe allemand de la culture, l’intégrité « est la plus haute diversité des phénomènes ». Et tout phénomène, chaque objet est complexe ; pour le comprendre, il faut prendre en compte toutes ses facettes, le regarder sous différents points de vue. De même, Novalis (écrivain et philosophe allemand) dans « Fragments » et dans le roman « Heinrich von Ofterdingen » soutient l'idée que la vie et la mort apparaissent dans une unité dialectique ; et après la rencontre d’Henri avec Zuleima (à la veille de la croisade à Jérusalem), des ajustements sont apportés à la compréhension des objectifs et de la nature de la guerre.

Les héros romantiques éprouvent des sentiments allant de la joie à la déception, de l'inspiration au désespoir. M. Prishvin a subtilement exprimé l'essence du romantisme - « la recherche de l'inédit ».

La littérature et l'art du romantisme se caractérisent par un appel à la nature spiritualisée et curative. L’une des facettes de l’idéal romantique était le jardin. Il a attiré les écrivains romantiques grâce à sa capacité à répondre aux différents états de l'âme humaine. Le jardin lui-même éveille les cordes les plus subtiles et les plus sensibles du cœur humain, le jardin est donc un lieu de rêves, de pensées et de souvenirs. Le jardin comme modèle du monde reflète l'idée romantique du rôle et de la place de l'homme dans le monde, de sa relation avec la nature : l'homme du romantisme se sent comme une partie importante de la nature, doté des mêmes capacités créatrices que lui, entrant en concurrence avec lui.

La paix instable en Europe, l'insatisfaction face au présent, le désir de liberté ont mis en avant les thèmes suivants :

La personnalité de Napoléon. Espoirs associés aux changements progressifs dans la vie socio-politique de l'Europe. Ensuite, des conflits politiques qui ne se sont pas arrêtés même après Napoléon.

Mouvements de libération contre l'occupation napoléonienne (notamment en Italie, en Allemagne, en Grèce), colonisation de l'Amérique.

Mouvement luddite en Angleterre.

Des changements sociaux associés à la victoire de la bourgeoisie financière, aux réformes parlementaires et, en même temps, au mouvement indépendant de la classe ouvrière.

Tous ces problèmes passent par une personne, son âme. Les romantiques ont créé de nouveaux genres : roman historique, récit psychologique, poésie lyrique, ballade, poèmes lyriques. Ils ont réalisé de manière particulièrement claire et holistique l’historicisme de la pensée dans leur travail, reconnaissant l’équivalence des cultures passées et nouvelles.

Des romans historiques sur les tournants de l'histoire de la culture ont été créés par Walter Scott (1771-1832) : « Les Puritains », « Rob Roy », « Ivanhoe », etc., Alfred de Vinon : le roman « Saint Mar » (sur la conspiration des nobles contre le cardinal de Richelieu), Victor Hugo (1802-1885) : « Notre Dame », « Les Misérables », « L'Homme qui rit », « 93 », Adam Mickiewicz (1798-1882) - figure du mouvement de libération nationale, poète polonais - poème « Pan Tadeusz ».

Fenimore Cooper (1789-1851) s'est prononcé contre l'esclavage et la cruauté envers les Indiens lors de la colonisation de l'Amérique du Nord : « Le dernier des Mohicans », « Les Pionniers », « Millepertuis », Henry Longfellow (1807-1882) - « La chanson de Hiawatha " et etc.

Cependant, l'héroïsme de la protestation ou de la libération nationale et de la lutte révolutionnaire coexiste souvent chez les romantiques (surtout de la période ultérieure) avec les motifs de la « douleur mondiale », du « mal mondial », du côté « nocturne » de l'âme, qui sont habillés sous des formes conventionnelles de grotesque et de fantaisie. Une attitude critique à l’égard d’une réalité sociale imparfaite donne naissance à l’ironie romantique, puis à la satire. D’un autre côté, le romantisme s’efforce de produire le monde intérieur d’une personne agitée. L'idée de l'essence dissonante de la vie, de la désintégration tragique de l'harmonie originelle est renforcée. Cet écart tragique entre la réalité sociale et l'idéal romantique a été profondément ressenti, a été appelé mondes duels et constitue le trait le plus caractéristique de la méthode romantique.

Qui sont-ils : les écrivains romantiques ? La formation du romantisme est largement associée au nom du poète anglais, pair, membre de la Chambre des Lords et en même temps rebelle-révolutionnaire J. Byron (1788 - 1824). Oui, il a pris la défense des Luddites, il était membre du mouvement italien Carbonari et est mort en Grèce en participant au mouvement de libération nationale. Et dans son poème « Le pèlerinage de Childe Harold » (1812), il crée l’image d’un individu libre, un rebelle solitaire déçu, porteur des sentiments sociaux du début du XIXe siècle. Dans les poèmes « orientaux » « Le Giaour », « Le Corsaire » et « Lara », Byron appelle ouvertement les peuples opprimés à se soulever contre leurs oppresseurs. Byron a écrit les poèmes dramatiques philosophiques « Manfred » et « Caïn » et l'une des meilleures œuvres du poète, « Don Juan ». L'humanisme actif et la prévoyance prophétique ont fait de Byron le dirigeant des pensées de l'Europe d'alors. Une personne pour qui l’indépendance a plus de valeur que la paix et le bonheur personnels est appelée le « héros byronien ».

Les romantiques célèbres étaient les Anglais J. Keats et Percy Bishu Shelley.

J. Keats (1795 - 1821) dans « Endymion » dénonce l'hypocrisie puritaine, et dans les odes « Feu » et « Psyché », il chante le culte de la beauté et de l'harmonie dans la nature. Il est l'auteur du poème symbolique-allégorique « Hyperion ».

P.B. Shelley (1792-1822) - auteur du poème allégorique "Queen Mab", dénonçant la dépravation de la société contemporaine. Dans le poème « La montée de l'Islam », il justifie le renversement violent du despotisme. Il a donné une compréhension philosophique des problèmes de liberté et de tyrannie dans la tragédie « Cenci » et dans le poème lyrique « Prometheus Unbound ».

Les représentants célèbres du romantisme étaient les conteurs de renommée mondiale William Hauff, Hans Christian Andersen et les frères J. et V. Grimm, qui se sont tournés vers l'art populaire : le langage, les images, la moralité, sous une forme allégorique, ont exposé et ridiculisé l'avidité, l'acquisition de le courage, l'intelligence et la dignité humaine riches et glorifiés des gens ordinaires.

Outre les célèbres écrivains et philosophes romantiques allemands mentionnés précédemment (P. Novalis, F. Schlegel, L. Tieck), il faut noter Ernest Theodor Amadeus Hoffmann (1776-1822). Dans son œuvre, le romantisme allemand atteint son apogée. Homme doué, il était écrivain, compositeur et artiste. Dans ses œuvres, il fait émerger un héros excentrique, un rêveur, s'évadant dans le monde de l'art et du fantastique. Ses personnages se caractérisent par une subtile ironie philosophique et une fantaisie fantaisiste, allant jusqu'au grotesque mystique (le roman « L'élixir du diable »), combinées à une perception critique de la réalité (l'histoire « Le pot d'or », les contes de fées « Petits Tsakhes », « Le Seigneur des puces ») et une satire du philistinisme allemand et de l'absolutisme féodal (le roman « Les vues quotidiennes de Murr le chat »). Les images poétiques de Hoffmann s'accordent bien avec la musique : elles ont été traduites dans leurs œuvres par R. Schumann (« Kreisleriana »), J. Offenbach (« Les Contes d'Hoffmann ») et P.I. Tchaïkovski (Casse-Noisette).

Dans la première moitié du XIXe siècle, Heinrich Heine (1797-1856) était un grand poète allemand qui combinait dans son œuvre romantisme et ironie. Le thème de l'amour non partagé (son propre échec) est devenu pendant longtemps dominant dans les paroles de Heine. Avec une puissance inhabituelle, il est capable de dépeindre en quelques lignes une image complexe de sentiments, un paysage riche en ambiances, et de donner une petite esquisse du quotidien. Un thème politique donne parfois lieu à un feuilleton ou à une œuvre véritablement lyrique, et les poèmes lyriques acquièrent soudain une signification sociale aiguë. Souvent, la forme des poèmes est proche des chansons folkloriques.

Après la Révolution française de 1830, Heine part pour Paris, où il reste pour le reste de sa vie. C’est ici que le talent satirique du poète prend enfin forme. Il soutenait une Allemagne fragmentée, rêvait d’une patrie démocratique unie, suivait le mouvement ouvrier et était ami avec K. Marx.

Poème « Allemagne. Winter's Tale" - sur les impressions d'un voyage dans mon pays natal. L’image dégoûtante de l’Allemagne réactionnaire et l’amour de l’Allemagne populaire. Mais la liberté et le bonheur ne viendront pas d’eux-mêmes, il faut les conquérir.

Nous sommes une nouvelle chanson, nous sommes une meilleure chanson

Maintenant, mes amis, commençons.

Nous transformerons le ciel en terre,

La terre sera notre paradis.

Les nazis ont inclus les œuvres de Heine sur la liste des livres soumis au brûlage et à l'oubli éternel, ce qui témoigne du son moderne de sa poésie.

L'établissement des principes du romantisme en France est associé aux noms de François Chateaubriand (1768-1848), Germaine de Staël (1766-1817), Alfred de Vigny (1797-1863), Alfred de Musset (1810-1857), Victor Hugo (1802-1885) et George Sand (1804-1876). Ils représentaient différentes directions du romantisme : Chateaubriand - conservateur, religieux ; de Staël est libérale (elle défend d'ailleurs le droit des femmes à la liberté de sentiments) ; Le sable est démocratique.

Parmi les écrivains américains, outre ceux mentionnés ci-dessus, il convient de mentionner spécialement Edgar Allan Poe (1809-1849), le fondateur de la littérature policière. Ses nouvelles sont majoritairement tragiques, fantastiques ou humoristiques. Les experts le considèrent comme le précurseur du symbolisme.

Sous l'influence du romantisme européen, au milieu du XIXe siècle, le romantisme prend forme en Russie, avec des tendances différentes. La spécificité de l’un d’eux était le pathétique de la haute citoyenneté. Les thèmes centraux étaient la Patrie et le service à la Patrie. Ce sont les œuvres des décembristes : « Dumas » de K.F. Ryleev, poèmes d'A.I. Odoevski, V.F. Raevsky, V.K. Kuchelbecker et d’autres. Leurs œuvres sont des manifestes de la lutte pour la « liberté humaine opprimée ». L'œuvre de I.I. s'est développée dans le sens du romantisme civil. Kozlova, A.A. Delviga, N.M. Yazykova.

Le monde spirituel de l'homme et ses sentiments les plus intimes ont été chantés par V.A. Joukovski (« Lyudmila », « Svetlana », « À elle », dans l'œuvre « Chanteur dans le camp des guerriers russes » Joukovski glorifie sa patrie bien-aimée), K.N. Batyushkov.

Après la défaite des décembristes, lorsque la déception s'est emparée d'une partie importante de la société russe, l'ambiance de pessimisme s'est intensifiée dans la littérature - les motifs élégiaques ont été plus clairement exprimés dans la poésie d'E.A. Baratynski. Des tentatives pour comprendre les contradictions de l'existence et de la personnalité ont été faites par F.I. Tioutchev et V.F. Odoevski. Le summum du romantisme dans la littérature russe fut les premiers travaux d'A.S. Pouchkine. Ses poèmes épris de liberté « Liberté », « Village », « To Chaadaev » et d'autres ont acquis une énorme popularité. Toute l’intelligentsia avancée de Russie les connaissait par cœur. La déception face à la réalité, le désir de l'idéal d'une personnalité libre et rebelle ont alimenté les premiers poèmes romantiques et les paroles matures de M.Yu. Lermontov (« Douma », « À la fois ennuyé et triste », « Prophète », poème « Mtsyri », drame « Mascarade »). Dans le poème « Démon », Lermontov incarnait symboliquement les idées de rébellion personnelle contre l'injustice de « l'ordre mondial », la tragédie de la solitude.

Mais il y avait d'autres tendances du romantisme qui parlaient du point de vue de la nationalité officielle, glorifiant la formule trine «Orthodoxie, autocratie et nationalité» - F. Boulgarine, N. Grech, O. Senkovsky et d'autres.

Dans les arts visuels, le romantisme s'est manifesté le plus clairement dans la peinture française. Ici, sous la Restauration et la Monarchie de Juillet, dans une lutte acharnée contre le dogmatisme du classicisme académique officiel, a émergé l'école de romantisme la plus cohérente.

L'effondrement des illusions associées à la splendeur de l'époque napoléonienne, l'insatisfaction du présent et la soif des grandes passions, voilà de quoi est né le romantisme français. Le masque antique figé et le visage du peuple déformé par le désespoir et l'espoir - l'absurdité des vieux canons de la peinture était trop évidente. Le cadre du classicisme ne pouvait s'adapter aux événements qui ébranlèrent l'Europe et la France. Dans la lutte des passions, l'ébullition des sentiments poétiques, un nouvel art est né - le romantisme, conçu pour refléter tout le drame, toute la complexité des temps nouveaux. C'est dans la vie réelle, contrairement au classicisme, que les artistes trouvent le significatif et l'héroïque.

Le terme « romantisme » en relation avec la peinture a été utilisé pour la première fois dans une nécrologie écrite à la mort de l'artiste français Théodore Géricault ; auparavant, il n'était utilisé que dans la littérature.

Géricault appartenait à une génération de jeunesse française qui vivait avec une conscience choquée, mais réveillée par les victoires et les défaites napoléoniennes. Ses premières œuvres s'inspirent des victoires - «Un officier des rangers à cheval partant à l'attaque» (1812), puis, en contraste avec lui, «Un cuirassier blessé quittant le champ de bataille» (1814). Le manifeste du nouvel art était la toile de sept mètres "Le Radeau de la Méduse" (1819) - un récit tragique sur le naufrage de la frégate "Méduse" en 1816, sur la mort de presque tout l'équipage. « C'est la France elle-même, c'est notre société chargée sur le radeau de la Méduse », écrivait l'historien Michelet. Oui, l'image a été perçue comme une œuvre journalistique : une voile artisanale est gonflée par le vent dirigé dans la direction opposée au navire apparu à l'horizon, et le radeau est ramené. Le sens du tableau dépasse le sens de l'épisode réel : la France, humiliée et piétinée après son ascension, vivait la catastrophe de sa chute... sera-t-elle sauvée ?

La presse pro-gouvernementale a qualifié l’auteur de « dangereux rebelle ». Le tableau, aujourd'hui chef-d'œuvre du Louvre, est interdit. Du vivant de l'auteur, bien que ses œuvres aient été présentées lors d'expositions, aucune d'entre elles n'a été achetée. Théodore Géricault vécut une vie courte et mourut dans la pauvreté. Entre-temps, le tableau ouvre une nouvelle page dans la peinture d’Europe occidentale. L'œuvre de Géricault se distingue véritablement par toutes les qualités associées au romantisme : intensité du sentiment et envolée de l'imagination, passion pour les situations dramatiques, dynamique passionnée. Tout cela perturbait l’équilibre de la composition et rendait le dessin inégal.

L'une des figures les plus importantes de l'art du XIXe siècle était Eugène Delacroix. Le critique russe V. Stasov l'a qualifié de « révolutionnaire et pionnier le plus important » dans le domaine de la couleur, dans le développement des lois harmoniques de la peinture des couleurs. C'EST À DIRE. Repin a écrit qu'« en termes de brillance et de puissance des couleurs, il a fait un pas en avant audacieux… ». Cette démarche se reflète dans le travail des impressionnistes français. UN V. Sourikov qualifiait Delacroix de « compositeur en peinture ». Et il avait raison : Delacroix a consacré beaucoup de travail et d'efforts au développement de la composition et de la musicalité de la peinture (rythme ciselé et harmonie inhérents à la musique). Très doué, doté à la fois de talents musicaux et littéraires, Delacroix a laissé des journaux et des articles sur l'art et les artistes, qui révèlent la nouveauté de ses jugements esthétiques, contraires aux opus dogmatiques et académiques sur la peinture. Mais l'essentiel est qu'il a laissé derrière lui ses œuvres, réalisées sur 40 ans de créativité.

La renommée lui est venue en 1822, lorsqu'il a exposé « Le bateau de Dante » dans le salon : Virgile et Dante traversent le sombre fleuve Styx, où tourbillonnent les corps des morts-vivants maléfiques. Le spectateur a été étonné non seulement par l'intrigue, mais aussi par le pouvoir coloristique de la couleur. « Pour mieux imaginer l'impression étonnante des débuts de Delacroix », écrira plus tard Théophile Gautier, « il faut se rappeler à quel point l'école néoclassique, reflet lointain de David, est finalement devenue insignifiante et ennuyeuse. Un météore tombant dans un marécage au milieu de flammes, de fumée et de bruit n’aurait pas pu semer plus de confusion dans un chœur de grenouilles. Il y avait d'autres opinions : le tableau était « peint avec un balai ivre ». Mais une chose était claire : c’était une victoire !

Partant du thème de Dante, Delacroix se tourne vers Shakespeare, Goethe, W. Scott et Byron. Lors des jours de deuil de Byron en avril 1824, Delacroix expose la toile « Massacre de Chios » au Salon de Paris. C'est la bombe qui a fait exploser le Salon. L'Europe progressiste a suivi avec inquiétude les événements dramatiques de Grèce, et... Delacroix a exposé avec force et fureur au public la vérité sur l'horreur de la guerre. Les ennemis du camp des classiques appelaient ce tableau « un massacre de la peinture ». Défendant les romantiques contre les attaques malveillantes des conservateurs, Hugo a écrit : « Ce n’est pas la soif de quelque chose de nouveau qui excite les esprits, mais le besoin de vérité, et ce besoin est énorme. » La tragédie de Byron est inspirée du tableau "La Mort de Sardanapale" - Delacroix était attiré par des passions puissantes, et il y a fait face avec brio grâce à une riche solution coloristique. Les critiques d’art estiment qu’il s’agit de l’une des peintures les plus romantiques de l’artiste. Le Ministre des Beaux-Arts La Rochefoucauld met en garde le jeune artiste et lui annonce qu'il ne pourra compter sur aucune commande gouvernementale tant qu'il n'aura pas changé ses mœurs. Il faudra que le tonnerre de la Révolution de Juillet 1830 retentisse pour que Delacroix cesse d'être un paria. Il n'y avait pas de quoi s'étonner, car le célèbre étrangleur de la liberté Thiers a dit un jour : « Nous connaissons ces romantiques, il est aujourd'hui un romantique et demain un révolutionnaire. »

« La période la plus intéressante de notre siècle » a été qualifiée par A.S. Le coup d'État révolutionnaire de Pouchkine à Paris. « J'ai commencé à peindre sur un sujet moderne : une barricade », écrit Delacroix à son frère. "Si je ne me suis pas battu pour la liberté de la patrie, alors au moins je ferai des tableaux en son honneur !"

« Liberté sur les barricades le 28 juillet 1830 », c'est ainsi que l'artiste appelle sa toile. C'était un grand reportage sur ce qui s'était passé, sans précédent dans l'histoire de l'art. Apothéose de la Révolution française. Un joyeux hymne à la Victoire. Le peintre a combiné l'apparemment impossible - la réalité protocolaire d'un reportage avec le tissu sublime d'une allégorie romantique et poétique. Comment cette photo a-t-elle été reçue ? Après la victoire, les passions autour de l'image ont repris : les héros sont indignés - « la foule », « cette fille » est indignée : « si la Liberté est comme ça... nous n'en avons pas besoin, nous n'avons rien à faire. faire avec cette renarde honteuse !

160 ans ont passé, et aujourd'hui « La liberté sur les barricades » est la fierté de la France, la perle du Louvre.

Delacroix avait une rare largeur de vues, une objectivité et un historicisme dans ses jugements sur l'art, et était capable d'apprécier hautement le nouveau mot - le réalisme de Courbet. En 1864, un an après la mort de Delacroix, une toile au titre significatif « L'Apothéose de Delacroix » apparaît au Salon, où Edouard Manet, Charles Baudelaire... admirateurs de son talent se rassemblent autour de l'artiste décédé. Parmi eux, on pouvait compter Renoir, Degas, Cézanne, qui vénéraient également le grand romantique et le considéraient comme le père de la peinture française du XIXe siècle.

La découverte d'une individualité complexe par les romantiques a rendu un service considérable aux réalistes, leur ouvrant la voie vers de nouveaux sommets dans la compréhension du monde intérieur de l'homme.

Le réalisme hérite du principe le plus important de l’esthétique romantique : le principe de l’historicisme. Mais si chez les romantiques il avait une base idéaliste, alors chez les réalistes il avait une base matérialiste (leur intérêt particulier pour les structures économiques de la société, pour la psychologie sociale des larges masses populaires ; l'historicisme s'incarne dans la représentation non du passé, comme chez les romantiques, mais de la réalité bourgeoise moderne comme une certaine étape de l'histoire des pays). Ce que les deux styles ont en commun est leur critique du classicisme et de ses principaux canons.

Le romantisme a donné une impulsion au développement du réalisme, mais lui-même n'a pas été vaincu par son idée. Le croisement de ces directions se retrouve chez Honoré de Balzac, C. Dickens, M.Yu. Lermontov, L. Maskani, G. Heine et autres.

La pratique cruelle de la vie a obligé les artistes à approfondir la vie sociale, la réalité moderne et à comprendre toutes les contradictions d'une société capitaliste établie.

La tradition réaliste a une longue histoire culturelle. Cependant, une compréhension holistique et le terme « réalisme » lui-même ont émergé dans les années 20 du XIXe siècle ; sa signification s'est intensifiée au milieu du siècle, lorsque cette direction est devenue dominante dans la culture européenne. Le réalisme du XIXe siècle est généralement appelé réalisme critique.

Le réalisme critique repose sur les principes suivants :

un reflet objectif des aspects essentiels de la vie en combinaison avec la hauteur et la vérité de l'idéal de l'auteur (« La nature offre des spectacles insolites, des contrastes sublimes ; ils peuvent rester incompréhensibles au miroir, qui les reproduit inconsciemment », écrit Stendhal, et Balzac continue : « La tâche de l'art n'est pas de copier la nature, mais de l'exprimer ! ») ;

reproduction de personnages typiques dans des circonstances typiques avec la complétude de leur individualisation (selon Balzac, l'artiste n'est pas un simple chroniqueur de son époque, mais un chercheur de ses mœurs, un analyste, un homme politique et un poète) ;

authenticité réaliste de l'image (« dans les formes de la vie elle-même ») ;

intérêt prédominant pour le problème de « la personnalité et de la société » (dans leur lien et leur opposition) ;

critique du progrès matériel et non spirituel et de la civilisation bourgeoise.

La France est le berceau du réalisme critique en littérature. Le réalisme passe ici par deux étapes dans son développement. Le premier - la formation et l'établissement comme direction dominante de la littérature (fin des années 20 - années 40) - est représenté par les œuvres de Béranger, Mérimée, Stendhal, Balzac. Le second (années 50-70) est associé au nom de Flaubert - l'héritier du réalisme de type Balzac-Stendhal et le prédécesseur du « réalisme naturaliste » de l'école Zola.

Le fondateur du réalisme critique non seulement en France, mais aussi dans la littérature d'Europe occidentale, fut l'écrivain français Henri Bayle, plus connu sous le pseudonyme de Stendhal (1783-1842). Il fut non seulement le premier à justifier les principes fondamentaux et le programme de formation du réalisme, mais il incarna également avec brio les principes de l'esthétique réaliste dans des chefs-d'œuvre artistiques. L'originalité de son individualité créatrice se révélera pleinement dans le type de roman socio-psychologique qu'il créera. La première expérience de l'écrivain dans ce genre fut le roman "Armans" (1827). Le roman « Rouge et Noir » revêt le caractère d'une recherche sociale. « Chronique du XIXe siècle » est le sous-titre du roman. Ici, la France devient le théâtre de l'action, représentée dans ses principales forces sociales et dans leur interaction. Le cycle des « Chroniques italiennes » est remarquable. Stendhal était un écrivain très prolifique. Son dernier chef-d'œuvre fut « Le Cloître de Parme » (1839), dicté en 53 jours ! Balzac a qualifié le roman de « meilleur livre des cinquante dernières années ».

Un exemple de poésie réaliste dans la France du XIXe siècle a été donné par le poète Pierre Jean de Béranger (1780 - 1857), qui fut jugé à deux reprises pour ses chansons politiques pendant la période de réaction. La poésie révolutionnaire de Bérenger n'a pas d'égale dans la littérature française de la 1ère moitié du XIXe siècle. L'art du refrain, la souplesse du vers, la variété des intonations qui transmettent librement un discours familier ont influencé la formation du genre principal de la chanson - la poésie révolutionnaire-démocratique. Béranger a joué un rôle majeur en tant que poète qui s'est tourné vers une chanson utopique, une chanson-réflexion, une chanson-fable - ils ont trouvé des adeptes dans la 2ème moitié du 19ème siècle.

Le réalisme d'Europe occidentale a atteint son point culminant de développement dans l'œuvre d'Honoré de Balzac (1799 - 1850). Les origines de son œuvre sont profondes et variées. Dans l'encyclopédie des intérêts et du savoir, Balzac pouvait rivaliser avec les génies de la Renaissance. Sa création principale - l'épopée en plusieurs volumes "La Comédie humaine" - a absorbé les principales réalisations de la culture et de la science de plus d'une génération, prédéterminant les voies du progrès ultérieur de la pensée humaine. Il lui consacre toutes ses forces, écrivant 90 romans et nouvelles sur les 143 livres prévus. Il comprenait des romans tels que « Le chef-d'œuvre inconnu », « Peau de galuchat », « Eugénie Grande », « Père Goriot » et bien d'autres, dont chacun peut être considéré comme complet, mais Balzac a insisté sur le fait que ses œuvres individuelles devaient être perçues dans leur ensemble. dans le contexte de La Comédie Humaine.

Le concept général et les personnages (plus de deux mille) les relient à la véritable histoire contemporaine de France, presque année après année, de 1816 à 1848. Nous avons devant nous une image réaliste de l'enrichissement de la bourgeoisie, de l'évolution des mœurs dans la société noble en lien avec la pénétration de la bourgeoisie en elle, les contradictions de la vie publique du pays. « Les historiens eux-mêmes ne pouvaient être que son secrétaire », déclare Balzac dans la préface de l'épopée.

Prosper Mérimée (1803-1870) - dramaturge, maître des nouvelles (parmi lesquelles « Colomba » (1840), « Carmen » (1845), qui servit de base au livret de l'opéra de Wiese, et son chef-d'œuvre « Matteo Falcone » ). Dans ses nouvelles, il résout un problème difficile : à travers un seul événement, montrer l’histoire de nations entières et d’autres époques. Mérimée est l'auteur du grand roman « Chronique du temps de Charles IX » (sur la lutte entre catholiques et protestants), une tragédie de peuples divisés par différentes religions. « Papistes ! Des huguenots ! Des superstitions ici et là. Nos litanies, vos psaumes, une absurdité en vaut une autre. Ces paroles d'un frère à l'autre contiennent le sens progressif et éducatif de toute l'œuvre. Outre les œuvres originales de Mérimée, les traductions de Pouchkine, Gogol et Tourgueniev en français occupent une place importante dans son héritage. Il a écrit un certain nombre d'articles sur le travail de ces écrivains, faisant l'éloge de la littérature russe.

Guy de Maupassant (1850-1893) dresse un portrait collectif de la bourgeoisie française de la 2e moitié du XIXe siècle. "La vie", "Cher ami", "Mont-Ariol" sont les meilleurs romans de Maupassant, dans lesquels la netteté de l'analyse sociale et l'orientation anti-bourgeoise atteignent une haute tension, et la pureté des sentiments humains s'oppose à la misère spirituelle, à l'égoïsme et au faux moralité.

L'originalité nationale du réalisme critique anglais est déterminée principalement par l'orientation satirique et accusatrice de l'œuvre de la plupart des grands écrivains sous l'influence du libéralisme bourgeois, d'une part, et de la croissance et du développement du prolétariat, d'autre part. Le développement de l'économie politique, de la sociologie, de la philosophie et les débats houleux sur les questions sociopolitiques et économiques laissent une empreinte certaine sur la littérature.

Les idées du siècle, l'état du mouvement social et les principes moraux de l'époque se reflètent dans les romans sociaux de Charles Dickens (1812-1870), William Thackeray (1811 - 1863), John Galsworthy (1867-1933), sœurs Charlotte (1816-1855) et Emilia (1818) -1848) Bronde et J. Bernard Shaw (1856 - 1950) - les plus grands représentants du réalisme critique en Angleterre.

Gardien de la grande tradition du roman anglais, Dickens fut à la fois un grand réformateur et un innovateur dans le genre du roman ; il réussit à incarner un grand nombre d'idées et d'observations dans ses créations. Ses œuvres « Les derniers papiers du Pickwick Club », « David Copperfield », « Dombey and Son », « Bleak House », « Les Aventures d'Oliver Twist », « The Antiquities Shop » et d'autres ont connu du succès parmi toutes les classes d'anglais. société. Et ce n’était pas un hasard. Il a écrit sur ce que tout le monde connaît bien : sur la vie de famille, sur les épouses grincheuses, sur les joueurs et les débiteurs, sur les oppresseurs d'enfants, sur les veuves rusées et intelligentes... Plus qu'aucun de ses contemporains, Dickens était un représentant de la conscience de l'homme. nation.

L'artiste (plus de 2 000 dessins de ses œuvres et des œuvres d'autres écrivains sont connus), éditeur et écrivain W. Thackeray, a professé les idéaux du « républicanisme éclairé ». Il écrit dans une variété de genres - pamphlets, chroniques policières, essais satiriques, essais. Un large panorama de la société anglaise de la 1re moitié du XIXe siècle est dressé par Thackeray dans « Vanity Fair » (le sous-titre est symbolique : « Un roman sans héros »). Cette œuvre a consolidé le nom de l'auteur en tant que réaliste remarquable, décrivant la morale et les personnages sans préjugés ni préjugés, où chacun joue son rôle - le trompeur ou le trompé.

John Galsworthy a dressé un tableau épique de la morale de l'Angleterre bourgeoise à la fin du XIXe et au début du XXe siècle dans sa célèbre trilogie « La saga Forsyte » et « Comédie moderne ».

Classiques de la science-fiction - un nouveau genre littéraire devenu très populaire au XIXe siècle. XXe siècle sont Herbert George Wells (1866 - 1946) et Jules Verne (1828 - 1905) - l'émergence de ce genre témoigne d'un intérêt sans précédent pour la connaissance scientifique en lien avec les découvertes scientifiques et technologiques.

Enfin, il convient de noter un autre écrivain et dramaturge anglais remarquable, le prix Nobel 1925 George Bernard Shaw, créateur de débats dramatiques à caractère politique et philosophique. Le langage acéré et les pensées sages de ses œuvres sont devenus des aphorismes (« Pygmalion », « César et Cléopâtre », etc.).

Aux États-Unis, les idées du réalisme critique ont été développées par Walt Whitman (1819-1892), glorifiant le travail libre et la personnalité indépendante, en Allemagne - Heinrich Mann, en Norvège - Heinrich Ibsen (1828-1906).

Le nom de réalisme dans les beaux-arts est directement lié à Courbet qui, ayant loué un entrepôt à côté du Salon (il n'était pas autorisé à entrer dans le Salon), exposa ses œuvres sous couvert de « Réalisme », même si certains chercheurs estiment qu'il devrait être considéré comme l’un des fondateurs de « l’école naturelle ». Il semble qu’il soit allé plus loin que le « naturalisme », car, non sans l’influence de Proudhon, il a déclaré qu’un artiste réaliste devait transmettre la morale, les idées et l’apparence de son époque. L’innovation de Courbet n’est pas de peindre des scènes de genre de la vie quotidienne, mais de monumentaliser ce quotidien trivial, en l’élevant au rang de « tableau historique ». Il a d’abord intitulé son œuvre principale «Funérailles à Ornans», «Tableau historique des funérailles à Ornans», voulant apparemment souligner que de tels événements quotidiens, qui se déroulent sous les yeux de tous, sont une histoire vivante et authentique. Parmi les meilleures œuvres de Courbet figurent « L’Atelier de l’artiste » et « Le Broyeur de pierres ».

Jean François Millet a travaillé simultanément avec Courbet. Il était plus faible que Courbet comme peintre, mais supérieur comme artiste. Il possédait la poésie du cœur que Courbet n'avait pas. « L’art de peindre consiste à transmettre l’apparence des objets. Mais ce n’est pas le but de l’art, mais seulement un moyen, un langage utilisé pour exprimer ses pensées. Ce qu’on appelle composition, c’est l’art de transmettre sa pensée aux autres », écrit Millet.

Ayant grandi dans le village et y étant associé toute sa vie, Millet, dans ses années de maturité, a peint exclusivement des paysans et leur travail dans les champs. Sans violer l'authenticité réaliste, il obtient une impression de grandeur biblique dans ses tableaux de petit format : « L'homme à la houe », « Les cueilleurs d'oreilles », « Le Semeur ».

En effet, le représentant du réalisme critique était Honoré Daumier. Comme Balzac, il a créé la « Comédie humaine » de l’époque à travers des milliers de dessins, lithographies et peintures. Il a travaillé dans des magazines satiriques, ce qui a déterminé l'orientation de son travail de caricaturiste politique. Daumier n'a pas échappé à la prison pour sa satire du roi, dont la plus forte est la lithographie « En bas du rideau, la farce se joue ». La plus grande réalisation de l’artiste au cours des années de la Monarchie de Juillet fut la feuille tragique « Rue Transnonen » sur le massacre de civils. De 1830 à 1834 seulement, il y a eu 520 procès de presse en France, malgré la loi en vigueur sur la liberté de la presse. Daumier réalise la lithographie « L'imprimeur qui défendait la liberté de la presse ». Mais en 1834, le gouvernement mit fin à la liberté d’expression et rétablit la censure. Daumier bascule vers le genre de la satire des mœurs. Il est l'un des premiers urbanistes de l'art. De 1837 à 1851, Daumier réalise une trentaine de séries lithographiées (plusieurs milliers de lithographies ont survécu) : « Types parisiens », « Bourgeois respectables », « Ouvriers de justice », etc. - toute la vie de la France sur plusieurs décennies.

Dans les années 80, le naturalisme est devenu un mouvement littéraire influent.

«Nous sommes les mêmes ouvriers assidus qui inspectent soigneusement le bâtiment, qui découvrent des poutres pourries, des fissures internes, des pierres déplacées - tous ces dommages qui ne sont pas visibles de l'extérieur, mais qui peuvent conduire à la mort de tout le bâtiment. N'est-ce pas une activité plus utile, plus sérieuse et plus digne... que de grimper sur un haut piédestal avec une lyre à la main ? - Emile Zola (1840-1902).

« Il faut traiter les gens comme des mastodontes ou des crocodiles. Est-il possible de s’enthousiasmer pour les cornes des uns et les mâchoires des autres ? Montrez-leur, faites-en des peluches, mettez-les dans des pots d'alcool, c'est tout, mais ne prononcez pas de jugements moraux devant eux, et qui êtes-vous tous, petits crapauds ? -Gustave Flaubert (1821-1880).

Ces confessions de deux maîtres exceptionnels des mots reflètent la position des partisans du naturalisme, qui limitent délibérément le rôle de l'écrivain, ne lui permettant pas de généraliser.

Le naturalisme en littérature est un développement unilatéral du réalisme, un rejet des idéaux, une pénétration dans l’essence intérieure d’un phénomène, un déni du droit de l’artiste à la fiction et à l’expression de ses sentiments et de ses opinions. En quête d'une représentation objective de la réalité, les naturalistes comparaient leur méthode à l'étude scientifique de la vie, qui serait basée sur l'expérimentation, l'exactitude de la description et la documentation. Leur esthétique est en phase avec la philosophie du positivisme

La période de la seconde moitié du XIXe - début du XXe siècle. est à juste titre considéré comme l'âge d'argent de la culture russe (un tableau détaillé est présenté ci-dessous). La vie spirituelle de la société est riche et diversifiée.

Les changements politiques survenus après les réformes d'Alexandre II n'étaient pas aussi importants que les changements sociaux et psychologiques. Disposant de plus de liberté et de matière à réflexion, les scientifiques, les écrivains, les philosophes, les musiciens et les artistes semblent désireux de rattraper le temps perdu. Selon N.A. Berdiaev, entré dans le 20e siècle. La Russie a connu une époque comparable en importance à la Renaissance ; c’est en fait l’époque de la Renaissance de la culture russe.

Principales raisons d'une croissance culturelle rapide

Un bond significatif dans tous les domaines de la vie culturelle du pays a été facilité par :

• de nouvelles écoles ont ouvert en grand nombre ;
• une augmentation du pourcentage de personnes alphabétisées, et donc lisant, à 54 % en 1913 chez les hommes et à 26 % chez les femmes ;
• une augmentation du nombre de personnes souhaitant entrer à l’université.

Les dépenses publiques en matière d'éducation augmentent progressivement. Dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le Trésor public alloue 40 millions de roubles par an à l'éducation, et pas moins de 300 millions en 1914. Le nombre d'associations éducatives volontaires, qui pourraient être fréquentées par une grande variété de segments de la population, et le nombre d'universités publiques augmentent . Tout cela contribue à la vulgarisation de la culture dans des domaines tels que la littérature, la peinture, la sculpture, l'architecture et le développement des sciences.

Culture de la Russie dans la seconde moitié du XIXe - début du XXe siècle.

	La culture russe dans la seconde moitié du XIXe siècle.	La culture russe au début du XXe siècle.
Littérature	Le réalisme reste la direction prédominante de la littérature. Les écrivains essaient de raconter le plus fidèlement possible les changements qui s'opèrent dans la société, de dénoncer les mensonges et de lutter contre l'injustice. La littérature de cette période a été considérablement influencée par l'abolition du servage, de sorte que la plupart des œuvres sont dominées par la couleur populaire, le patriotisme et le désir de protéger les droits de la population opprimée. Au cours de cette période, des sommités littéraires telles que N. Nekrasov, I. Tourgueniev, F. Dostoïevski, I. Gontcharov, L. Tolstoï, Saltykov-Shchedrin, A. Tchekhov ont travaillé. Dans les années 90 A. Blok et M. Gorky commencent leur parcours créatif.	Au tournant du siècle, les préférences littéraires de la société et des écrivains eux-mêmes ont changé et de nouvelles tendances littéraires telles que le symbolisme, l'acméisme et le futurisme sont apparues. XXe siècle - c'est l'époque de Tsvetaeva, Gumilyov, Akhmatova, O. Mandelstam (Acmeism), V. Bryusov (symbolisme), Mayakovsky (futurisme), Yesenin. La littérature tabloïd commence à jouir d’une énorme popularité. En fait, l’intérêt pour cette activité, tout comme l’intérêt pour la créativité, augmente.
Théâtre et cinéma	Le théâtre revêt également des caractéristiques populaires : les écrivains qui créent des chefs-d'œuvre théâtraux tentent d'y refléter les sentiments humanistes, la richesse d'esprit et les émotions inhérentes à cette période. Le meilleur	XXe siècle - l'époque de la connaissance de l'homme de la rue russe avec le cinéma. Le théâtre n'a pas perdu de sa popularité parmi les couches supérieures de la société, mais l'intérêt pour le cinéma était bien plus grand. Au départ, tous les films étaient muets, en noir et blanc et exclusivement documentaires. Mais déjà en 1908, le premier long métrage « Stenka Razin et la princesse » était tourné en Russie, et en 1911 le film « La Défense de Sébastopol » était tourné. Protazanov est considéré comme le réalisateur le plus célèbre de cette période. Les ormes sont basés sur les œuvres de Pouchkine et de Dostoïevski. Les mélodrames et les comédies sont particulièrement appréciés des téléspectateurs.
Musique, ballet	Jusqu'au milieu du siècle, l'éducation musicale et la musique étaient la propriété d'un cercle exclusivement limité de personnes - invités de salon, membres de la famille, spectateurs de théâtre. Mais vers la fin du siècle, une école de musique russe prend forme. Des conservatoires ouvrent dans les grandes villes. Le premier établissement de ce type est apparu en 1862.	Il y a un développement ultérieur de cette direction dans la culture. La popularisation de la musique a été facilitée par la célèbre chanteuse Diaghileva, qui a effectué des tournées non seulement dans toute la Russie mais aussi à l'étranger. L'art musical russe a été glorifié par Chaliapine et Nezhdanov. N. A. Rimsky-Korsakov poursuit son chemin créatif. La musique symphonique et de chambre se développe. Les représentations de ballet continuent de présenter un intérêt particulier pour le spectateur.
Peinture et sculpture	La peinture et la sculpture, tout comme la littérature, ne restent pas étrangères aux tendances du siècle. Une orientation réaliste prédomine dans ce domaine. De belles toiles ont été créées par des artistes célèbres tels que V. M. Vasnetsov, P. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, Levitan, Roerich, Vereshchagina.	Au seuil du 20ème siècle. de nombreux artistes écrivent dans l’esprit du modernisme. Toute une société de peintres, « Le Monde de l’Art », est en train de se créer, au sein de laquelle travaille M. A. Vrubel. À la même époque, les premières peintures abstraites apparaissent. V. V. Kandinsky et K. S. Malevich créent leurs chefs-d'œuvre dans l'esprit de l'abstractionnisme. P. P. Trubetskoy devient un sculpteur célèbre.
	À la fin du siècle, les réalisations scientifiques nationales ont considérablement augmenté. P. N. Lebedev a étudié le mouvement de la lumière, N. E. Zhukovsky et S. A. Chaplygin ont posé les bases de l'aérodynamique. Les recherches de Tsiolkovsky, Vernadsky et Timiryazev détermineront pour longtemps l'avenir de la science moderne.	Au début du 20ème siècle. Le public prend connaissance des noms de scientifiques aussi remarquables que le physiologiste Pavlov (qui a étudié les réflexes), le microbiologiste Mechnikov et le designer Popov (qui a inventé la radio). En 1910, la Russie a conçu pour la première fois son propre avion domestique. Concepteur d'avions I.I. Sikorsky a développé des avions dotés des moteurs les plus puissants de cette période, les Ilya Muromets et Russian Knight. En 1911, Kotelnikov G.E. Un parachute à dos a été développé. De nouvelles terres et leurs habitants sont découverts et explorés. Des expéditions entières de scientifiques sont envoyées dans des régions difficiles d'accès de Sibérie, d'Extrême-Orient et d'Asie centrale, parmi lesquelles V.A. Obruchev, auteur de « Sannikov Land ». Les sciences sociales se développent. Si auparavant ils n'étaient pas encore séparables de la philosophie, ils acquièrent désormais leur indépendance. P. A. Sorokin est devenu le sociologue le plus célèbre de son temps. La science historique continue de se développer. P. G. Vinogradov, E. V. Tarle, D. M. Petrushevsky travaillent dans ce domaine. L'histoire non seulement russe, mais aussi étrangère, fait l'objet de recherches.
Philosophie	Après l’abolition du servage, la pensée idéologique russe a atteint un nouveau niveau. La seconde moitié du siècle marque l’aube de la philosophie russe, notamment de la philosophie religieuse. Des philosophes célèbres tels que N.A. Berdiaev, V.V. Rozanov, E.N. Trubetskoy, P.A. Florensky, S.L. Frank travaillent dans ce domaine.	Le développement de la direction religieuse dans la science philosophique se poursuit. En 1909, tout un recueil d'articles philosophiques, « Vekhi », fut publié. Berdiaev, Struve, Boulgakov, Frank y sont publiés. Les philosophes tentent de comprendre l'importance de l'intelligentsia dans la vie de la société et, en premier lieu, de cette partie qui a une attitude radicale, de montrer que la révolution est dangereuse pour le pays et ne peut pas résoudre tous les problèmes accumulés. Ils ont appelé au compromis social et à la résolution pacifique des conflits.
Architecture	Au cours de la période post-réforme, la construction de banques, de magasins et de gares a commencé dans les villes, et l’apparence des villes a changé. Les matériaux de construction évoluent également. Le verre, le béton, le ciment et le métal sont utilisés dans les bâtiments.	moderne; style néo-russe ; néoclassicisme. La gare de Yaroslavsky est construite dans le style Art nouveau, la gare de Kazansky est construite dans le style néo-russe et le néoclassicisme est présent dans les formes de la gare de Kievsky.

Les scientifiques, artistes, peintres et écrivains russes acquièrent une renommée à l'étranger. Les réalisations de la culture russe de la période considérée sont reconnues dans le monde entier. Les noms des voyageurs et découvreurs russes ornent les cartes du monde. Les formes artistiques originaires de Russie ont une influence significative sur la culture étrangère, dont beaucoup de représentants préfèrent désormais admirer les écrivains, sculpteurs, poètes, scientifiques et artistes russes.